Ateneo de Córdoba - Contribuciones del usuario [es]

Calle Cruz Conde

2011-05-31T19:05:40Z

JustoJ:

[[Imagen:CalleCruzConde01.jpg|250px|right]]
[[Imagen:Calle Cruz Conde.JPG|250px|right]]
Calle que se inicia en la [[plaza de las Tendillas]] y termina en la [[Ronda de los Tejares]], teniendo como afluentes de sur a norte y en su parte este la [[calle San Álvaro]], [[calle Góngora]], [[calle Cabrera]] y [[calle Manuel de Sandoval]]; y en su parte oeste, [[calle Historiador Díaz del Moral]], [[calle Góngora]], [[calle Pastores]], [[calle Conde de Robledo]] y [[calle Manuel de Sandoval]].

==Historia==
Fue creada por el alcalde [[José Cruz Conde]] tras el ensanche de la [[Plaza de las Tendillas]] en el año [[1924]], al límite norte de la ciudad pudiendo acceder de una forma rápida a la Estación de Tren y a la Plaza de Toros de los Tejares principalmente. Desde entonces, se convirtió en una de las principales calles de la ciudad, siendo localización para múltiples establecimientos comerciales desaparecidos.

En los [[Años 1960|años 60]] la calle era conocida como el tontódromo, por ser el lugar de paseo para gran parte de la sociedad cordobesa para ver y ser visto.

En el año [[2010]] y tras varias polémicas sobre el uso de la misma, se decide la peatonalización de la calle con cargo a los fondos Proteja de la Junta de Andalucía. La peatonalización se culmina en abril de [[2011]].

==Reformas (mayo 2011)==
La casi remodelada calle Cruz Conde ofrece algunos detalles que a simple vista pasan desapercibidos a los paseantes, o resultan incomprensibles para ellos, pero que son curiosos y novedosos. Algunos se pueden apreciar ya. Otros se verán más adelante, ya que después de la finalización de la obra civil, prevista para esta misma semana con la culminación de los cinco metros de pavimentación que faltan en la confluencia con Ronda de los Tejares, se irán rematando los flecos que quedan.

Un detalle que ya se puede percibir en el pavimento está relacionado con la accesibilidad. Se trata de las franjas guías para invidentes, las primeras que se instalan en una calle de Córdoba, según explica la arquitecta responsable del proyecto, Rosa Lara. Son unas líneas paralelas marcadas en el pavimento a una profundidad de cinco milímetros y con una anchura de 0,40 que servirán de orientación a los ciegos para cruzar las calles perpendiculares a Cruz Conde. Estas franjas guías son muy útiles en zonas peatonales al no existir pasos de cebra.

Otro detalle presente en la calle está relacionado con la historia más antigua de Cruz Conde, plasmada hoy en mármol travertino. En la parte más próxima a Ronda de los Tejares hay una amplia franja de suelo de mármol dorado que contrasta con los tonos grisáceos y rosados del granito del resto de la calle. Refleja la "huella de la muralla de la villa", señala Rosa Lara, el trazado del lienzo romano que la cruzaba. A esa época aluden también las guías de latón que marcarán las galerías del foro romano en el tramo que hay entre San Alvaro y Góngora y en Conde de Robledo.

Los dos colores combinados en el suelo de granito también tienen su explicación. Las losas oscuras representan las zonas en las que había viviendas a principio del siglo XX; las claras, las que estaban libres. Unas líneas de latón enfatizan la diferencia. La parte aledaña a Las Tendillas, por ejemplo, lleva losas claras porque era calle en 1926.

Pero hay otros detalles más que se apreciarán en los próximos días y en los que se está trabajando, como las letras de latón que recordarán el nombre de las calles que existían antes del ensanche que sufrió Cruz Conde entre 1925 y 1930. En la parte más cercana a Las Tendillas quedará constancia de dos fechas claves, 1925 y 2011. Las letras de las calles "mirarán hacia la derecha" tanto en dirección a Ronda de los Tejares como hacia Las Tendillas, aclara Lara. En la parte aledaña a Ronda de los Tejares habrá una referencia al "antiguo barrio del Trascastillo que emerge". Para la perpetuidad quedarán impresos en el suelo una decena de nombres, entre ellos, Julio Burel --cuya huella se aprecia en la intersección con Góngora--, De Cabrera, Miraflores o Cuatro Esquinas. Urbanismo está realizando pruebas sobre la dimensión que tendrán las letras y debe decidir si colocarlas in situ o traerlas impresas desde un taller, aunque esto último requiere levantar "tres o cuatro losas" para sustituirlas por las nuevas con las letras, tarea que, según Lara, no necesitará más de un día. También está por decidir si se ponen dos placas de latón para identificar la muralla o se graba en el granito, o cómo y dónde restituir la cruz de San Alvaro.

Otras de las actuaciones pendientes, que con toda seguridad se acometerá después del 8 de mayo --al igual que la de las letras de latón-- es la instalación de una fuente ornamental en la intersección de la calle con Góngora, que irá acompañada por un plano de 1926, que contribuirá a entender mejor este puzzle histórico. La arquitecta explica que el plazo de ampliación pedido servirá para ejecutar todas estas actuaciones de "mejora" planteadas por la adjudicataria. Faltará también la luminaria artística del suelo, para lo que ya se está interviniendo en el pavimento de Conde de Robledo.

La calle, cuya plataforma única sostiene 16 anclajes de bicis, 18 bancos y 48 árboles, tendrá toldos cuando el presupuesto lo permita. Además, se convertirá en una vía abierta a las tecnologías con conexión wifi. Cruz Conde será una mezcla de pasado y futuro que, de momento, solo disfruta el peatón.

==Galería==
<gallery>
Imagen:Calle cruz conde renovada.JPG|Reformas 2011.
</gallery>

{{Revisar}}
[[Categoría:Calles de Córdoba|Cruz Conde]]
{{Cordobapedia2}}

Ateneo:Encuestas/2009/Decidir si la Wiki Ateneo de Córdoba a la candidatura de Córdoba 2016

2010-06-11T18:38:27Z

JustoJ: /* Mostrar un apoyo a la candidatura en el apartado de noticias para verlo en todas las páginas y abrir un artículo */

{{Estado encuestas|Si}}

== Asunto ==
Conocer la opinión de la comunidad de la Enciclopedia Wiki del Ateneo de Córdoba respecto a la actuación de la Web para la candidatura de la ciudad de Córdoba como Ciudad Europea de la Cultura en el año 2016.

== Motivo ==
Para en el año 2011 se decidirá cual de las 14 candidaturas presentadas por España será en 2016 la Ciudad Europea de la Cultura y por ello pienso que se abra una encuesta para determinar si debemos hacer algo. Para ello se necesita llegar a un consenso respecto a los apoyos que puede, o no, aportar la Enciclopedia Wiki del Ateneo de Córdoba para la candidatura de Córdoba 2016.

== Encuesta ==
=== ¿Debería inscribirse públicamente la Wiki como entidad a la candidatura de Córdoba 2016 en su Web http://www.cordoba2016.es? ===
==== Si, estoy de acuerdo ====
Para firmar en este punto agrega <nowiki>#~~~~</nowiki> en una línea nueva al final de esta lista.
#[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 15:01 17 oct 2009 (UTC)
#[[Usuario:Jacobino|Jacobino]] ([[Usuario Discusión:Jacobino|discusión]]) 18:27 29 oct 2009 (UTC)
#[[Usuario:Rafael Jiménez|Rafael Jiménez]] ([[Usuario Discusión:Rafael Jiménez|discusión]]) 18:51 29 oct 2009 (UTC)
#[[Usuario:JustoJ|JustoJ]] ([[Usuario Discusión:JustoJ|discusión]]) 18:36 11 jun 2010 (UTC)

==== No, puesto que ya se ha inscrito el Ateneo ====
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==== No (especifica el motivo) ====
Para firmar en este punto agrega <nowiki>#~~~~</nowiki> en una línea nueva al final de esta lista, poniendo entre paréntesis el motivo.

----

=== ¿Qué cosas debería realizar la Enciclopedia en la propia Web para apoyar al proyecto? ===
==== No debería realizarse nada ====
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==== No debería hacer nada, excepto abrir un artículo como cualquier otro ====
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==== Mostrar un apoyo a la candidatura en la portada ====
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==== Otros tipos de apoyos ====
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== Comentarios ==

En la [[Ateneo Discusión:Votaciones/2009/Decidir si la Wiki Ateneo de Córdoba a la candidatura de Córdoba 2016|página de discusión]].

Ateneo:Encuestas/2009/Decidir si la Wiki Ateneo de Córdoba a la candidatura de Córdoba 2016

2010-06-11T18:37:39Z

JustoJ:

{{Estado encuestas|Si}}

== Asunto ==
Conocer la opinión de la comunidad de la Enciclopedia Wiki del Ateneo de Córdoba respecto a la actuación de la Web para la candidatura de la ciudad de Córdoba como Ciudad Europea de la Cultura en el año 2016.

== Motivo ==
Para en el año 2011 se decidirá cual de las 14 candidaturas presentadas por España será en 2016 la Ciudad Europea de la Cultura y por ello pienso que se abra una encuesta para determinar si debemos hacer algo. Para ello se necesita llegar a un consenso respecto a los apoyos que puede, o no, aportar la Enciclopedia Wiki del Ateneo de Córdoba para la candidatura de Córdoba 2016.

== Encuesta ==
=== ¿Debería inscribirse públicamente la Wiki como entidad a la candidatura de Córdoba 2016 en su Web http://www.cordoba2016.es? ===
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=== ¿Qué cosas debería realizar la Enciclopedia en la propia Web para apoyar al proyecto? ===
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== Comentarios ==

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Ateneo:Encuestas/2009/Decidir si la Wiki Ateneo de Córdoba a la candidatura de Córdoba 2016

2010-06-11T18:36:31Z

JustoJ:

{{Estado encuestas|Si}}

== Asunto ==
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== Motivo ==
Para en el año 2011 se decidirá cual de las 14 candidaturas presentadas por España será en 2016 la Ciudad Europea de la Cultura y por ello pienso que se abra una encuesta para determinar si debemos hacer algo. Para ello se necesita llegar a un consenso respecto a los apoyos que puede, o no, aportar la Enciclopedia Wiki del Ateneo de Córdoba para la candidatura de Córdoba 2016.

== Encuesta ==
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#[[Usuario:Rafael Jiménez|Rafael Jiménez]] ([[Usuario Discusión:Rafael Jiménez|discusión]]) 18:51 29 oct 2009 (UTC)
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#[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 15:01 17 oct 2009 (UTC)
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== Comentarios ==

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Usuario discusión:Csuarezllosa

2010-04-29T17:51:37Z

JustoJ:

{{Bienvenido}}

== Hola ==

Hola, he visto la nota que me has dejado sobre la forma usual de bloquear las IPs en caso de Vandalismo y Spam, y estoy absolutamente de acuerdo en que ese debe ser el procedimento "normal", lo que sucede es que en esta Wiki somos pocos aún y no podemos perder el tiempo revisando, restaurando y bloqueando por semanas, quincenas y meses, no cuando es tan facil como que la mayoría de IPs son dinámicas y cuando el "ciberdelincuente" se conecte de nuevo tendrá una nueva asignada por el proveedor de servicios, con lo que tendrá nuevamente via libre para proseguir programando a los "robots" (pues no se si sabes que el 99% del Spam y vandalismo está hecho por máquinas). En estas circunstancias prefiero no perder el tiempo (aparte de que el ataque fue contra mi propia página de usuario). En otras Wikis (Cordobapedia por ejemplo) después de un ataque generalizado de robots tuvieron que prohibir la edición anónima (por IPs) restringiendo la edición solo a usuarios registrados. En Wikipedia no han llegado a eso, pero es que ellos tienen cientos de colaboradores revisándolo todo al instante. Otra opción de seguridad es proteger las páginas y así lo estamos haciendo con aquellas que se pueden considerar terminadas, así la edición queda restringida solo a los bibliotecarios. De todos modos si tu ves algún ataque y prefieres bloquear por semanas, quincenas, meses, etc. me parece correcto, Arturo hace lo mismo y me parece bien.
Un saludo y encantado de verte por aquí, estás en tu casa.--[[Usuario:MANOLO ORTAS|MANOLO ORTAS]] ([[Usuario Discusión:MANOLO ORTAS|discusión]]) 21:21 18 ago 2009 (UTC)

==Bienvenido==
Agradezco por tu parte el apoyo de tus manos, tiempo y persona en colaborar con la wiki del Ateneo; gracias por las revisiones que has realizado a gran número de los artículos de información para el usuario pero con tanto trabajo encima hay bastantes cosas que se pasan por alto, espero que continues ahí y nos apoyes en todo lo que puedas. Un saludo--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 22:42 18 ago 2009 (UTC)
:P.D.: respecto a tus palabras del bloqueo a IPs vandálicas, estoy de acuerdo, el periodo que le pongo generalmente es un mes, aunque si es muy repetitivo sé que se trata de la misma persona u ordenador por lo que marco un bloqueo definitivo.

==Votaciones y encuestas==
Csuarezllosa, tus decisiones acerca de las votaciones y encuestas las debes dejar en la página principal de las mismas, y si quieres adjuntar algún comentario, lo puedes hacer en la página de discusión. Aunque no seas un usuario activo, puedes participar en las decisiones de la web simplemente por haberte registrado y con ello dar tu voz y voto. Si estimas que debo adjuntar algo más a las votaciones, redactamelo para aclarar más las cosas. Muchas gracias--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 14:03 17 oct 2009 (UTC)
:P.D.: aunque hayas puesto tu opinión en los comentarios me gustaría que dejaras tu voto correctamente en la propia votación, sin que esté tachado, puesto que tú eres la persona que lo ha escrito y rectificado.

==Gracias por tu ayuda==
Gracias por deshacer todos los actos que comenten algunos vándalos sin gracia alguna; respecto a los comentarios, los sigo sea cual sea la página de discusión, estaré atento.--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 16:26 13 abr 2010 (UTC)

== Bibliotecario ==

Hola Csuarezllosa, ¿Carlos tal vez? No hay ningún inconveniente en nombrarte Bibliotecario y que así sigas ayudándonos mejor y con más "poderes" con el Vandalismo de que estamos siendo objetivo en los últimos tiempos, la verdad es que toda ayuda es poca. Tengo que consultarlo con los otros miembros, pero no habrá ningún inconveniente, puesto que tienes méritos más que sobrados, así que enhorabuena, bibliotecario. Un abrazo.--[[Usuario:MANOLO ORTAS|MANOLO ORTAS]] ([[Usuario Discusión:MANOLO ORTAS|discusión]]) 18:29 13 abr 2010 (UTC)

::Hecho, ya tienes los galones. Un abrazo, Bibliotecario --[[Usuario:MANOLO ORTAS|MANOLO ORTAS]] ([[Usuario Discusión:MANOLO ORTAS|discusión]]) 19:03 13 abr 2010 (UTC)

:::Bienvenido al grupo de bibliotecarios de esta wiki, espero que este proyecto nos lleve por un buen rumbo sin toparnos con muchos piratas y vándalos. Un abrazo--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 12:43 15 abr 2010 (UTC).
:::PD: te he hecho un [[Usuario Discusión:Sir Arthur/Comentarios Csuarezllosa|apartado]] en mi página de discusión por si tienes que hacerme algún comentario.

==Vandalismo==
Le dí la bienvenida, puesto que esta persona se registró, y lo que no sabemos es que esta persona sufrió vandalismo en su página o es ella misma la persona que realiza el acto vandálico; en principio me fijé en sus [[Especial:Contributions/AssaCom|contribuciones]] y ví que no tenía, por lo que pensé en lo primero puesto que muchos de nosotros hemos sufridos estos dichosos actos que hemos tenido que deshacer. Me comprendes, yo no la he juzgado puesto que no he tenido pruebas fehacientes, y muy tonta sería la persona de vandalizar su propia página--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 12:03 19 abr 2010 (UTC)

PD: he visto que has actuado rápido en reescribir el comentario en tu apartado de mi página de discusión. Un saludo

==Saludos==
Hola Carlos. He leído con interés tu biografía y no tengo por menos que felicitarte por la voluntad que has puesto en superar la llimitación que padeces y conseguir metas que no están al alcance de todos. Me complace igualmente tu colaboración con estas páginas del Ateneo de Córdoba que se están haciendo con modestia e ilusión. Un abrazo. --[[Usuario:JustoJ|JustoJ]] ([[Usuario Discusión:JustoJ|discusión]]) 17:51 29 abr 2010 (UTC)

Usuario Discusión:Sir Arthur/Comentarios JustoJ

2010-03-12T18:41:22Z

JustoJ:

<big>'''Comentarios de [[Usuario:JustoJ|Justo José Mérida]]'''</big>

Justo, cliquea [http://ateneodecordoba.com/index.php?title=Usuario_Discusi%C3%B3n:Sir_Arthur/Comentarios_JustoJ&action=edit&section=new aquí] para escribir una nueva discusión o bien escribe dentro de la discusión que previamente esté abierta, si hay alguien que quiere meterse en la conversación puede hacerlo.

==Comentarios anteriores==
*[[Usuario Discusión:Sir Arthur/Comentarios JustoJ/2008]]
*[[Usuario Discusión:Sir Arthur/Comentarios JustoJ/2009]]



Me parece que en las fechas de la portada no coinciden los días del mes con los de la semana. El 17 de marzo no es Martes, sino Miércoles, y así sucesivamente. Un saludo. --[[Usuario:JustoJ|JustoJ]] ([[Usuario Discusión:JustoJ|discusión]]) 18:41 12 mar 2010 (UTC)

James Bowie

2010-02-28T18:14:45Z

JustoJ:

{{esbozo}}

[[Imagen:Jim Bowie.jpeg|right|150 px]]

{{revisar}}

Centenario de Durruti

2010-02-04T23:48:03Z

JustoJ: Revertidos los cambios de 212.235.107.11 (disc.) a la última edición de Sir Arthur

Con motivo del centenario de [[Buenaventura Durruti]] ([[1896]]-[[1936]]) el Ateneo de Córdoba, en colaboración con la Confederación General del Trabajo- CGT contribuyó al homenaje en el recuerdo del revolucionario anarquista, conmemorando el centenario de su nacimiento mediante los siguientes actos desarrollados en el Centro Cívico Corredera:

'''Exposición Conmemorativa''' (del [[1 de mayo|1]] al [[11 de mayo]] de [[1997]]).

==Forum libertario==
*[[2 de mayo]].- Conferencia-coloquio: ''Durruti, un revolucionario anarquista del siglo XX'', a cargo de Antonio Morales.
*[[6 de mayo]].- Proyección, seguida de coloquio, de la película ''La estrategia del caracol'', de Sergio Cabrera.
*[[9 de mayo]].- Conferencia-coloquio: ''Anarquismo agrario. Una propuesta ecologista'', a cargo de [[Eduardo Sevilla Guzmán]], catedrático de Sociología Rural y socio fundador del [[Ateneo de Córdoba]].

[[Categoría:Homenajes|Durruti, Buenaventura]]

Centenario de Durruti

2010-01-29T18:36:42Z

JustoJ: Revertidos los cambios de 212.235.107.56 (disc.) a la última edición de Sir Arthur

Edgar Degas

2009-11-26T20:14:56Z

JustoJ: Página nueva: 200 px '''Hilaire-Germain-Edgar de Gas''', más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un ...

[[Imagen:Edgar Degas.jpg|right|200 px]]
'''Hilaire-Germain-Edgar de Gas''', más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.

==Carrera artística==

Después de regresar de Italia, Degas copió pinturas en el Louvre. En 1865 algunos de sus trabajos fueron aceptados en el Salón, y gradualmente ganó respeto en el mundo del arte convencional.[1] En 1870, hacia el final de la Guerra Franco-Prusiana, Degas se alistó en la guardia nacional, en donde la defensa de París le dejó poco tiempo para su pintura. Durante el entrenamiento con el rifle se le diagnosticaron problemas en su visión, y durante el resto de su vida la salud de sus ojos fue motivo constante de preocupación.[2]

Finalizada la guerra, Degas visitó a su hermano René en Nueva Orleans, y produjo un número de trabajos, muchos sobre familiares, antes de regresar a París en 1873. El siguiente año, Degas ayudó a organizar la primera exhibición impresionista. Los impresionistas hicieron siete presentaciones posteriores, la última en 1886; Degas exhibió su trabajo en todas ellas salvo una. Por este entonces Degas se convertiría también en fotógrafo amateur, tanto por placer como para capturar una acción con precisión para su pintura.[3]

En 1874, tras la muerte de su padre, surge una demanda del estado que revela que René (su padre) contrajo enormes deudas. Para preservar el buen nombre de la familia, Degas se ve forzado a vender su casa y una colección de arte que había heredado. De repente se encuentra dependiente de las ventas de su arte como única fuente de ingresos.[4] Después de varios años su situación financiera mejora, y las ventas de su trabajo artístico le permiten dar rienda suelta a su pasión por coleccionar trabajos de los artistas a quienes admira, grandes maestros como El Greco, modernos cómo Delacroix, y contemporáneos suyos Cézanne, Gauguin o Van Gogh. Ingres y Manet fueron especialmente bien representados.[5]

A medida que pasaron los años Degas se aisló, en parte debido a su creencia de que «un pintor no puede tener vida personal».[6] La controversia del Caso Dreyfus reveló sus inclinaciones antisemitas, rompiendo con sus amigos judíos.[7] Se cree que estuvo trabajando en pastel hasta fines del año 1907, y también que continuó haciendo escultura hasta finales de 1910. Aparentemente dejó de trabajar en 1912, cuando la demolición de su residencia en la rue Victor Massé lo forzó a mudarse al boulevard de Clichy.[8] Nunca se casó y pasó los últimos años de su vida prácticamente ciego, «vagando sin sentido por las calles de París»[9] hasta morir en 1917.
==Estilo==
Clase de baile, 1875 (Musée d'Orsay, París)
El ajenjo, 1876 (Musée d'Orsay, París)
La estrella, h. 1878 (colección privada, París)

Admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia del arte japonés y las tendencias simbolistas. En sus primeras obras sigue las tendencias neoclásicas, pintando cuadros de historia influido por el romántico Delacroix.

Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos, fundamentalmente en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo; su formación académica se evidencia en que no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento esencial de sus elaboraciones de figuras, predominando pues la línea sobre el color; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel; utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía.

Realizó retratos y series sobre el mismo tema, destacadamente las bailarinas, pero también sobre las carreras de caballos, uno de sus temas favoritos, en el que explora el movimiento. Otra serie son los desnudos femeninos que realiza sobre los distintos momentos de la toilette femenina. También representa escenas cotidianas de mujeres, lavanderas, planchadoras o burguesas.

A partir de 1880 usó cada vez más el óleo, en particular cuando trata desnudos femeninos. Esta técnica resultaba ideal para materializar su interés por el dibujo y la realidad instantánea y cambiante.

Esta línea de preferencia por la luz artificial y los ambientes urbanos es seguida por el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Degas fue uno de los pintores, junto a Ingres y Rafael, que Paul Gauguin admiraba y Van Gogh detestaba, como señala el primero en una carta a Émile Bernard, datada en Arlés, 1888.

Una de sus obras, a la que llamó Pequeña bailarina de 14 años, fue la única escultura exhibida por Edgar Degas en una exposición. Actualmente está esculpida en bronce, pero Edgar Degas la esculpió en cera. Unos estudios recientes han demostrado que el «esqueleto» de la escultura no se hizo de alambre, si no de madera de pinceles viejos.
==Obra==
* Réné de Gas con el tintero (1855), Smith College, Museum of Art, Northampton
* Jóvenes espartanas provocando a los jóvenes (1860), National Gallery, Londres
* La familia Bellelli (1860–1862)
* Semíramis construyendo Babilonia (1861), Galerie nationale du Jeu de Paume, París
* Carreras de caballos. Antes de la salida (1862), Museo de Orsay, París
* Escena de guerra en la Edad Media (1865)
* Los músicos de la orquesta o La orquesta de la Ópera (1868), Museo de Orsay, París
* La bolsa del algodón en Nueva Orleans (1872)
* El foyer de la danza en la Ópera (1872), Museo de Orsay, París
* La mujer del jarrón (1872), Jeu de Paume, París
* El Conde Lepic en la Plaza de la Concordia o Vicomte Lepic atravesando la Place de la Concorde (1873)
* Bailarina de verde, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
* Dos damas en la sombrerería, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
* Caballos de carreras (1874)
* Ensayo de ballet (1874)
* El ajenjo (L'absinthe) (1876), Museo de Orsay, París
* Fin del arabesco (1876–1877)
* Mujeres en la terraza (1877)
* La La en el circo Fernando (1879), National Gallery, Londres
* En las carreras, ante las tribunas (h. 1879), Museo de Orsay, París
* Bailarinas azules (1890)
* La taza de té (h. 1894), Tate, Londres
* Bailarinas rusas, (h. 1895), Museo Nacional de Estocolmo

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Además de sus cuadros, Degas dejó una amplia obra gráfica: dibujos, grabados y monotipos.

Impresionismo

2009-11-26T20:08:06Z

JustoJ:

El '''Impresionismo''' fue el movimiento más importante en la pintura de las últimas décadas del siglo XIX. Entre los pintores impresionistas se encuentran nombres tan importantes como Cézanne, Manet, Monet o Renoir.

== Introducción ==
En el siglo XIX, el marco artístico, dominado por un eclecticismo que se estaba moviendo ya en un callejón sin salida, era forzosamente poco satisfactorio para cualquier espíritu creador y empezó a fomentar lo que se ha llamado la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte contemporáneo. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.

A partir del impresionismo la concepción de la obra de arte es totalmente diferente a la que había surgido en el [[Renacimiento]]. Los impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de su estudio y pintan directamente de la realidad. Debido a esto, la ejecución de un cuadro impresionista es muy rápida, ya que se trata de captar el instante irrepetible de luz en el paisaje. Este nuevo tipo de artista se fundamenta en el genio individual que vive de su arte, y que debe vender sus cuadros realizando exposiciones, por lo que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías. El artista deja el taller para pintar directamente ante la naturaleza.

El impresionismo es un movimiento exclusivamente pictórico, por su concepción, aunque el término se aplica, un poco abusivamente, a otras artes cuando los autores pretenden apelar a las sensaciones que producen sus obras.

== La gestación ==
La mayor parte de la generación impresionista nació entre 1830 y 1844, pero no se encontraron en París hasta la década de 1860. El acontecimiento decisivo no ocurrió hasta 1869, cuando [[Pierre-Auguste Renoir|Renoir]] y [[Claude Monet|Monet]] pintaron juntos en La Grenovillére, sin duda el año más importante para el movimiento impresionista. Fue allí donde ambos descubrieron que las sombras no son pardas ni negras, sino coloreadas en su periferia, y que el color local de los objetos queda modificado por la luz que los ilumina, por reflejos de otros objetos y por contrastes de colores yuxtapuestos. Los dos pintores comenzaron a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje. Aún tenían que pasar cinco años para la inauguración de la primera exposición impresionista, pero lo cierto es que el Impresionismo había nacido ya.

A finales de 1869 los principales pintores impresionistas ya se conocían bien unos a otros. Por entonces el Café Guerbois, en la Rue de Batignolles, cerca del taller de [[Édouard Manet|Manet]] (quien parece que por el momento era la personalidad dominante) se convirtió en el cuartel general de este círculo artístico. La actitud de solidaridad de los impresionistas a comienzos de la década de los setenta se expresa de un modo muy revelador en algunos retratos de grupo como el de Fantin-Latour (Taller en el barrio de Batignolles, 1870) o el de Bazille (El taller del artista en la Rue de la Condamine, 1870).

Los impresionistas tienen que separarse por primera vez durante la guerra Franco-Prusiana: Renoir y Manet permanecieron en París, Bazille murió en el frente y Monet y [[Camille Pissarro|Pissarro]] coincidieron en Londres, donde conocieron a Durand-Ruel (1831-1922), de ahora en adelante el marchante «oficial» del grupo. De hecho, en 1873 Durand-Ruel se mostraba ya lo bastante seguro de ellos como para preparar un catálogo completo con las existencias de su galería que no llegó a publicarse. Y tenía razones para estarlo.

El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo: el paso de la fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos estaban olvidados y el trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas; Sisley, aún más vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y Degas empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo que Monet o Renoir las flores del campo.

== El nacimiento ==
Todos los impresionistas eran ya conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se estaba fraguando. A fin de pesar más a los ojos del público intentaron atraerse a otros artistas y fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que, por fin, en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez eran de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria Impresión: sol naciente de Monet (1872) que, burlonamente citada por el crítico Louis Leroy, dio nombre al grupo.

Económicamente la exposición fue un desastre pero consiguió dar cohesión a los impresionistas y sirvió de precedente para más afortunadas empresas futuras. Dos años más tarde abrieron una nueva muestra, y luego, en 1877, una tercera. Sin embargo, el público no cesaba en su hostilidad y hasta 1879 el número de visitantes no creció. El éxito había de llegar, lento pero seguro, aunque será precisamente el éxito del grupo lo que pondrá fin a estas muestras colectivas.

En principio, los impresionistas sentían una profunda aversión por toda pintura que fuese demasiado formal o estuviese demasiado trabajada. En ningún momento intentaron llevar al lienzo conceptos románticos como la profundidad, la soledad, el silencio o el misterio de la naturaleza, porque creían que la misión de la pintura consistía sobre todo en representar la naturaleza desde el punto de vista óptico exclusivamente. La tradicional ley de la mímesis (la imitación de la realidad) fue interpretada por ellos con una radicalidad sin precedentes y lo que había sido criticado por la mayoría de las posturas estéticas del pasado (la captación puramente aparente de la realidad) se erigió en credo absoluto para el Impresionismo. La representación artística, según este movimiento, no debía estar mediatizada ni por la imaginación ni por la razón, sino que tenía por único objetivo trasladar a la obra las impresiones impregnadas en los sentidos y en la retina. En este sentido el Impresionismo iba a defender un arte vinculado a la apariencia, deseoso de reflejar la temporalidad del fenómeno e indiferente por completo a la esencia oculta de la naturaleza.

Naturalmente, en este sentido, los impresionistas habían tenido un precedente ineludible en Corot y en la Escuela de Barbizon. Es indudable que Corot jugó un importante papel en la formulación del Impresionismo porque renunció a muchos de los recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos y más sencillos, en superficies más luminosas. Y aunque, a diferencia de los impresionistas, nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta composición clásica, también usó con frecuencia una elevada clave tonal así como, en términos generales, un frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial. Por su parte, una vez que la Escuela de Barbizon y, en particular, Rousseau y Daubigny, hubieron adoptado la pintura al aire libre (y hay que tener en cuenta que Rousseau había comenzado ya a principios de 1827), el anecdotismo inició su declinar definitivo progresando en su lugar rápidamente el ilusionismo y el estudio de la luz.

== Otras características ==
Es imposible no ver la liberación que supuso la aparición del Impresionismo y de sus consecuencias inmediatas: pintar al aire frente al motivo, observar directamente la naturaleza, otorgar a la luz la hegemonía que le corresponde en el dominio de lo visible, relativizar todos los colores, abandonar la pintura de leyendas polvorientas y toda ideología directa, hablar de las apariencias cotidianas que conforman la experiencia de un público urbano más amplio (fiestas, días de campo, barcos, mujeres al sol...)... Ningún pintor anterior se había atrevido a tanto. Una pintura impresionista es, al mismo tiempo, más precisa y más vaga, que cualquier otra pintura que hayamos visto con anterioridad. En ella todo ha sido más o menos sacrificado en aras de la precisión óptica de sus colores y tonos. El espacio, las medidas, la acción (la historia), la identidad, todo queda sumergido bajo el juego de la luz.Y sorprendentemente todo puede deducirse de una simple afirmación que Monet hizo en diversas ocasiones: El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yo. Lo que ha cambiado es fundamental. Antes, el espectador entraba en la pintura porque su marco o sus bordes eran el umbral. La pintura en cuestión creaba su tiempo y su espacio propios y la experiencia de éstos permanecía inalterable y podía ser vivida una y otra vez. Pero el Impresionismo cerró ese tiempo y ese espacio y lo que en realidad el espectador recibe del cuadro se toma de lo que sucede entre él y la pintura porque dentro de ella no sucede nada.

La postura tradicional enseña que cuando la fotografía logró la plasmación real de los objetos, el Impresionismo pretendió la representación desde una nueva técnica: el abandono de la paleta de colores mezclados para usar colores puros que se yuxtaponen en la retina del espectador. Pero eso es falso. El Impresionismo mezcló a menudo el color en la paleta, lo elaboró, lo preparó, y entonces lo aplicó a la tela previa interpretación del autor y con el aporte exterior de la sensibilidad de cada espectador, porque de lo que se trataba, entre otras cosas, era de descomponer la forma en pinceladas anchas y escuetas que necesitaban forzosamente la participación del que mira.

En estas coordenadas se entiende que los tres problemas claves del Impresionismo hayan sido la luz, el espacio y el momento. El espacio se enfocaba, desde luego, de un modo totalmente nuevo: el Renacimiento tenía, y había legado a la posteridad, un concepto dramático y escenográfico del espacio, pero el Impresionismo tenía un concepto aprehensivo y totalizador para cuya captación era absolutamente necesaria la concurrencia de la luz. Para la nueva representación no había que acatar la regla del punto de fuga o de la unidad del cuadro bajo un punto, sino que, al ser un espacio total, captado de una forma intelectual,se podía apreciar por un detalle, por la relación de dos elementos del cuadro, por un enfoque diferente o por la gradación de la intensidad lumínica. Y es que la luz, sobre todo, se enfocó de una manera revolucionaria. Hasta ese momento se trataba de iluminar, de pintar las cosas a la luz y con luz. Para los impresionistas se trataba de pintar la luz y las cosas en la luz porque ella es el elemento esencial que envuelve la materia y por eso resulta inseparable de cualquier figura representada. Esa misma luz sería la que daría la posibilidad de plasmar el instante, lo fugaz, por la sencilla razón de que las cosas son diferentes con diferente luz. Por eso fue tan importante el Impresionismo: rompió definitivamente la iluminación directa que produce el claroscuro y, con ello, anuló todo el sentido dramático que hasta ahora imperaba en el arte y del que tanto había abusado la pintura inmediatamente anterior.

== La ciencia y otras influencias ==
En este sentido, el impacto de la ciencia sobre los pintores fue, como cabía esperar, fundamental, sobre todo en el campo de la investigación óptica y, en especial, en lo referente a los colores y a la estructura de la luz. El hombre de ciencia cuyo nombre suele asociarse a las teorías de los impresionistas sobre el color es el químico francés Eugène Chevreul. En 1839 publicó su libro Los principios de la armonía y el contraste de los colores y su aplicación a las artes. Su principal idea era que los colores en proximidad se influyen recíprocamente, algo que ya habían intuido muchos pintores pero que nunca se había escrito en una teoría concreta y científicamente demostrada. Chevreul también observó que cualquier color visto aisladamente parece estar rodeado por una leve aureola de su color complementario y estudió lo que se conoce como mezcla óptica: experimentando con hilos de lana encontró que dos hilos de tinte distinto parecen un solo y mismo color cuando se los ve juntos a distancia. Todo esto iba a ser una influencia decisiva para los impresionistas porque acabó induciendo a los pintores a matizar sombras con colores complementarios del color del objeto que las arrojaba y a yuxtaponer colores en el lienzo para que el ojo los fundiese a distancia, produciendo de esta manera colores más intensos de lo que había sido posible conseguir mezclándolos simplemente en la paleta. A su vez, los impresionistas sacaron también partido del descubrimiento de que los colores complementarios yuxtapuestos, si se usan en zonas suficientemente grandes, se intensifican de manera recíproca, mientras que, usados en pequeñas cantidades se funden, reduciéndose a un tono neutro.

Es en toda esta renovación general de la visión en la que colaborará, de un modo fundamental, la reciente moda de las láminas japonesas. Los impresionistas piden al arte japonés sugerencias internas de acuerdo con sus propias búsquedas: una limpidez nueva, la claridad de las sombras, el gusto por la síntesis, la asimetría del planteamiento, sus escorzos y vistas desde un ángulo elevado, sus figuras desprovistas de eje, recortadas en los bordes, la tensión contrastada entre las superficies claras y oscuras... Y los temas. Como los artistas japoneses de la Escuela de Hokusai, los pintores impresionistas se empeñan en elegir sus temas a partir de las cosas que les rodean. Frente a lacrimógenos cuadros sociales, edulcoradas escenas campesinas o agradables interiores burgueses de un realismo ya domesticado, y de frente, también, a la habitual pintura oficial de historias moralizantes, el Impresionismo plantea la batalla sobre la noción todavía acuciante del tema, que ahora se transforma en "motivo", y sobre la afirmación absoluta de la independencia creadora y la necesidad del artista, planteada por [[Charles Baudelaire|Baudelaire]], de pertenecer a su tiempo, de expresar la modernidad.

Sin embargo, no todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Edouard Manet fueron realizadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que parece, a primera vista, un tema "impresionista" era capaz de cargarlo con tantas ironías y contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez. Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar Degas, con una pintura difícil de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes mezclas de categorías, sus influencias poco convencionales y, sobre todo, su tan traída y tan llevada "frialdad", aquella fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de su infatigable poder de deliberación estética.

De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos. Sin duda, Camille Pissarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un pintor más tonal que esencialmente colorista. Pero, decano del Impresionismo, jugó un importante papel como conciencia moral y guía artístico. Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley, influido por ambos. Durante toda su vida siguió fielmente las directrices de los impresionistas pero nunca llegó a abandonar "la caza del motivo" y siempre se dejó llevar espontáneamente, con una facultad de comunicación directa, por un Romanticismo subyacente y lleno de poesía.

== El final ==
A finales de los años setenta, los impresionistas comenzaron a disgregarse, a tener dudas, a encontrar que su alborozante arte era insuficiente. En realidad, es algo desconcertante que el momento de auge de este nuevo estilo durase tan poco tiempo. Se puede aducir que, evidentemente, después de tan larga lucha, los impresionistas pudieron darse cuenta de que habían creado y desarrollado un nuevo idioma válido y original, y continuar, en consecuencia, durante muchos años, sacando las deducciones de sus descubrimientos. Pero lo cierto es que, en términos generales, no lo hicieron así. Clark encuentra una explicación a esto en las limitaciones inherentes a un estilo que trata de transcribir simplemente la naturaleza y lo cierto es que los pintores llegaron a darse cuenta de que se hallaban en un callejón sin salida estilístico.

No obstante, el impresionismo tuvo innovadores rebrotes con el Puntillismo (también llamado Neoimpresionismo) y el Postimpresionismo.

== Los impresionistas ==
[[Édouard Manet]] (1832-1883) está considerado como el precursor del impresionismo, más que por su técnica por su actitud ante la obra de arte, siempre escandalosa. Merienda en la hierba o Almuerzo campestre, Un bar en el Folies-Bergère, Música en el jardín del las Tullerías y La Olimpia, ambas obras provocaron el escándalo por mostrar desnudos en situaciones cotidianas de la burguesía, y El pífano una obra extraordinaria que recuerda, en su tratamiento del fondo y su composición a la de Velázquez El bufón Pablo de Valladolid.

[[Camille Pissarro]] (1803-1903) fue el pintor que más se acercó a la naturaleza. Es uno de los grandes paisajistas del movimiento: El lavadero, La estación de Perge, Huerto en flor.

[[Claude Monet]] (1834-1906) es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan Impresión: sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas.

Alfred Sisley (1839-1899) es uno de los fundadores del impresionismo. Sus cuadros son discretos, pero encarna todas las características del estilo. Retrata la realidad sin efectismos. El canal, Nieve en Louveciennes, Campo de trigo cerca de Argenteuil, La presa de Molesey.

[[Edgar Degas]] (1834-1917) fue un impresionista atípico. Era un buen dibujante, y en sus cuadros utiliza abundantemente el blanco y el gris. Sus temas favoritos son las bailarinas y los espectáculos nocturnos, en su dimensión más cotidiana y menos espectacular, las carreras de caballos, los paisajes urbanos, desnudos y retratos. No pintó al aire libre. Entre sus obras destacan Bailarinas preparándose para el ballet, Los jóvenes espartanos, Escenas del ballet «Roberto y el Diablo», Dos bailarinas en el escenario, Retrato de Edmond Duranty, Después del baño, Bañista arreglándose el pelo.

[[Pierre-Auguste Renoir]] (1814-1919) es uno de los más puros impresionistas. Sus motivos son el tiempo de ocio de la burguesía, los bañistas y el cuerpo femenino y también los interiores. Dejó el impresionismo a los cuarenta años, cuando se dio cuenta que había llegado a un callejón sin salida. Obras suyas son El palco, Baile en el Molino de la Galette, Dama tocando el piano, El concierto, La bailarina, Mujer desnuda secándose los pies, La lavandera.

[[Paul Cézanne]] (1839-1906) tiene una larga y variada trayectoria como pintor. Para él el impresionismo sólo es una época de su vida, y nos los encontraremos en el postimpresionismo: La casa de Zola en Medan.

Monet, Sisley y Pissarro son los pintores ortodoxos por excelencia. Pintan paisajes del natural. El cuadro de Monet Impresión: sol naciente es el cuadro típico del impresionismo. Al igual que en la escuela de Barbizon trabajan en la naturaleza, en los bosques de Fontainebleau. Otros impresionistas menos conocidos son Frédéric Bazille: Reunión de familia, Gustave Caillebotte: Tejados nevados, Armand Guillaumin: Montmartre, Maurice Urtrillo: Molino de la Galette, y Berta Morisot, una de las pocas mujeres que hasta ahora han destacado en la historia del arte: Vista de París desde la colina del Trocadero, Retrato de la madre y la hermana, La cuna.

El impresionismo prende con tal fuerza que en poco tiempo se extiende por todo el mundo, aunque por supuesto fuera del arte académico. En Alemania destacan Lovis Corinth: Ecce Homo, y Max Liebermann: Jugadores de polo. En Bélgica están Henri de Braekeller: El restaurador de cuadros, Guillaume Vogels: La plaza de armas de Ostende, y James Ensor: Tarde en Ostende, más conocido como expresionista. En Inglaterra trabajarán muchos de los artistas franceses, durante la guerra Franco-Prusiana. Destacan Walter Richard Sickert: El sombrero azul, y Philip Wilson Steer: Muchachas corriendo en la escollera. En Italia destacan Giovanni Boldini: Retrato de Cléo de Mérode, y Federico Zandomeneghi: Niña durmiendo. En Noruega sobresale Frits Thaulow: Escena de canal en invierno. En Suecia destaca Ernst Josephson: Bosque y tañedor de arpa. En Rusia encontramos a Ilich Isaac Leviatán: Otoño dorado. E incluso en [Estados Unidos] hay pintores impresionistas como Childe Hassam: Washington Arch en primavera, y Julián Alden Weir: Paisaje. Todos ellos trabajaron en París en algún momento de su vida, donde entraron en contacto con los grandes impresionistas.

En España Joaquín Sorolla (1863-1923) es el pintor impresionista más representativo, y el único impresionista no francés de talla internacional. Trabaja en Levante, con la luz del Mediterráneo, por eso sus cuadros tienen un color y una luz muy vivos. Nadadores, Y aún dicen que el pescado es caro..., Cosiendo la vela, Después del baño, Sol de tarde, Saliendo del baño, En la playa y Niño en la playa. Otros impresionistas españoles son Aureliano de Beruete: Orillas del Manzanares, Joaquín Mir: Cala encantada, Francisco Oller: El estudiante, y Darío de Regoyos: Redes tendiéndose al sol.

== La escultura impresionista ==
No existe escultura impresionista como tal, ya que el impresionismo atiende a la luz y el color. Sin embargo, algunos pintores impresionistas realizan esculturas con un aspecto similar al de sus cuadros. Destacan entre todos Gauguín, Degás, que esculpe bailarinas y Renoir que realiza relieves.

Sin embargo, el escultor considerado impresionista, por excelencia, es [[Auguste Rodin]], (1840-1917) el escultor más grande de la época. Tendrá una etapa simbolista. La edad del bronce, El pensador, La mano de Dios, Los burgueses de Calais. Otros escultores son Costantín Meunier: El descargador, e Iván Mestróvic: la fuente de la vida.

== Referencias ==
*[http://impresionistas.pintores.deeuropa.net/ Pintores impresionistas]
*[http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_01_02/impresionistas.htm Los impresionistas]
*[http://pastranec.net/arte/indice-a.htm Páginas didácticas sobre Arte]

{{EL}}
[[Categoría: Arte]]
[[Categoría: Historia del Arte]]
[[Categoría: Impresionismo]]
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Usuario discusión:Jacobino

2009-11-23T21:22:27Z

JustoJ: /* Biografías y Vidas */

Bienvenido seas a esta tu casa, compañero Jacobino y antes Kahue, ya estábamos echando de menos tus valiosas aportaciones. Un abrazo.--[[Usuario:MANOLO ORTAS|MANOLO ORTAS]] 17:02 9 abr 2008 (UTC)

Bienvenido Jacobino, gracias por tus aportaciones, las cuales agradezco tanto como Manolo y el resto de los usuarios; sin embargo veo que el apartado de categorización no lo has cogido muy bien, ya que algunos no se deberían catalogar como tales y se deberían hacer de otra forma; no te preocupes por eso al respecto, vigilaré tus pasos y te ayudaré en lo que pueda a la hora de categorizar los artículos--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] 08:33 10 abr 2008 (UTC)

* '''Nuevas Secciones'''

Antonio, ¿has visto las nuevas secciones de Portada? Me refiero a la de [[Galería de Carteles del Ateneo]], a la de [[Homenajes del Ateneo de Córdoba|Homenajes]] y [[Exposiciones del Ateneo de Córdoba|Exposiciones]]. Arturo y yo hemos hecho todo el trabajo técnico, pero a ti te toca darle todo el contenido que le falta, pues tu eres quien tiene toda la información al respecto. Complétalo, que se está quedando muy bien.--[[Usuario:MANOLO ORTAS|MANOLO ORTAS]] ([[Usuario Discusión:MANOLO ORTAS|discusión]]) 12:29 15 jun 2008 (UTC)

*'''Enhorabuena'''
Y mi gratitud en nombre del Ateneo por vuestro trabajo arduo, riguroso y desinteresado. El viernes me felicitaron en Bodegas Campos por esta página, en la que soy un amanuense y muy orgulloso de serlo. Pero las felicitaciones que recibo por todas partes de la gente seria de Córdoba, aunque me conmueven porque no es normal y a todo se acostumbra uno menos a lo bueno, son felicitaciones para vosotros, los que estáis haciendo posible un sueño que prestigia al Ateneo. Por otra parte, imagínate el camarote de los Hermanos Marx y verás un poco la habitación donde se ubica el Archivo General del Ateneo de Córdoba (con mayúsculas, sí).
Te diré como primicia que el libro-homenaje a Bodegas Campos por su centenario incluirá un CD con el concierto ''Athenaeum'' del maestro Luis Bedmar, grabado por la Orquesta de Córdoba bajo la dirección de Leo Brower. ''Una pasión compartida'' se va a llamar el libro y de esa pasión llamada Córdoba vosotros también formáis parte por derecho propio. Un abrazo.--[[Usuario:Jacobino|Jacobino]] ([[Usuario Discusión:Jacobino|discusión]]) 18:25 15 jun 2008 (UTC)

==[[Usuario Discusión:Sir Arthur|Sir Arthur]]==
===Grupo 2º Traste===
Antonio, he visto he visto que has subido las imágenes del Grupo 2º Traste, el problema es que tres de ellas no se visualizan, seguramente por tener el signo '''º'''; a ver si puedes meterlas con el mismo nombre quitandole ese signo--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 11:14 23 ago 2008 (UTC)

===Imágenes que no se visualizan===
Antonio aquí te podré cada vez que vea una imagen que no se visualice por el problema de las tildes o eñes, y no la has vuelto a subir con el nombre correcto; para que tú la vuelvas a subir--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 20:14 17 sep 2008 (UTC)
*[[:Imagen:Publico asistente a la presentación del libro Partitura flamenca.jpg]]

===Cuestiones===
#Antonio, mirando el artículo de las [[Fiambreras de Plata Año 1995]], he visto que premiaban a la Peña Flamenca Fosforito; pero al recordar el nombre sabía que en la provincia existen varias peñas con el mismo nombre los cuales puedes ver en el artículo de la [[Federación Provincial de Peñas Flamencas de Córdoba]]; sabías a que Peña Flamenca Fosforito correspondia ¿la de Luque, la de Puente Genil, la de Villa del Río o es otra peña de otra localidad?. Un saludo--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 10:23 19 sep 2008 (UTC) RESPONDIDA
#Antonio, en los artículos de [[Roque Dalton]] y [[Juan Gelman]] que has redactado, has puesto al final el siguiente texto '''"Bibliografía: Entre la espada y la poesía de Antonio Varo Baena (núm. 47 col. Arca del Ateneo. Córdoba, España, 2007)."'''; ¿qué significa, que la información de ambas biografías las tomaste del libro de Antonio Varo, o que en este libro aparece una parte de su biografía? ¿te parece bien como lo he indicado en el artículo de [[Roque Dalton]]?. Un saludo--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 22:35 19 sep 2008 (UTC)

===Atención===
Antonio, estos días estoy cogiendo poco el ordenador por asuntos personales con los tramites de traslado de matricula, adaptandome a Córdoba y la universidad en Rabanales, del mismo modo que otros asuntos personales; espero ayudarte en cuanto me sea posible; un abrazo.

PD: me encuentro ya en Córdoba, ya he hablado con Manolo y pronto nos veremos

===Enlaces a Wikipedia===
Antonio, no te centres en poner enlaces externos hacia Wikipedia, tan solo centrate en los enlaces internos que deriven hacia artículos de nuestra wiki, si ves necesario borrar los enlaces puesto que ves que no es necesario crear dicho artículo, lo borras simplemente. PD te queda un articulo para hacer los 5.000. Un abrazo--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 11:46 13 ago 2009 (UTC)

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Antonio, ten cuidado con los articulos de Cordobapedia, la plantilla que debes utilizar si no procedia la informacion del Ateneo es '''<nowiki>{{Cordobapedia2}}</nowiki>''' no como estas usando ahora '''<nowiki>{{Cordobapedia}}</nowiki>'''. Un abrazo--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 10:18 20 sep 2009 (UTC)

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Antonio, si subes imagenes procedentes de otras webs, no las pongas que son del Ateneo puesto que podríamos tener conflictos legales, clickea sobre '''no sé qué licencia tengo que utilizar''', menos mal que en las webs de partidos politicos se pueden tomar sin problemas, pero antes de tomar información (texto o imagen) leete en la parte final de la web donde pone '''AVISO LEGAL''' el tipo de toma de información. Ok. Un abrazo--[[Usuario:Sir Arthur|Sir Arthur]] ([[Usuario Discusión:Sir Arthur|discusión]]) 15:41 20 sep 2009 (UTC)

==Imagen sin uso==
¿A qué articulo corresponde esta imagen[[Imagen:Escrito en Andalucia.jpg|right|250 px]]? Si me lo indicas puedo incluirla.
--[[Usuario:JustoJ|JustoJ]] ([[Usuario Discusión:JustoJ|discusión]]) 12:49 16 jul 2009 (UTC)
== Imagen sin uso ==
Corresponde a la Memoria de 1990 (29 de junio)Presentación de un libro de Jacinto Mañas a cargo de Juana Castro. También están en la foto Fernando Serrano y Encarna García Higuera, pero creo que es mucho texto para tan poca foto. Gracias. --[[Usuario:Jacobino|Jacobino]] ([[Usuario Discusión:Jacobino|discusión]]) 13:30 16 jul 2009 (UTC)

==Biografías y vidas==
Hola Antonio. ¿La página de Biografías y Vidas tiene licencia de copia libre o necesita su autorización? Si no estuviéramos autorizados de alguna forma nos podrían dar en la cresta por copiar sus biografías. Puedes responderme en [http://www.ateneodecordoba.com/index.php/Usuario_Discusi%C3%B3n:JustoJ mi página]. Gracias.
--[[Usuario:JustoJ|JustoJ]] ([[Usuario Discusión:JustoJ|discusión]]) 10:42 22 nov 2009 (UTC)?

:Cuidado porque la web de Biografías y Vidas tiene copyright. Saludos.--[[Usuario:Rafael Jiménez|Rafael Jiménez]] ([[Usuario Discusión:Rafael Jiménez|discusión]]) 20:13 22 nov 2009 (UTC)

==Biografías y Vidas ==
Pues voy a dejar de "extraer" cosas de ese sitio. Ya le dije a Justo que me aviséis si algo no hago bien. Siempre nos quedará la ELU y la Wikipedia o la Cordobapedia o tantas otras buenas como hay por el ciberespacio ese. Aunque con el material que tengo acumulado, creo que no voy a necesitar de ninguna otra fuente en mucho tiempo.

Como veis, estoy empeñado en cerrar esta aventura que me he automontado con artículos que no tienen nada que ver con Córdoba y sé que no os entusiasma mucho. Pero voy a terminar, con el permiso de la Comunidad, ya mismo. Y en cuanto tenga oportunidad intentaré explicaros esa automovida que me tiene loco y de la que no sé como salir, pero espero que la voluntad
me salve o que me digáis que ya está güeno lo güeno.
Un abrazo para todos.
--[[Usuario:Jacobino|Jacobino]] ([[Usuario Discusión:Jacobino|discusión]]) 22:09 22 nov 2009 (UTC)

*Correcto. No había laído el permiso de copia (está en letra tan pequeña abajo...) :-)
Vaya pedazo de enciclopedia que está quedando. Te estás pegando un trabajazo de narices. Saludos.
--[[Usuario:JustoJ|JustoJ]] ([[Usuario Discusión:JustoJ|discusión]]) 21:22 23 nov 2009 (UTC)

Usuario discusión:Jacobino

2009-11-22T10:42:39Z

JustoJ:

Feria de la Virgen de la Aurora

2009-11-09T22:50:53Z

JustoJ:

[[Imagen:Cartel Feria Real Monturque 2009.jpg|right|200 px]]
Feria del municipio de [[Monturque]] celebrada a finales de [[Agosto]] en honor a la patrona la [[Virgen de la Aurora (Monturque)|Nuestra Madre Virgen de la Aurora]].

El primer día de feria comienza con una ofrenda de flores a la Virgen y la lectura del pregón del año en la [[Parroquia de San Mateo (Monturque)|Parroquia de San Mateo]]

El segundo o tercer día se celebra la procesión de la patrona por las calles del pueblo, siendo acompañada por los [[Coplas de la Aurora|cantos y coplas]] de los [[Campanilleros de la Virgen de la Aurora de Monturque|Campanilleros de la Virgen de la Aurora]].

==Pregoneros a la Virgen==
*[[2006]]. María de los Ángeles Carrillo
*[[2007]]. Marisol Jurado Jurado
*[[2008]]. María Teresa Mejías López
*[[2009]]. Catalina María Romero Muñoz

[[Categoría:Feria Real de Monturque| ]]

Feria del Santo Cristo de la Vera Cruz de Monturque

2009-11-09T22:48:08Z

JustoJ: Página nueva: {{esbozo}} 200 px {{revisar}}

{{esbozo}}

[[Imagen:Cartel Feria Santo Cristo Monturque 2009.jpg|right|200 px]]

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Semana Santa de Monturque

2009-11-09T22:44:28Z

JustoJ:

{{esbozo}}

== Galería de imágenes ==
<gallery>
Imagen:Cartel Semana Santa Monturque Nazareno 2008.jpg
Imagen:Cartel Semana Santa Monturque Nazareno 2009.jpg
Imagen:Cartel Semana Santa Monturque 2009.jpg
</gallery>

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Semana Santa de Monturque

2009-11-09T22:37:30Z

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{{esbozo}}

[[Imagen:Cartel Semana Santa Monturque Nazareno 2009.jpg|right|250 px]]

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Jorge Loring Martínez

2009-11-08T13:23:19Z

JustoJ:

[[Imagen:Jorge Loring Martinez sustituir.jpg|250px|right]]
'''Jorge Loring Martínez''' nació en Málaga el [[12 de octubre]] de [[1889]]. Se hizo ingeniero de Caminos, terminando la carrera en [[1912]], próximo a cumplir los veintitrés años. Sin plaza en el escalafón estatal, cuando la Administración era la única empleadora de estos ingenieros, en aquellos tiempos de élites, empujado por su espíritu emprendedor, marchó a Guinea, entonces colonia española, donde comerció con barcos de su propiedad, con notable éxito, en cacao y maderas finas. Regresó a España y el servicio profesional al Estado le llevó a Barcelona, donde desarrolló su gran afición a la mecánica y en concreto a la automoción.En 1919, unió fuerzas con el Marqués Pateras-Pescara para crear Pescara Helicopteracion SA.[http://www.pateras-pescara.net]

Destinado a ser figura importante en la historia de la aeronáutica española, se hizo piloto en [[1916]] y tras formar parte de la firma Loring, Pujol y Cía., dirige la empresa Talleres Herrete, S.A. donde se conjugan la enseñanza de pilotos, la fabricación de aviones y el interés por las líneas aéreas, tan usual hoy como insólito en aquellos años de la primera etapa histórica de la aviación.

De aquellos talleres, de los que había salido el automóvil llamado Ideal, salió un biplano de contraplaque ([[1917]]) que voló varios años. Después de otros intentos (el T.H. de reconocimiento, un biplaza, por ejemplo), en [[1919]] se entregaron a Aeronáutica Militar doce cazas España, con motor Hispano Suiza 8 Ab de 180 CV. Tras la guerra europea languideció la empresa Talleres Herrete, que tras ser incautada en 1921 por Aeronáutica Naval, desapareció en 1934.

La nueva firma de Loring Compañía Española de Tráfico Aéreo (CETA) inauguró en octubre de [[1921]] la línea postal Sevilla-Larache, que le había sido adjudicada. En [[1924]] adquiere ciento veinte hectáreas en Carabanchel Alto, lindando con Cuatro Vientos donde instala su aeródromo y su fábrica, para la que colaboró brillantemente el técnico Barron, iniciando la fabricación de 105 C.IV, que equiparon una escuadrilla en Tetuán bajo el mando del capitán Eduardo González Gallarza. Los primeros alumnos de Loring habían obtenido los títulos FAI.

Ya en aquellos años consiguió su meta de producir aparatos de diseño español, del que fue anuncio el R.I., un biplaza de reconocimiento que inició su vuelo en [[1925]]. En [[1926]] aparecieron dos nuevos prototipos Loring de proyecto Barron: el R.III y el T.I. Un ciero número de R.III fabricados sin pedido, sirvió para que se adjudicase a su nombre personal, en [[1926]] la continuación de la línea Sevilla-Larache. Aeronáutica Militar encargó ciento diez R.III: el primer pedido importante de un avión de proyecto español. Precisamente un R.III, pilotado por Ansaldo Vejarano llevó en [[1927]] al conde de la Vaulx, desde Madrid a Roma. El T.I.era un biplano de turismo y escuela de transformación, con motor Hispano-Suiza de 8 cilindros, probablemente de 300CV.

Loring, también construyó autogiros: el C.7 fue el más potente hasta entonces construido. Con él resolvió La Cierva algunos problemas que habían surgido a sus autogiros en Gran Bretaña: la nueva articulación de arrastre o resistencia fue incorporada a todos los autogiros británicos. También construyó otro autogiro de la Cierva, el C.12, para Aviación Militar. Este aparato, pilotado por Rambauds hizo sin escalas el trayecto Madrid-Lisboa ([[11 de julio]] de [[1929]]), "el más largo viaje hasta entonces por un aparato de alas giratorias". La depresión económica le alcanzó en [[1930]], y quizás por ello no llegó a terminar el ambicioso proyecto B.II, un avión gigante de seis motores.

En [[1934]] la empresa de J.L. es Aeronáutica Industrial,S.A. (AISA) que en [[1935]] realizó el proyecto GP-1 de González Gil, y el prototipo Loring X, un biplaza de cabina cerrada. De las exportaciones de Loring a América Latina hay escasez de datos, así como de la trágica muerte de este pionero de la aviación española que, detenido por milicianos, fue fusilado el [[22 de septiembre]] de [[1936]]; su cadáver fue hallado en su fábrica de Carabanchel.

==Galería de imágenes==
<gallery>
Imagen:Jorge Loring Martinez.jpg
</gallery>

[[Categoría:Aviadores del siglo XX|Loring Martinez, Jorge]]
[[Categoría:Nacidos en 1889|Loring Martinez, Jorge]]
[[Categoría:Nacidos en Málaga|Loring Martinez, Jorge]]
[[Categoría:Fallecidos en 1936|Loring Martinez, Jorge]]
[[Categoría:Fallecidos en Madrid|Loring Martinez, Jorge]]
{{Ref2|Los andaluces del siglo XX|Loring Martinez, Jorge}}

Provincia de Córdoba (España)

2009-11-04T19:10:26Z

JustoJ:

[[Imagen:Escudo de Cordoba.png|right|100 px]]
'''Córdoba''' es una provincia del sur de España, en la parte norte-central de la comunidad autónoma de Andalucía. Limita con las provincias de Málaga, Sevilla, Badajoz, Ciudad Real, Jaén, y Granada. Su capital es [[Córdoba (España)|Córdoba]].

Su área es 13.769 km². Su población es de 797.785 habitantes ([[2008]]), de los cuales más del 40% vive en la capital, y su densidad demográfica es de 58,88 hab/km².
{{TOCderecha}}
== Geografía ==
La provincia se divide principalmente en tres zonas geográficas: [[Sierra Morena]] al norte, el valle del [[Guadalquivir]] en el centro y las [[Cordilleras Béticas]] al sur.

=== Clima ===
El clima es mediterráneo continentalizado con unas temperaturas que en la capital oscilan entre los 9,2º de enero y los 27,2º de julio y agosto con máximas que a veces superan los 40º. Las precipitaciones en la capital son de 600 a 750 mm. al año concentrándose de octubre a abril.

== Población ==
[[Imagen:Poblacion_Cordoba.png|thumbleft|Mapa de población por municipios de la provincia de Córdoba.]]

===Evolución===
{{VT|Anexo:Evolución demográfica de los municipios de la provincia de Córdoba (España)}}
[[Imagen:Crecimiento poblacion Cordoba.png|thumbleft|Evolución del crecimiento vegetativo (natalidad - mortalidad) en ‰ en la provincia de Córdoba.]]

===Distribución===
[[Imagen:Densidad_Cordoba.png|thumb|Mapa de densidad de población por municipios de la provincia de Córdoba.]]

{| class="prettytable"
| <center>'''Nº'''</center>|| <center>'''Municipio'''</center>|| <center>'''Población'''</center>|| <center>'''%Provincia'''</center>
|-
| 1|| Córdoba|| <div align="right">323600</div>|| <div align="right">40,56%</div>
|-
| 2|| Lucena|| <div align="right">40746</div>|| <div align="right">5,11%</div>
|-
| 3|| Puente Genil|| <div align="right">29093</div>|| <div align="right">3,65%</div>
|-
| 4|| Montilla|| <div align="right">23650</div>|| <div align="right">2,96%</div>
|-
| 5|| Priego de Córdoba|| <div align="right">22999</div>|| <div align="right">2,88%</div>
|-
| 6|| Baena|| <div align="right">21138</div>|| <div align="right">2,65%</div>
|-
| 7|| Cabra|| <div align="right">21087</div>|| <div align="right">2,64%</div>
|-
| 8|| Palma del Río|| <div align="right">20855</div>|| <div align="right">2,61%</div>
|}

===Inmigración===
[[Imagen:Inmigracion_cordoba.png|thumb|Mapa municipal de inmigrantes en la Provincia de Córdoba en 2007.]]

{| class="prettytable"
| colspan="7" | <center>'''Población Inmigrante en Córdoba'''</center>
|-
| <center>'''País /Zona'''</center>|| <center>'''Hombres'''</center>|| <center>'''Mujeres'''</center>|| <center>'''Total'''</center>|| <center>'''% Total Ext.'''</center>|| <center>'''% Total And.'''</center>|| <center>'''% Pob.'''</center>
|-
| Alemania|| <center>94</center>|| <center>83</center>|| <center>177</center>|| <center>0,82%</center>|| <center>0,73%</center>|| <center>0,02%</center>
|-
| Bulgaria|| <center>184</center>|| <center>128</center>|| <center>312</center>|| <center>1,44%</center>|| <center>3,04%</center>|| <center>0,04%</center>
|-
| Francia|| <center>170</center>|| <center>178</center>|| <center>348</center>|| <center>1,61%</center>|| <center>2,53%</center>|| <center>0,04%</center>
|-
| Italia|| <center>218</center>|| <center>129</center>|| <center>347</center>|| <center>1,60%</center>|| <center>2,01%</center>|| <center>0,04%</center>
|-
| Reino Unido|| <center>463</center>|| <center>459</center>|| <center>922</center>|| <center>4,26%</center>|| <center>0,93%</center>|| <center>0,12%</center>
|-
| Rumanía|| <center>3937</center>|| <center>2870</center>|| <center>6807</center>|| <center>31,44%</center>|| <center>8,60%</center>|| <center>0,85%</center>
|-
| '''UE'''|| <center>5413</center>|| <center>4161</center>|| <center>9574</center>|| <center>44,22%</center>|| <center>3,11%</center>|| <center>1,20%</center>
|-
| Rusia|| <center>58</center>|| <center>117</center>|| <center>175</center>|| <center>0,81%</center>|| <center>2,02%</center>|| <center>0,02%</center>
|-
| Ucrania|| <center>197</center>|| <center>194</center>|| <center>391</center>|| <center>1,81%</center>|| <center>3,75%</center>|| <center>0,05%</center>
|-
| '''EUROPA NO UE'''|| <center>494</center>|| <center>567</center>|| <center>1061</center>|| <center>4,90%</center>|| <center>3,80%</center>|| <center>0,13%</center>
|-
| Marruecos|| <center>1498</center>|| <center>882</center>|| <center>2380</center>|| <center>10,99%</center>|| <center>2,57%</center>|| <center>0,30%</center>
|-
| '''ÁFRICA'''|| <center>2316</center>|| <center>1049</center>|| <center>3365</center>|| <center>15,54%</center>|| <center>2,80%</center>|| <center>0,42%</center>
|-
| Argentina|| <center>229</center>|| <center>224</center>|| <center>453</center>|| <center>2,09%</center>|| <center>1,77%</center>|| <center>0,06%</center>
|-
| Bolivia|| <center>242</center>|| <center>359</center>|| <center>601</center>|| <center>2,78%</center>|| <center>2,72%</center>|| <center>0,08%</center>
|-
| Colombia|| <center>530</center>|| <center>872</center>|| <center>1402</center>|| <center>6,48%</center>|| <center>6,72%</center>|| <center>0,18%</center>
|-
| Ecuador|| <center>892</center>|| <center>1219</center>|| <center>2111</center>|| <center>9,75%</center>|| <center>9,24%</center>|| <center>0,26%</center>
|-
| Perú|| <center>61</center>|| <center>92</center>|| <center>153</center>|| <center>0,71%</center>|| <center>3,38%</center>|| <center>0,02%</center>
|-
| '''AMÉRICA'''|| <center>2645</center>|| <center>4088</center>|| <center>6733</center>|| <center>31,10%</center>|| <center>4,77%</center>|| <center>0,84%</center>
|-
| China|| <center>336</center>|| <center>281</center>|| <center>617</center>|| <center>2,85%</center>|| <center>6,00%</center>|| <center>0,08%</center>
|-
| '''ASIA'''|| <center>523</center>|| <center>380</center>|| <center>903</center>|| <center>4,17%</center>|| <center>4,91%</center>|| <center>0,11%</center>
|-
| '''OTROS'''|| <center>7</center>|| <center>7</center>|| <center>14</center>|| <center>0,06%</center>|| <center>4,35%</center>|| <center>0,00%</center>
|-
| '''TOTAL'''|| <center>11398</center>|| <center>10252</center>|| <center>21650</center>|| <center>100,00%</center>|| <center>3,52%</center>|| <center>2,71%</center>
|}

;Estructura de la población por edad y sexo
[[Imagen:Piramide Cordoba.PNG|thumb|Pirámide de población de la provincia de Córdoba en el año 2008, comparada con 1981 (en rojo).]]

== Divisiones administrativas ==
La provincia, formada por 75 municipios, esta conformada administrativamente por 7 comarcas y judicialmente en 10 partidos judiciales.

=== Comarcas ===
{{AP|Comarcas de Córdoba}}

{| {{tablabonita}} border=1 cellpading="3"
|- bgcolor=silver
! Comarca!! Extensión!! Población!! Densidad!! Municipios!! Mapa comarcal
|-
| '''[[Alto Guadalquivir]]'''
| align="right" | 1.299 km²
| align="right" | 44.127 hab.
| align="right" | 33,9 hab/km²
| align="right" | 8
|rowspan=7 |[[Imagen:Comarcas de Cordoba.png]]
|-
| '''[[Campiña Este-Guadajoz]]'''
| align="right" | 725 km²
| align="right" | 39.260 hab.
| align="right" | 54,1 hab/km²
| align="right" | 5
|-
| '''[[Campiña Sur Cordobesa]]'''
| align="right" | 1.101,8 km²
| align="right" | 104.062 hab.
| align="right" | 94,4 hab/km²
| align="right" | 11
|-
| '''[[Subbética]]'''
| align="right" | 1.597 km²
| align="right" | 123.651 hab.
| align="right" | 77,48 hab/km²
| align="right" | 14
|-
| '''[[Los Pedroches]]'''
| align="right" | 3.612 km²
| align="right" | 56.435 hab.
| align="right" | 15,6 hab/km²
| align="right" | 17
|-
| '''[[Valle del Guadiato]]'''
| align="right" | 2.493 km²
| align="right" | 32.118 hab.
| align="right" | 12,88 hab/km²
| align="right" | 11
|-
| '''[[Valle Medio del Guadalquivir]]'''
| align="right" | 1.691 km²
| align="right" | 65.554 hab.
| align="right" | 38,76 hab/km²
| align="right" | 8
|}

Además de las mencionadas, el término municipal de la ciudad de Córdoba forma una comarca por sí misma.

=== Partidos judiciales ===
En la provincia existen 12 partidos judiciales:

{| {{tablabonita}} border=1 cellpading="3"
|- bgcolor=silver
! Partido judicial!! Municipios que comprende
|-
| '''Partido Judicial de Aguilar'''|| [[Aguilar de la Frontera]], [[Monturque]] y [[Moriles]].
|-
| '''Partido Judicial de Baena'''|| [[Baena]], [[Luque]] y [[Valenzuela]].
|-
| '''Partido Judicial de Cabra'''|| [[Cabra]], [[Doña Mencía]], [[Nueva Carteya]] y [[Zuheros]].
|-
| '''Partido Judicial de Córdoba'''|| [[Castro del Río]], [[Córdoba (España)|Córdoba]], [[Espejo]], [[Obejo]], [[Villaharta]] y [[Villaviciosa de Córdoba]].
|-
| '''Partido Judicial de Lucena'''|| [[Benamejí]], [[Encinas Reales]], [[Iznájar]], [[Lucena]], [[Palenciana]] y [[Rute]].
|-
| '''Partido Judicial de Montilla'''|| [[Fernán-Núñez]], [[Montalbán de Córdoba]], [[Montemayor]], [[Montilla]], [[La Rambla]], [[San Sebastián de los Ballesteros]], [[Santaella]] y [[La Victoria]].
|-
| '''Partido Judicial de Montoro'''|| [[Adamuz]], [[Bujalance]], [[Cañete de las Torres]], [[Cardeña]], [[El Carpio]], [[Montoro]], [[Pedro Abad]], [[Villa del Río]] y [[Villafranca de Córdoba]]
|-
| '''Partido Judicial de Peñarroya-Pueblonuevo'''|| [[Belalcázar]], [[Belmez]], [[Los Blázquez]], [[Espiel]], [[Fuente la Lancha]], [[Fuente Obejuna]], [[La Granjuela]], [[Hinojosa del Duque]], [[Peñarroya-Pueblonuevo]], [[Valsequillo]] y [[Villanueva del Rey]].
|-
| '''Partido Judicial de Posadas'''|| [[Almodóvar del Río]], [[La Carlota]], [[Fuente Palmera]], [[Guadalcázar]], [[Hornachuelos]], [[Palma del Río]], y [[Posadas]].
|-
| '''Partido Judicial de Pozoblanco'''|| [[Alcaracejos]], [[Añora]], [[Conquista]], [[Dos Torres]], [[El Guijo]], [[Pedroche]], [[Pozoblanco]], [[Santa Eufemia]], [[Torrecampo]], [[Villanueva de Córdoba]], [[Villanueva del Duque]], [[Villaralto]] y [[El Viso]].
|-
| '''Partido Judicial de Priego de Córdoba'''|| [[Almedinilla]], [[Carcabuey]], [[Fuente-Tójar]] y [[Priego de Córdoba]].
|-
| '''Partido Judicial de Puente Genil'''|| [[Puente Genil]].
|}

== Simbología ==
=== Escudo===
En campo de plata un león rampante de gules (rojo). Bordura componada con las armas reales de Castilla y León, donde a los leones se les ha suprimido la corona. Al timbre, corona real cerrada. La boca del escudo será la del español moderno, es decir: cuadrilongo y redondeado por su base, con 6 unidades de alto (del eje a la punta) por cada 5 unidades de ancho (del flanco diestro al flanco siniestro).

=== Bandera ===
Paño rectangular vez y media más largo, del asta al batiente, que ancho; de color morado. Centrado el escudo de la provincia de Córdoba con su correspondiente timbre, siendo las dimensiones del escudo, desde la corona del timbre a la punta, ½ del ancho total de la bandera, y el resto de proporciones en concordancia.

=== Logotipo ===
El logotipo está constituido por un símbolo que representa la figura sintetizada de un león rampante de color amarillo (Pantone 117), que se alza frente a una masa de color roja (Pantone 485), que en su parte derecha, por su forma, dibuja la inicial de la palabra Córdoba, unido a la leyenda Diputación de Córdoba con la tipografía Trade Gothic Bold 2 para la palabra «Diputación» y Trade Gothic Light para «de Córdoba», ambas de color negro.

== Espacios naturales protegidos ==
=== Parques naturales ===
La provincia cuenta con tres parques naturales:
*[[Parque Natural Sierra de Cardeña y Montoro]] al norte.
*[[Parque Natural Sierra de Hornachuelos]] al oeste.
*[[Parque Natural de las Sierras Subbéticas]] al sur.

=== Parques periurbanos ===
*[[Fuente Agria]].
*[[Fuente La Zarza]].
*[[La Sierrezuela]].
*[[Los Cabezos]].

=== Parajes ===
[[Imagen:Embalsebembezar.jpg|thumbnail|Embalse del Bembézar.]]
*[[Embalse del Malpasillo]].
*[[Embalse de la Cordobilla]].
*[[Embalse de San Rafael de Navallana]].
*[[Embalse de Sierra Boyera]]
*[[Embalse de Puente Nuevo]].
*[[Embalse de Guadamellato]].
*[[Embalse de San Pedro]].
*[[Embalse de La Breña]].
*[[Embalse de Hornachuelos]].
*[[Embalse de Bembézar]].
*[[Embalse de Iznájar]].
*[[Embalse de Yeguas]].
*[[Embalse de Guadanuño]].
*[[Embalse de la Encantada]].
*[[Embalse de Martín Gonzalo]].
*[[Embalse del Carpio]] (o salto de Pedro Abad).
*[[Embalse de Vadomojón]].

=== Monumentos naturales ===
*[[Sotos de la Albolafia]].
*[[Cueva de los Murciélagos]].

== Reservas Naturales ==
*[[Laguna Amarga]]
*[[Laguna de los Jarales]]
*[[Laguna de Tíscar]]
*[[Laguna de Zóñar]]
*[[Laguna del Conde o Salobral]]
*[[Laguna del Rincón]]

== Educación ==
=== [[Universidad de Córdoba]] ===

{{AP|Universidad de Córdoba}}

La Universidad de Córdoba, ubicada en Córdoba, España, fundada como tal en 1972, cuenta con 2 siglos de historia que avalan su trayectoria que ya hunde sus raíces en la Universidad Libre que funcionó en la provincia a finales del siglo XIX y cuenta con estudios centenarios como los de la Facultad de Veterinaria, únicos en Andalucía.

Su juventud y sus dimensiones medias -la UCO tiene 21.000 alumnos, algo más de 1.200 profesores y 700 trabajadores- la han dotado del dinamismo necesario para ir adaptándose y entrar en el siglo XXI como una universidad de alta calidad docente y probada solvencia científica.

Los estudios de la Universidad de Córdoba van desde las Humanidades y las Ciencias Jurídico-Sociales a las Ciencias de la Salud y las carreras científico-técnicas, tres áreas que se corresponden con su estructuración en tres grandes campus: el Jurídico social, integrado en el centro urbano; el de la Salud, al oeste de la capital, y el Agroalimentario, Científico y Técnico de Rabanales, en el área este. Además, la UCO cuenta con la Escuela Politécnica de Belmez, situada a sesenta kilómetros de la capital cordobesa.

== Enlaces externos ==
*[http://www.ateneodecordoba.com Enciclopedia del Ateneo y la ciudad de Córdoba]
*[http://wikanda.cordobapedia.es Enciclopedia libre de Córdoba]
*[http://www.uco.es/informa/provincia/pueblos/ Información provincial]
*[http://www.dipucordoba.es Diputación de Córdoba]
*[http://www.cajaespana.es/pubweb/decyle.nsf/PorMunicipios/55F19A95A6B728BDC1256E000033D8B0/$File/14.PDF?OpenElement Formulario de Datos Económicos]
*[http://www.embalses.net/provincia-11-cordoba.html Estado de los Embalses de la Provincia de Córdoba]
*[http://www.20minutos.es/museo-virtual/lugares/co-rdoba/0/ Fotos históricas de Córdoba]

[[Categoría:Provincia de Córdoba| ]]
[[Categoría:Córdoba en el mundo|España, provincia ]]
{{wikipedia}}

Córdoba (España)

2009-11-04T19:05:52Z

JustoJ:

{{Municipio
| nombre = Córdoba (España)
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| comarca = Córdoba
| partido_judicial = Córdoba
| creación = [[169 a. C.]]
| alcalde = [[Andrés Ocaña Rabadán]]
| superficie = 1.255,24
| población = 325.453
| población_año = [[2008]]
| población_densidad = 259,28
| gentilicio = Cordobés/sa, cordobense, cortubí, patriciense
| presupuesto = 257.262.094,55 € (año [[2007]])
| patrón = [[San Acisclo]]
| patrona = [[Santa Victoria]]
| código_postal = 14001 - 14014
| prefijo_telefónico = 957
| web = [http://www.cordoba.es/ www.cordoba.es]
| hombres1 = 26,5
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| fuente_población = Fuente [http://www.ine.es INE, censo 2001].
}}
{{TOCderecha}}
Ciudad andaluza capital de la provincia del mismo nombre.

==Geografía==
==Economía==
==Historia==
== Prehistoria ==
Los primeros vestigios humanos encontrados en la zona corresponden a un Neandertal que puede datar en torno al 32000 a. C. aproximadamente. Según los últimos estudios, el definitivo asentamiento de población prerromano se produjo en torno al [[V milenio a. C.|V milenio a. C.]] en la actual Ciudad Sanitaria y la antigua Facultad de Agrónomos y Montes, y el romano hacia el [[siglo III a. C.|siglo III a. C.]] en la zona denominada "[[Colina de los Quemados]]" hoy ocupada por el [[Parque Cruz-Conde]] y con restos a la vista (parte de los cuales han sido ocultados por obras en un campo de fútbol de arena).

== Época prerromana ==
En el [[siglo VIII a. C.|siglo VIII a. C.]], en el período [[Tartessos|tartesio]] antiguo, existía ya un importante núcleo protourbano que ocupaba una superficie de unas 50 a 54 hectáreas, que ejercía cierto control y explotación sobre el territorio circundante. Esta función se potenció durante el período orientalizante, produciéndose la urbanización de la población y cierta expansión económica basada en la metalurgia del [[cobre]] y la [[plata]], al confluir las minas de [[Sierra Morena], las tierras de la campiña y el [[Río Guadalquivir|Betis]]. A la explotación de los metales se añadió la actividad agrícola, que se convirtió, tal vez, en el pilar básico de la economía a finales del período orientalizante, tras una crisis en la minería. Esto traería consigo la colonización de zonas adyacentes.

En esa época, con el ascenso por el río Betis de los [[Cartago|cartagineses]] el asentamiento recibió nuevas influencias externas. De hecho apareció el primer nombre del que se tiene constancia histórica: ''Karduba'' (contracción de Kart-Juba, "La ciudad de Juba"). El asentamiento fue así bautizado por el general cartaginés [[Amílcar Barca]] en honor de un general númida llamado [[Juba]], que combatió y murió en una batalla en la región alrededor del año [[230 a. C.|230 a. C.]]

== Época romana ==
=== Fundación de Corduba ===
Los [[Antigua Roma|romanos]] la conquistaron en el [[206 a. C.|206 a. C.]], tras la [[batalla de Ilipa]] y la llamaron ''Corduba''. En el año [[169 a. C.|169 a. C.]] el entonces pretor [[Marco Claudio Marcelo]] funda, junto al asentamiento [[Iberos|ibérico]] pre-romano, una colonia latina, que fue habitada por población patricia originaria de la misma Roma. En el año [[152 a. C.|152 a. C.]] Marcelo se retira a invernar a esta ciudad tras tomar Netobriga ([[Lusitania]]).

=== Época republicana ===
Entre los años [[143 a. C.|143 a. C.]] y [[141 a. C.|141 a. C.]] la ciudad fue sitiada por [[Viriato]].

En el año [[113 a. C.|113 a. C.]] ya se menciona que existe un foro romano. El asentamiento pre-romano es poco a poco abandonado y sus habitantes se trasladan a la ciudad romana y se va produciendo una monumentalización de la ciudad, ya que las casas de adobe son sustituidas por caliza y areniscas. En el año [[80 a. C.|80 a. C.]] ya se acuñan monedas en esta ciudad.

[[Julio César]], en el año [[49 a. C.|49 a. C.]] reunió en Corduba, que ya era ''caput provinciae'', a los representantes de las ciudades de la [[Hispania Ulterior]]. La ciudad, considerada ''conventus'', había cerrado sus puertas al legado pompeyano [[Marco Terencio Varrón|Varrón]]. Éste se rindió allí a César, quien pronunció un discurso de agradecimiento a sus partidarios. Es entonces cuando plantó el famoso ''platanus'' mencionado por [[Marco Valerio Marcial|Marcial]], situado en los jardines del actual [[Alcázar de los Reyes Cristianos]].

[[Casio]], pretor de César en la [[Hispania Ulterior]], sufrió un atentado al dirigirse a la Basílica de Corduba en el [[48 a. C.|48 a. C.]] Aunque la conjura fue aplastada, tras la marcha del gobernador se produjeron levantamientos de tropas destacando la actitud ambigua del cuestor M. Marcelo. Longino, en represalia, destruyó las ''nobilissimae carisssimaeque posesiones'' (''agros'' y ''aedificia'') de los cordubenses situadas al sur del río.

En el año [[46 a. C.|46 a. C.]] se concede a Corduba el estatuto colonial por parte de los hijos de [[Cneo Pompeyo Magno|Pompeyo]], pasando a ser denominada ''Corduba Colina Patricia''.

El conflicto entre cesarianos y pompeyanos se agravó en el [[45 a. C.|45 a. C.]] [[Julio César]] asedió la ciudad y combatió contra [[Cneo Pompeyo el Joven]] (hijo de [[Cneo Pompeyo Magno|Pompeyo]]) por el control del puente debiendo retirarse poco después hacia [[Ategua]] mientras Cneo Pompeyo invernó en Corduba. Tras la [[batalla de Munda]], César asedió de nuevo la ciudad que fue tomada al asalto, decidiendo éste castigarla con su destrucción. En la misma murieron más de 22.000 cordubenses, casi la mitad de la población (45 - 48%). Tras este genocidio, se repobló la ciudad casi a partes iguales con los indígenas que aún habitaban la ciudad prerromana y personas provenientes de la misma [[Antigua Roma|Roma]].

En el año [[43 a. C.|43 a. C.]], durante la época del [[Segundo Triunvirato]], Corduba recuperó su papel como centro político de la [[Hispania Ulterior]], siendo convertida en su capital.

=== Época imperial ===
En la reorganización de las provincias hispanas llevada a cabo por [[César Augusto]] en el año [[27 a. C.|27 a. C.]], la [[Bética|Hispania Ulterior Baetica]] queda a cargo del Senado siendo su capital la que de nuevo, será conocida como Colonia Patricia. Este título, unido a una "refundación" de la ciudad y a una posible deductio, fue concedido en el [[25 a. C.|25 a. C.]] Durante la época de Augusto se transformó la ciudad, expandiéndose hacia el río, reorganizándose el viario y los espacios públicos como el "foro colonial", se construyó el teatro (con la intervención del propio emperador, sus representantes y los principales benefactores de la ciudad (Persini Marii, Annaei), muy relacionados con las explotaciones mineras), un acueducto (el ''[[Aqua Augusta (Córdoba)|Aqua Augusta]]'') y probablemente el anfiteatro. También, coincidiendo con el viaje del emperador se acuñan monedas con la leyenda ''Colina patricia''.

Durante la época de [[Tiberio|Tiberio Claudio Nerón César]] (Tiberio) se construye el ''forum novum'' y el puente sobre el arroyo de [[Pedroches]].

Siendo [[Claudio|Tiberio Claudio César Augusto Germánico]] (Claudio) emperador se inicia la construcción del centro de culto imperial, con la edificación del templo de Marte, cuyas ruinas pueden observarse en la actual calle Claudio Marcelo, y la plaza situada delante del mismo, concluyéndose en la época de [[Nerón]], junto con un circo en las inmediaciones. Ya con [[Domiciano]] se construye el segundo acueducto (el ''Agua Nova Domitiana Augusta''). También durante este periodo, siendo Lucio Cornelio edil y duoviro, se construyen fuentes públicas en la ciudad y se decora el primer acueducto con numerosas estatuas de bronce.

A finales del siglo II se desmantela el circo oriental construyéndose otro segundo circo, al oeste de la ciudad, junto al actual rectorado de la universidad, un tercer acueducto (el ''Aqua Fontis Aureae'') y un foro provincial en los altos de Santa Ana.

Entre los años 294 y 296 se construye el palacio imperial ''palatium Maximiliani'' junto a la actual estación ferroviaria, que sirvió de sede al emperador [[Maximiano|Maximiano Hercúleo]].

En época de dominación romana, llegó a poseer más edificios lúdicos que la propia [[Antigua Roma|Roma]]. Llegó a rebasar los 250.000 habitantes.

El cristianismo jugó un papel muy importante en la ciudad a partir del siglo III, siendo obispo de esta ciudad [[Osio de Córdoba|Osio]], quién presidió el [[Concilio de Nicea I|Primer Concilio de Nicea]] y fue consejero del emperador [[Constantino I el Grande]], y siendo muy numerosos los enterramientos cristianos con sarcófagos en el siglo IV, importados de la propia Roma, lo que lleva a pensar que existía una sólida aristocracia cristianizada en Córdoba, que explicaría el rechazo de la ciudad al arrianismo de los visigodos en siglos posteriores.

== Época visigoda ==
[[Imagen:Hispania 418 AD.PNG|thumbnail|Invasión de los vándalos de la península Ibérica, en el siglo V.]]
Con la caída del imperio romano, y las [[invasiones bárbaras]], Corduba fue saqueada por los [[Vándalos|vándalos]], ocupándola, temporalmente, en el año [[411]]. Estos invasores darían lugar al nombre actual de Andalucía (Vandalusía).

A inicios de la época visigótica, Corduba, junto a otras ciudades de la Bética como [[Sevilla|Híspalis]], son prácticamente independientes. Aunque el [[Imperio romano de occidente]] había desaparecido, la ciudad se siguió rigiendo por instituciones romanas.

El rey [[Agila I]] profanó la tumba de [[San Acisclo]] mártir, motivo por el cual la ciudad se rebeló. Durante el levantamiento de [[Atanagildo]], éste pidió ayuda al emperador [[Justiniano I]] de [[Imperio Bizantino|Bizancio]] para derrotar al rey Agila. Éste accedió a enviarle un contingente, y acaba ocupando Corduba en el año [[550]], derrotando a Agila y muriendo su hijo en la batalla. Los bizantinos también ocupan la [[Bética]], con el apoyo de sus ciudadanos, que ansían volver al imperio romano, convirtiéndose en la [[Provincia de Spania|provincia Spania]] del imperio bizantino. [[Atanagildo]] intentó conquistar la ciudad en el [[568]], sin éxito.

El rey [[Leovigildo]], en el año [[572]], aprovechando la guerra que libraba el emperador [[Justino II]] contra los [[Imperio Sasánida|persas]], tomó Corduba. Debido a este hecho, el prestigio de Leovigildo subió tanto que por primera vez un rey visigodo se atrevió a usar los símbolos de la realeza: cetro, corona y manto, acuñando moneda en su propio nombre. Pese a ello la ciudad volvió al poco tiempo a formar parte del imperio bizantino.

[[San Hermenegildo|Hermenegildo]], hijo de Leovigildo y duque de la Bética, se convirtió al catolicismo y se rebeló contra su padre, de religión [[Arrianismo|arriana]], siendo apoyado en el año [[579]] por Corduba y otras ciudades béticas y del [[Valle del Guadiana]]. Éste fue derrotado en Hispalis en el año [[584]], refugiándose en Corduba, que vuelve a ser tomada por los visigodos, donde es apresado por su padre y exiliado a [[Valencia (España)|Valentia Edetanorum]].

A mediados del [[siglo VI]] se construyeron monumentos como una iglesia situada en el emplazamiento del actual convento de Santa Clara (de fuerte influencia bizantina, con la planta en cruz inscrita, siguiendo los modelos de Ravena y Constantinopla), la iglesia de los tres santos (San Fausto, San Genaro y San Marcial), situada bajo la actual iglesia de San Pedro, la iglesia martirial de San Acisclo (construida en el complejo palatino de [[Maximiano|Maximiano Hercúleo]]) y la [[Basílica de San Vicente Mártir]].

La ciudad, por motivos religiosos (por la fuerte implantación del catolicismo frente al arrianismo) y por afinidad al imperio romano, tardó en aceptar el poder visigodo, lo que demostró mediante numerosas revueltas. Esto provocó una disminución de su influencia en el reino visigótico, frente a otras ciudades como Hispalis.

== Época musulmana ==
[[Imagen:MezquitaCordoba21.jpg|right|180 px|thumb|Interior de la [[Mezquita de Córdoba]].]]
En [[716]] se convierte en capital de provincia, dependiente el [[Califato de Damasco]]. En mayo de [[756]], Abderramán I se proclama emir; nace el Emirato independiente de Córdoba. En [[929]] el estado pasa a ser el [[Califato de Córdoba]], dirigido por la dinastía [[Omeya]], y fue cuando la ciudad alcanzó su máximo apogeo demográfico. En [[935]], cuando el Califato de Bagdad había entrado en franca decadencia, Córdoba ya era una de las ciudades más pobladas de la [[Tierra]], con unos 250.000 habitantes, y alcanzó su máximo apogeo en el año [[1000]] con unos 450.000 (según algunas fuentes, sobre 1.000.000 de habitantes , aunque no se ha demostrado ), siendo un centro financiero, comercial y cultural de primer orden. En esta época se terminó la [[Mezquita de Córdoba]] y se edificaron a sus afueras las lujosas ciudades de [[Medina Azahara (ciudad)|Medina Azahara]] o Madinat-al-Zahra ("Ciudad de La Flor") y [[Medina Azahira]] o Madinat al-Zahira ("Ciudad Brillante"), conocida popularmente en la zona como "la ciudad de Almanzor"). En el terreno cultural se alcanzó un gran esplendor, contando, durante el califato de [[Alhakén II]] con la mayor biblioteca del mundo de su tiempo, con más de 400.000 volúmenes (según fuentes árabes más de 1 millón).

Con los almohades perdió su condición de capital de Al-Andalus, lo que significó el inicio de su decadencia. Ese testigo lo recogería Sevilla ([[Ishbiliyya]]).

== Época cristiana ==
El 29 de junio de [[1236]], festividad de San Pedro y San Pablo, fue conquistada por los cristianos ([[Fernando III de Castilla y León|Fernando III el Santo]]) en el marco de la [[Reconquista]], bajo la advocación de la Virgen de Linares (imagen que aún se conserva en el santuario del mismo nombre). Con la firma de la rendición, se acordó que todos los musulmanes debían abandonar la ciudad con todos los enséres que pudiesen transportar, como así sucedió. Parte de las antiguas fincas romanas fueron repartidas entre los nobles que colaboraron en la toma de la ciudad, procedentes de Burgos, León, Navarra, Talavera y Toledo.
[[Imagen:IglesiaSLorenzoCordoba.jpg|right|180 px|thumb|Iglesia de San Lorenzo]]
Durante el reinado de [[Fernando III de Castilla y León|Fernando III el Santo]], se comenzaron a construirse nuevas iglesias (algunas de ellas sobre antiguas iglesias destruidas por los musulmanes), hasta alcanzar el número de catorce, las actualmente conocidas como iglesias fernandinas. Siete de estas iglesias estaban localizadas en la villa (Santa María, San Nicolás de la Villa, San Juan, Omnium Sanctorum, San Miguel, San Salvador y Santo Domingo de Silos) y siete en la Ajerquía (San Nicolás de la Ajerquía, Santiago, [[Iglesia de Santa Marina (Córdoba)|Santa Marina]], San Pedro, San Andrés, San Lorenzo y la Magdalena). Éstas se caracterizan por su transición del románico monacal, al gótico castellanizado, y en las mismas se pueden apreciar una sólida fábrica, artesonados mudéjares y arcos de nervadura en ojiva. La ciudad se dividió en 14 collaciones (barrios), de acuerdo al Fuero de Córdoba, otorgado en [[1241]] y coincidentes con esas 14 iglesias. De éstas permanecen hoy en día las iglesias de la Magdalena, San Lorenzo, San Pablo de Córdoba, San Pedro de Alcántara, San Francisco y San Eulogio de la Ajerquía, Santiago, San Andrés, San Nicolás de la Villa, San Miguel, San Agustín y la capilla de San Bartolomé. Así mismo, junto al obismo de Osma, consagró la antigua [[Catedral de Córdoba|mezquita]] a la Asunción y ordenó la construcción de la capilla de Villaviciosa en [[1257]] en la a partir de dicho momento [[Catedral de Córdoba|catedral]].

Miguel Díaz de Sandoval, siguiendo órdenes del rey [[Alfonso X de Castilla y León|Alfonso X el Sabio]] fundó en [[1262]] el convento de Santa Clara, sobre una mezquita edificada a su vez sobre la antigua basílica visigótica de Santa Clara.

En el año [[1278]], durante una epidemia de peste, el fraile mercedario Simón de Sousa afirmó que se le había aparecido el Arcángel San Rafael en el convento Casa Grande de la Merded y le había curado. El fraile comunicó la noticia al obispo diciéndole que éste le había pedido que si quería que la peste acabase debía colocar una estatua del Arcángel en la Catedral, estatua que sigue en dicho lugar a día de hoy. De este suceso se derivó el considerar al Arcángel como custudio de la ciudad. Posteriormente, en [[1578]] el padre Andrés de las Roelas, también afirmó que se le había aparecido el Arcángel, curándole de una enfermedad, y diciéndole éste que tenía como misión ser custodio de la ciudad e indicándole el paradero de los restos de los patronos de la ciudad, San Acisclo y Santa Victoria bajo la iglesia de San Pedro donde actualmente se encuentran.

En el año [[1315]], durante el reinado de [[Alfonso XI de Castilla y León|Alfonso XI]], se edificó la actual [[Sinagoga de Córdoba|sinagoga]], bajo la leyenda, que hoy en día se puede seguir observando de "Santuario en miniatura y morada del Testimonio (o Ley) que terminó Ishap Moheb, hijo del señor Efrein Wadowa el año setenta y cinco. ¡Asimismo vuélvete, oh Dios, y apresúrate a reconstruir Jerusalén!".

En [[1328]], bajo el reinado y la dirección del mismo rey se acometió la reconstrucción del actualmente conocido como [[Alcázar de los Reyes Cristianos]], convirtiéndose en la residencia real en Córdoba, produciéndose el acondicionamiento de unos baños y la construcción de diversas estancias interiores. [[Enrique IV de Castilla|Enrique IV]] lo amplía convirtiéndolo en palacio, añadiéndole patios, jardines y baños.

También, durante el reinado de dicho rey se inició la construcción de la [[Real Colegiata de San Hipólito]], para conmemorar la victoria sobre los [[benimerines]] en la [[batalla del Salado|Batalla del Río Salado]], que no se llegó a terminar hasta el siglo XVIII, y donde actualmente se encuentran enterrados dicho rey y, su padre, [[Fernando IV de Castilla y León|Fernando IV]]

[[Enrique II de Castilla]] mandó edificar en [[1369]] la Torre de la Calahorra en el extremo sur del puente romano para defenderse de un probable ataque de su hermano [[Pedro I de Castilla]]. Dicha decisión la tomó tras la batalla del campo de la verdad, en la que se enfrentó con su hermano. La defensa original había sido levantada por el emperador [[César Augusto|Octavio Augusto]] aunque a dicha fecha se encontraba en ruinas. También ordenó la edificación de la Capilla Real o de San Fernando dentro de la [[Catedral de Córdoba|mezquita-catedral]].

En [[1408]] se terminó de edificar la [[Torre de la Malmuerta]], por orden del rey [[Enrique III de Castilla|Enrique III]]. Según la leyenda el nombre de Malmuerta viene dado por el asesinato que llevó a cabo un caballero ascendiente de los marqueses Villaseca, sobre su mujer, a la que había juzgado culpable de adulterio, sin que fuese cierto. Al darse cuenta de su error, suplicó su perdón al rey, siendo condenado a levantar esta torre expiatoria, en recuerdo de la noble dama que, por sucumbir sin culpa, había sido mal muerta.

El Alcázar de los Reyes Cristianos, fue centro de mando para la conquista de Granada por parte de los [[Reyes Católicos]] que se establecieron en ella en [[1478]], con lo que la corte estuvo varios años en la ciudad. Durante este periodo acabaron con las pugnas feudales y nació [[María de Aragón y Castilla|María]], una de las hijas de los Reyes Católicos. También en ese tiempo [[Cristóbal Colón]], conoció a la cordobesa [[Beatriz Enríquez de Arana]], con la que nunca se casó, pero que fue madre de su segundo hijo, [[Fernando Colón]]. Cuando el almirante partió en [[1492]], envió a Córdoba también a su hijo [[Diego Colón|Diego]], para que le esperara junto a su hermano Fernando y su "madre adoptiva" Beatriz.

De esta época también sobresale la figura de Gonzalo Fernández de Córdoba el "[[Gran Capitán]]".

== [[Siglo XVI|Siglos XVI]] al [[siglo XVII|XVII]] ==
En el año [[1523]] se comenzó a levantar la actual Catedral de Córdoba, siendo obispo de la ciudad Alonso Manrique, trabajando en ella los principales arquitectos castellanos y encargándose su dirección a Hernán Ruiz I, siguiendo tanto los cánones góticos como los renacentistas. Su hijo Hernán Ruiz II continuó la obra siguiendo un estilo manierista.
[[Imagen:CasaVillalones01.jpg|right|180 px|thumb|Casa de los Villalones.]]
Durante el renacimiento, en [[1560]] el arquitecto Hernán Ruiz II construyó la Casa de los Villalones, también conocida como palacio de Orive. Su estilo sobrio la hacen más semejante a los monumentos del renacimiento italiano que del plateresco. En su interior se encuentra una de las huertas urbanas más grandes del casco histórico de Córdoba. Este mismo arquitecto empezó a levantar la iglesia de la Compañía en [[1564]].

En [[1571]], durante el reinado de [[Felipe II de España|Felipe II]], y con motivo de la visita que realizó este rey a la ciudad, se construyó el denominado Arco del Triunfo o Puerta del Puente frente al puente romano, en la denominada puerta de Algeciras. Diseñado por Hernán Ruiz III, consta con un único vano, de dintel configurado por dovelas y a cada lado de éste dos columnas dóricas sobre basamento almohadillado que sostienen un entablamento rematado por una gran cornisa.

También durante el [[siglo XVI]] se construyó la [[Plaza de la Corredera]], en una gran explanada que existía a extramuros de la ciudad. Ésta se ha utilizado tanto para celebrar corridas taurinas como para juegos de caña (de ahí su nombre). Su configuración actual proviene del proyecto del arquitecto Antonio Ramós Valdés, quien construyó un rectángulo semirregular de 113 metros de largo y 55 metros de ancho, en [[1683]], siguiendo el modelo de las plazas mayores castellanas.

== [[Siglo XVII|Siglos XVII]] al [[siglo XIX|XIX]] ==

En esta época y debido a diversas epidemias, sequías, y malos gobernantes en la ciudad, la población se redujo a apenas 20.000 habtantes (año 1700) y perdió gran parte de su mentalidad luchadora y abierta, lo que fue caldo de cultivo para el derrotismo, a veces llamado erróneamente senequismo, que aún aflora en nuestros días.

Al adelantado Don [[Jerónimo Luis de Cabrera]], conquistador de nuevas tierras americanas, también lo inspiraron sus solariegos recuerdos andaluces cuando cumplió con la promesa hecha a su esposa, cordobesa, bautizando con el nombre de "Córdoba de la Nueva Andalucía" a la mediterránea plaza fuerte por él fundada a orillas del río [[Suquía]] con cercanas serranías en [[1573]], hoy segunda [[Córdoba (Argentina)|ciudad]] del país y prestigiosa sede universitaria y cultural de [[Argentina]].

== Del siglo XIX a la actualidad ==
[[Imagen:CordobanuevaELWI.jpg|right|thumbnail|190px|Paseo sobre las vías del tren de alta velocidad [[Alta Velocidad Española|AVE]]]]
Esta decadencia terminó a principios del [[siglo XX]] con la recuperación demográfica, aunque no fue correspondida por una verdadera recuperación económica. Tendencia que no cambió hasta mediado el siglo con la aparición de movimientos culturales importantes que han ido abriendo, poco a poco, la forma de pensar de la población. También demográficamente ha despegado Córdoba, si bien no tanto como se esperaba (planes para que alcanzara los 400.000 habitantes hacia 1990) y a costa de la inmigración rural masiva, llegando a contar alrededor de 320.000 habitantes en el año 2000.

==Lugareños ilustres==
*[[Séneca]]
*[[Marco Anneo Lucano|Lucano]]
*[[Osio de Córdoba|Osio]]
*[[Abderramán I]]
*[[Abderramán III]]
*[[Almanzor]]
*[[Averroes]]
*[[Maimónides]]
*[[Luis de Góngora]]
*[[Julio Romero de Torres]]
*[[Carlos Castilla del Pino]]
*[[Antonio Gala]]
==Monumentos y lugares de interés==
*[[Mezquita-Catedral]]
*[[Sinagoga]]
*[[Puente Romano]]
*[[Torre de la Calahorra]]
*[[Medina Azahara (ciudad)|Medina Azahara]]

==Instituciones destacadas==
==Enlaces externos==
{|{{tablabonita}}
|
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|
<youtube>KNYNg8Wws2o</youtube>
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'''Vídeos de {{PAGENAME}} en [http://www.youtube.com Youtube]'''

[[Categoría:Municipios de Córdoba]]
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Plaza del Potro

2009-11-01T12:34:30Z

JustoJ: Página nueva: 250 px Situada junto a la ribera del río Guadalquivir, la plaza del Potro debe su nombre a la figura de un potrillo que corona la fuente del año...

[[Imagen:Plaza del Potro.jpg|right|250 px]]
Situada junto a la ribera del río Guadalquivir, la plaza del Potro debe su nombre a la figura de un potrillo que corona la fuente del año 1577 situada en el centro de la plaza.

La plaza del Potro es una de las plazas más afamadas de Córdoba ya que la misma aparece incluso en El Quijote, al haberse hospedado en la posada del Potro Cervantes.

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Puerta de Almodóvar

2009-11-01T12:31:12Z

JustoJ: Página nueva: 250 px La conocida como Puerta de Almodóvar es una puerta de origen árabe, llamada Puerta del Nogal (Bab al-Chawz), constituyendo una de las...

[[Imagen:Puerta de Almodovar.jpg|right|250 px]]
La conocida como Puerta de Almodóvar es una puerta de origen árabe, llamada Puerta del Nogal (Bab al-Chawz), constituyendo una de las puertas de entrada del lienzo oeste de la muralla de Córdoba.

La factura actual, construida en el siglo XIV sobre la puerta árabe, consta de dos torreones prismáticos unidos a manera de puente por un arco algo apuntado, que desarrolla bóveda de cañón de elevada altura. Dicho arco, que se halla enmarcado por un recuadro ligeramente en resalto, fue cegado a comienzos del siglo XIX por un muro en el que se abrió una puerta adintelada. La fábrica del monumento es sillería con añadidos de sillarejo y ladrillo. En la base del antepecho se aprecia un grueso listel resaltado y en su remate conserva almenado completo y adarve.
Entorno

Está situada en una zona muy céntrica de la ciudad junto al hospital de la Cruz Roja y a la calle Judíos, una de las más populares de la Judería. En la parte exterior de la muralla se habilitaron, en la década de los 50, los jardines en los que se encuentra una estatua del filósofo cordobés Séneca, así como se remodeló la calle Cairuán.

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Antístenes

2009-11-01T12:26:46Z

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[[Imagen:Antisthenes.jpg|right|thumb|100 px]]
[[Imagen:Antistenes.jpg|right|thumb|100 px]]
'''Antístenes''' ([[444 a. C.]] - [[365 a. C.]]) fue un filósofo griego, el fundador de la escuela cínica. Nacido en Atenas de padres tracios, su condición de extranjero lo marcó durante toda su vida. Se estima que gozó de buena posición económica durante su juventud, y estudió retórica bajo [[Gorgias]], Hipias y Pródico.

Desencantado de la filosofía existente, perdió la fe en ella. En esa situación se hizo discípulo de [[Sócrates]]. Su entusiasmo por la disciplina socrática lo llevó a fundar una escuela en el santuario y gimnasio de Cinosargo; el nombre del lugar (probablemente de κυων αργος, kyon argos, "perro ágil") es uno de los probables orígenes para el mote de cínicos (en griego κυνικος, kynikos, "similar al perro"). Sus discípulos se contaban sobre todo entre las clases populares, debido a la simplicidad que predicaba. Su vestimenta —capa y báculo— se convirtió en el uniforme de la escuela.

La doctrina de Antístenes es fragmentaria, aunque [[Diógenes Laercio]] informa que escribió extensamente. Se sabe que, como los eleáticos, negaba la realidad de las cualidades, puesto que implicarían que un determinado ser es y no es lo mismo al mismo tiempo. De Antístenes es la primer definición conservada del enunciado como "aquello que dice lo que algo es o era" (Diógenes Laercio VI, 3). A su vez, mediante el Crátilo de [[Platón]], se puede apreciar otra enseñanza de él, según la cual "el que conoce el nombre, conoce la cosa".

Escribió poco sobre ética, prefiriendo predicar el ascetismo y la simplicidad con el ejemplo. Defendió una teología negativa, afirmando que el dios no es como las cosas, y nada de lo que pueda decirse de ellas puede afirmarse de él. [[Aristóteles]] y [[Platón]] muestran poco aprecio por su filosofía, afirmando que era incapaz de comprender las sutilezas de la dialéctica.

Uno de sus discípulos fue [[Diógenes de Sinope|Diógenes]].

[[Categoría:Filósofos del siglo V a. C.|Antistenes]]
[[Categoría:Filósofos del siglo IV a. C.|Antistenes]]
[[Categoría:Nacidos en 444 a. C.|Antistenes]]
[[Categoría:Nacidos en Grecia|Antistenes]]
[[Categoría:Fallecidos en 365 a. C.|Antistenes]]
[[Categoría:Fallecidos en Grecia|Antistenes]]
{{Wikipedia}}

Francisco Gálvez

2009-11-01T12:21:15Z

JustoJ:

[[Imagen:Francisco Galvez.jpg|right|200 px]]
{{VT|Francisco Gálvez (desambiguación)}}
'''Francisco Gálvez''' nace en Córdoba en [[1945]]. Escritor y poeta.

Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba, y Filosofía y Letras en la UNED. Fundó la revista de poesía ''[[Antorcha de Paja]]'' ([[1973]]-[[1983]]), hoy considerada como una de las más representativas de la Generación del 70 en la poesía española del último cuarto de siglo, junto con los poetas [[Rafael Álvarez Merlo]] y [[José Luis Amaro]], y a la que estuvieron vinculados el malagueño Fernando Merlo y Pedro Luis Zorrilla. A su trayectoria literaria suma un constante trabajo en pro de la cultura andaluza, en su lucha por la transición y la vuelta de los autores andaluces a la esfera nacional.

Entre [[1983]] y [[1986]] dirigió la colección de libros ''Suplementos'', y entre [[1986]] y [[1991]] la de estudio y crítica literaria ''Trayectoria de Navegantes''. En la actualidad trabaja como asesor literario en una editorial y dirige la revista ''La manzana poética'', y codirige el Seminario de Poesía y el Círculo de Traducción Poética de Córdoba.

Su obra ha sido traducida al italiano por Emilio Coco, al portugués por F.Dias Antunes, al francés por Nionel Ray y al inglés por Marta López-Luaces. Ha publicado poemas en revistas como ''La mano en el cajón'', ''Árbol de fuego'', ''Deyanira'', ''Alminar'', ''Fragile'', ''Sierra Albarrana'', ''Ánfora Nova'', ''Sin embargo'', ''Prima littera'', ''Galerna'', ''Nayagua'', ''El Ciervo'', ''ABC Cultural'', ''Aujourd'hui Poème'' (Francia), ''Singularidades'' (Portugal) o ''Eureka Internacional'' (Suecia).

Algunos de sus poemas fueron musicados por José Nieto, y grabados por el Grupo Aguaviva en el disco ''Poetas andaluces de ahora'' (Ariola, [[1975]]). Su libro ''El hilo roto'' fue objeto de un montaje escénico a cargo de alumnos de la [[Escuela Superior de Arte Dramático de Córdoba]], y representado en el teatro de este mismo centro docente, también y con motivo de la presentación de este libro en el Patio del Reloj de la [[Diputación de Córdoba]].

Se han hecho estudios críticos sobre su obra poética los profesores y críticos Juan M. Molina Damiani, Fernando Guzmán Simón, Bernd Dietz, Ángel estévez, José Luis Morante, Julián Jiménez Heffernan y Eduardo García.

Es Premio editorial Anthropos de Poesía 1993 por su libro "Tránsito", y Premio de Poesía Ciudad de Córdoba Ricardo Monina 2004 por su libro "El paseante".

Socio de Honor del [[Ateneo Casablanca]] en [[1985]], colaboró con el [[Aula Juan Bernier de Poesía]], y fue homenajeado con la [[Fiambreras de Plata Año 1987|Fiambrera de Plata]] en [[1987]].

== Publicaciones ==
[[Imagen:Francisco Galvez nueva imagen.JPG|250px|right]]
'''Poemarios individuales'''
*''Los soldados'' (Cuenca, El Toro de Barro, [[1973]]).
*''Un hermoso invierno'' (Córdoba, [[Antorcha de Paja]], [[1981]]).
*''Iluminación de las sombras'' (Córdoba, [[Antorcha de Paja]], [[1984]]).
*''Santuario'' (Córdoba, [[Antorcha de Paja]], [[1986]]).
*''Tránsito'' (Premio Anthropos; Barcelona, Anthropos, [[1994]]).
*''El navegante'' (Fernán Núñez, Jorge Huertas, [[1995]]).
*''El hilo roto'' (Valencia, Pre-Textos, [[2001]]).
*''Capital del silencio'' (Montilla, Casa del Inca, [[2002]]).
*''El paseante'' (XII Premio de Poesía Ciudad de Córdoba-Ricardo Molina; Madrid, Hiperión, [[2005]]).
*''Asuntos internos'' (Cáceres, El Brocense, [[2006]]).
*''Tránsito'' (2ª edición.) Prólogo de E.García. Puerta del mar. Málaga, 2008.
*''Resistencias" Manantial''.Priego de Córdoba, 2008.

'''Antologías poéticas de su obra'''
*''Fragile vaso'' (traducción al italiano de [[Emilio Coco]], en edición bilingüe; Italia, [[1993]]).
*''Una visión de lo transitorio''Ed. y estudio de Juan M. Molina Damiani (Madrid, Huerga y Fierro, [[1998]]). 224 páginas.

'''Inclusiones en antologías de poesía'''
*''Cien del sur sobre la épica'' (Granada, Universidad, [[1975]]). 177 páginas.
*''Panorama de la poesía cordobesa contemporánea'' (Córdoba, [[1978]]).
*''Degeneración del 70. Antología de poetas heterodoxos andaluces'' Córdoba, [[Antorcha de Paja]], [[1978]]). 127 páginas.
*''Córdoba en la poesía'' (ed. [[Mario López]]; Córdoba, [[1979]]).
*''Antología de la joven poesía andaluza'' (ed. Antonio Jiménez Millán y Álvaro Salvador) (Málaga, Litoral, [[1982]]).
*''Quince años de (joven) poesía en Córdoba'' (Ed. Pedro Roso) (Córdoba, [[1984]]).
*''Del lecho y la poesía'' [[Antorcha de Paja]], [[1985]]). 40 páginas,
*''Poesía andaluza'' (Bilbao, Zurgai, [[1994]]).
*''Cartografía poética: 54 poetas españoles escriben sobre un poema preferido'' (dir. Anthony L. Geist y Álvaro Salvador; Sevilla, Renacimiento, [[2004]]). 336 páginas.
*''Poetas en blanco y negro contemporáneos'' (Madrid, Abada, [[2006]]). 624 páginas.

'''Otras publicaciones'''
*"Fuente Agria", en ''Andalucía. Naturaleza y Arte'' (Sevilla, Consejería de Medio Ambiente de la Junta de Andalucía, [[2005]]). 352 páginas.
''Los círculos del aire''Antología de poesía española. Algaida. Sevilla, 2008.

== Bibliografía sobre el autor (Selección) ==

*El hilo roto) Barcelona, El Ciervo, 610 (2002)
*ALVAREZ JURADO, Fernando, “La travesía de lo efímero” (sobre Tránsito), La Tribuna(1994)
*AMARO, José Luis, (sobre El hilo roto), Málaga, El laberinto de Zinc (1997)
*AMARO, José Luis, [sobre Un hermoso invierno], Ciencias y Letras, 4 (1982).
*AMARO, José Luis, “El hilo roto, de Francisco Gálvez”, Cuadernos del Sur (1997)
*BARNATÁN, Marcos Ricardo, “Joven poesía española”, Ínsula, 454 (1984).
*BARRERA, José maría, “Testimonio de un instante” ABC Cultural. Madrid (1998).
*BERNIER, Juan, “Nueva poética en Córdoba”, ABC (1974).
*ESTÉVEZ MOLINERO, Ángel, “Én el lecho de la escritura”, Alfinge, Rev.de Filología de la Universidad de Córdoba (1999).
*FABRELLAS, Joaquín, (sobre El Paseante), Paraíso, 1 (2006).
*GARCÍA CASADO, Pablo, (sobre Una visión de lo transitorio), Córdoba, La Calle de Córdoba (1998).
*GARCÍA CASADO, Pablo, “Ajuste de cuentas” Diario Córdoba, Cuadernos del Sur,(1998)
*GARCÍA CASADO, Pablo, “El Paseante”, El Día de Córdoba (2005)
*GARCÍA CASADO, Pablo, “Gálvez, de nuevo”, El Día de Córdoba, (2003)
*GARCÍA JAMBRINA, Luis, [sobre El paseante], ABCD de las Artes y las Letras, 700, (2005).
*GARCÍA MARTÍN, José Luis, “Un hermoso invierno”, Jugar con fuego, XI (1981).
*García, Eduardo, “Poesía y filosofía: una asignatura pendiente”, El Ciervo, 646 (2005).
*GARCÍA, Eduardo, (prologo a Tránsito, 2º edición), Málaga, Puerta del Mar, (2008).
*GINÉS, Antonio Luis, “Un navegante singular” Sevilla, El Correo de Andalucia, La revista (1998).
*GUZMÁN SIMÓN, Fernando, (sobre El Paseante), Getafe, Nayagua,3, (2005).
*IGLESIAS SERNA, Amalia, (En Contemporáneos), ABCD de las Artes y las Letras, 698 (2005).
*JIMÉNEZ MARTOS, luis, “La poesía es pluralista”, La Estafeta Literaria, 540 (1974).
*JURADO, MANUEL, "Poesía y comunicación" Cuadernos del Sur. nº 491.Diario Córdoba,1-5-1997.
*LANZ, Juan José, en Antología de la poesía española 1960-1975, Madrid, Espasa Calpe, Austral, 1997.
*LÓPEZ, Celia, (sobre El hilo roto),Córdoba, La Calle de Córdoba (1997)
*MOLINA DAMIANI, Juan Manuel, (prólogo de Una visión de lo transitorio), Madrid, Huerga&fierro (1998)
*MORA, Vicente Luis, “El hilo roto”, Diario Córdoba, (2001)
*MORA, Vicente Luis, “Poesía y tecnología”, Cuadernos del Sur (2001).
*MORANTE, José Luis, “Los símbolos en Francisco Gálvez”, Correo de Andalucía, La Mirada, Sevilla, (1997).
*MORANTE, José Luis, Protagonistas y secundarios, Avila, (1999).
*OTXOA, Julia, [sobre El hilo roto], Pérgola (2001).
*RIVERA, Ortiz, “Un hermoso invierno, del poeta Francisco Gálvez”, La Voz de Córdoba (1981).
*RODRIGUEZ, Antonio, (sobre Iluminación de las sombras), Diario Córdoba, Artes y letras (1984)
*ROMERO ESTEO, Miguel, “Francisco Gálvez: donde las palabras son metales duros y opacos” Nuevo Diario, Madrid (1975).
*ROMERO ESTEO, Miguel, “Las horcas caudinas de la amarga y dulce literatura”, Nuevo Diario, (1975)
*ROSO, Pedro, en Quince años de (joven) poesía en Córdoba. 19....Diputación de Córdoba, 1984.
*RUÍZ NOGUERA, Francisco, “La poesía reflexiva de Gálvez” (sobre Tránsito),Cuadernos del Sur (1994).
*RUÍZ NOGUERA, Francisco, “Las últimas generaciones poéticas en Andalucía”, Canente, 6 (1989).
*RUÍZ NOGUERA, Francisco, “Poesía reflexiva” (sobre Tránsito), Sur (1994)§ ULLÁN, José Miguel, El País (1979).
*ULLÁN, José Miguel, El País (1981)
==Enlaces externos==
*http://www.cervantesvirtual.com/bib_autor/galvez/
*http://www.amediavoz.com/galvez.htm
*http://www.catedramdelibes.com
*http://www.lasafinidadeselectivas.blogspot.com/2008/04/francisco-glvez.html
== Galería fotográfica ==
<gallery>

[[Categoría:Poetas del siglo XX|Galvez Moreno, Francisco]]
[[Categoría:Poetas del siglo XXI|Galvez Moreno, Francisco]]
[[Categoría:Nacidos en 1945|Galvez Moreno, Francisco]]
[[Categoría:Nacidos en Córdoba|Galvez Moreno, Francisco]]
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Fito Páez

2009-11-01T12:17:44Z

JustoJ: Página nueva: 200 px Fito Páez (Rosario, 13 de marzo de 1963 - ) es un músico y cantautor argentino de rock. También es director y guionista de cine. Ha tenido éx...

[[Imagen:Fito Paez.jpg|right|200 px]]
Fito Páez (Rosario, 13 de marzo de 1963 - ) es un músico y cantautor argentino de rock. También es director y guionista de cine. Ha tenido éxito tanto en Argentina como en el resto de Latinoamérica, España e Inglaterra.

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Antonio Flores Herrera

2009-11-01T12:06:07Z

JustoJ:

[[Imagen:Antonio Flores Herrera.jpg|200px|right]]
[[Imagen:Antonio Flores.jpg|300px|right]]
Nace en Granada el [[15 de noviembre]] de [[1946]]. Licenciado en Filosofía Pura por la Universidad de Sevilla e Ingeniero Técnico Industrial, reside en Córdoba desde su infancia. En poesía es autor de los siguientes textos:
*'''Regreso de las sombras''' (Colección Polifemo.-Diputación de Córdoba 1985) (mención especial en el I Premio “Prometeo” para autores hispanohablantes celebrado en Madrid en 1982).
*'''El vuelo de Ícaro y otros Poemas''' (Euterpe.-Madrid, 1993)
*'''Diccionario del vino''' (Colección Inca Garcilaso.-Montilla, 1995) (finalista del II premio “Poeta Mario López”)
*'''Partitura Flamenca''' (Colección Arca del Ateneo, 1996) ('''Premio Nacional de Letras Flamencas''')
*'''Paradojas''' (Colección Aristas de Cobre.-Córdoba, 2001)
*'''Del Amor y otros cuentos'''(Colección Bosque de Bambú.-Córdoba, 2003)
*'''Retazos del pasado''' (Colección La Cancela Poética.-Córdoba, 2005)
*'''Cero a la izquierda''' (Colección Plata.-Córdoba, 2006)
*'''A la deriva''' (Colección Versos del Sol.-Córdoba, 2008)
*'''Epílogo de un sueño''' (Inédito) (Premio “Poeta Miguel Hernández”, 2004, compartiendo autoría con la poeta gaditana Matilde Cabello)

[[Imagen:ARCA DEL ATENEO 15.jpg|200px|right|thumbnail|IV Premio Nacional de Letras Flamencas]]

Incluido en algunas antologías en las que cabe destacar:
*'''Homenaje a Juan Bernier''' (Diputación Prov. de Córdoba, 1986)
*'''22 Poetas Cordobeses''' (Ayuntamiento de Córdoba y Junta de Andalucía.-Málaga, 1987)

*'''Crátera Antología de Poetas y Pintores Cordobeses''' (Diputación de Córdoba, 1997)
*'''25 Poetas en la Casa del Inca''' (Ayuntamiento de Montilla, 2000)
*'''Poesía en la Bodega''' (Colección Arca del Ateneo.-Córdoba, 2001) del que es coordinador.
*'''Homenaje a Mario López''' (Colección Arca del Ateneo.-Córdoba, 2005)
*'''La Cancela Poética''' (Colección Arca del Ateneo.-2006)

Colabora esporádicamente como comentarista de textos en revistas culturales de creación literaria, tales como:
*'''Ánfora Nova de Rute''' (Córdoba)
*[[Arca del Ateneo]] (Córdoba)

Participó en el III Encuentro de Poetas Andaluces celebrado en Córdoba en 1987, así como en el “I Encuentro Internacional Cosmopoética” celebrado en Córdoba en Abril del 2004 en mesa redonda: “Poesía y Globalización”

También participó como poeta y conferenciante en el Seminario “El tiempo luz” Homenaje a Maria Zambrano. Publicando las actas la Diputación Prov. de Córdoba en 2005.

Recitó en “La noche blanca del Flamenco”2008. Cantando sus textos Antonio Muñoz “el Toto” acompañándole a la guitarra Rafael Expósito.

Ha Coordinado varias Antologías y ciclos como el de “'''Poesía en la Bodega'''” y “[[Poesía en la Ermita]]” del [[Ateneo de Córdoba]], es en la actualidad responsable de la sección de Poesía del mismo.
Socio fundador del Ateneo, recibió la Fiambrera de Plata Extraordinaria en el año [[2003]].

== Galería fotográfica ==

{{Galería3|Poesia en la Ermita. Angela Jimenez y Antonio Flores.JPG|Poesia en la Ermita. Presentacion ciclo.JPG|A Flores en B Guzman.jpg|Ángela Jiménez y [[Antonio Flores Herrera|Antonio Flores]] en la presentación de la poeta Ángela Jimémez|Presentación del ciclo coordinado por Antonio Flores|Antonio Flores en la Bodega Guzman}}

[[Categoría:Poetas del siglo XX|Flores Herrera, Antonio]]
[[Categoría:Poetas del siglo XXI|Flores Herrera, Antonio]]
[[Categoría:Nacidos en 1946|Flores Herrera, Antonio]]
[[Categoría:Nacidos en Granada|Flores Herrera, Antonio]]
{{Fundadores|Flores Herrera, Antonio}}
{{ SCargos
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Ricardo Rojas Peinado

2009-11-01T11:59:10Z

JustoJ:

[[Imagen:Ricardo Rojas Peinado.jpg|right|150 px]]
[[Imagen:Ricardo Rojas Peinado2.jpg|200px|right]]
Nacido en Córdoba el [[30 de noviembre]] de [[1953]]. Socio fundador del [[Ateneo de Córdoba]]. Cursó los estudios de bachiller elemental en el C.D.P. Cervantes (Hnos. Maristas). Bachiller superior en el Instituto Séneca. Perito Mercantil. Estudios universitarios de Derecho.

En [[1982]] ingresó en Alianza Popular, después [[Partido Popular]], del que sería secretario general provincial entre [[1986]]-[[1993]], vocal de su comité ejecutivo regional y de la junta directiva. Secretario de Organización del [[Partido Popular|PP-A]] ([[1991]]-[[1994]]). Portavoz del Grupo Popular en la [[Diputación de Córdoba]] ([[1991]]-[[1995]]). De [[1987]] a [[1995]] fue concejal del Ayuntamiento de [[Pedro Abad]] y Portavoz del grupo de concejales del [[Partido Popular|PP]] en la Mancomunidad del [[Alto Guadalquivir]]. Diputado provincial (1987-[[2003]]). Concejal del Ayuntamiento de Córdoba ([[1995]]-[[2007]]). Durante el periodo [[1996]]-[[1999]] fue teniente de alcalde de Economía y Hacienda y Turismo del Ayuntamiento de Córdoba, vicepresidente del consejo de administración de EMACSA y presidente del Patronato Municipal de Deportes. Secretario ejecutivo de Deportes del [[Partido Popular|PP-A]] en [[2005]]. Viceportavoz del Grupo Popular en el Ayuntamiento de Córdoba y vocal del Consejo andaluz de Deportes ([[2006]]).

Por su colaboración con los responsables del [[Ateneo Casablanca]], haciendo posible la realización de sus actividades a través de su puesto de trabajo en el Banco Industrial Mediterráneo, Ricardo Rojas recibió la [[Fiambrera de Plata]] en [[1988]].

En las Elecciones Municipales de [[2007]] fue presentado en noveno lugar de la lista del [[Partido Popular|PP]], encabezada por [[José Antonio Nieto]], resultando elegido de nuevo concejal del Ayuntamiento de Córdoba.

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Leopoldo Alas "Clarín"

2009-11-01T11:56:04Z

JustoJ:

[[Imagen:Leopoldo Alas.jpg|right|200 px]]
El escritor español '''Leopoldo Enrique García-Alas Ureña, ''Clarín''''' nació el 25 de abril de 1852 en Zamora (Castilla y León), adonde su familia se había trasladado desde Oviedo (Asturias), al ser nombrado su padre, Jenaro García Alas, gobernador de la ciudad leonesa. Leopoldo fue el tercer hijo del matrimonio. Falleció en Oviedo el 13 de junio de 1901.

En la casa se hablaba continuamente de Asturias y su madre, con cierta nostalgia, contaba relatos de aquella tierra de sus antepasados. Este ambiente influyó en gran medida en el espíritu del niño Leopoldo que desde siempre se sintió más asturiano que castellano-leonés, aunque a lo largo de su vida conservó un cariño especial por las tierras que le vieron nacer.

A los siete años entró a estudiar en el colegio de los jesuitas ubicado en la ciudad de León en el edificio de San Marcos (actual parador de turismo). Desde el principio supo adaptarse a las normas y a la disciplina del centro de tal manera que a los pocos meses era considerado como un alumno modelo. Sus compañeros le conocían con el mote de el Gobernador, por alusión a la profesión de su padre. Sus biógrafos aseguran que esta etapa estudiantil engendró en Leopoldo el sentimentalismo religioso y el principio de gran disciplina moral que fueron la base de su carácter. En este primer año escolar ganó una banda azul como premio y trofeo literario. La conservó toda su vida y se encontraba entre los objetos más queridos del museo familiar.

En el verano de 1859 toda la familia regresó a Asturias. Leopoldo descubrió con sus propios ojos la geografía asturiana de la que tanto había oído hablar a su madre. Durante los años siguientes Leopoldo se ve en libertad por las tierras de Guimarán, propiedad de su padre, donde aprenderá directamente de la Naturaleza y de los libros que encuentra en la vieja biblioteca familiar donde entra en contacto por primera vez con dos autores que serán sus maestros: [[Miguel de Cervantes|Cervantes]] y [[Fray Luis de León]].

El 4 de octubre de 1863, a la edad de once años, Leopoldo ingresa en la Universidad de Oviedo en lo que se llamaban estudios preparatorios, matriculándose en las asignaturas de Latín, Aritmética y Doctrina Cristiana. El curso lo terminó con la nota de sobresaliente y con la adquisición de tres buenos amigos: [[Armando Palacio Valdés]], Tomás Tuero (que fue también escritor, traductor y crítico literario) y Pío Rubín (escritor).
=== Bachillerato y Universidad ===
Desde 1864 a 1869 efectuó sus estudios de Bachillerato en la ciudad de Oviedo. El 8 de mayo recibió grado de bachiller en Artes con la calificación de sobresaliente, a la edad de diecisiete años. En el mes de octubre de 1869 ingresó en la Universidad de Oviedo. Ese mismo mes, el día 21, salió un decreto declarando la enseñanza libre, que le sirvió a Clarín para hacer su licenciatura en Derecho en tan sólo dos años. En junio de 1871 obtuvo el grado de licenciado en Derecho Civil y Derecho Canónico, con la calificación de aprobado, que era la única nota que existía (se habían suprimido las otras calificaciones superiores). Por esta época se despertaron en él sus aficiones periodísticas. Los comienzos fueron con un periódico artesanal, titulado Juan Ruiz, cuyo director, redactor y amanuense fue el propio Leopoldo. El periódico llegó a manos de casi toda la sociedad de Oviedo y tuvo gran éxito entre los estudiantes.
=== Llegada a Madrid ===
Después de finalizar sus estudios en la Universidad, se trasladó a Madrid para hacer el doctorado, alojándose en una posada de la calle de Capellanes. Allí encontró a sus amigos de Oviedo, Tuero, Palacio Valdés y Rubín. El grupo fue pronto conocido como los de Oviedo. Los primeros tiempos en la capital no fueron satisfactorios para Leopoldo que añoraba su tierra asturiana, las montañas y la bruma.

Años atrás había entrado en España la teoría del [[Krausismo|krausismo]], de la mano del jurista y filósofo español [[Julián Sanz del Río]] que había sido discípulo en Alemania de [[Karl Krause]]. Sanz del Río fue profesor de Filosofía del Derecho ejerciendo tal influencia entre sus alumnos que éstos aplicarían el krausismo poniendo en marcha un movimiento ideológico intelectual que culminó con una gran reforma en la educación libre, no sólo en España sino también en Hispanoamérica, y en cambios relativos a la sociedad y a la política. Pero fue expulsado de la cátedra a instancias de [[Isabel II de España|Isabel II]] y alguno de sus ministros por considerar tal doctrina como peligrosa para la seguridad del régimen. Este hecho ocasionó un gran revuelo entre los jóvenes seguidores de Sanz del Río que siguieron transmitiendo sus enseñanzas a los siguientes discípulos. Krausistas destacados fueron [[Joaquín Costa]], [[Francisco Pi y Margall]], [[Nicolás Salmerón]], Rafael María de Labra [[Emilio Castelar]] y Adolfo Camus. Fue en la cátedra de este último y de Nicolás Salmerón donde Leopoldo se empapó de las ideas krausistas que hicieron nacer en él poco a poco, la duda religiosa y el escepticismo filosófico.

En la Cervecería Inglesa de Madrid se reunían en tertulia los de Oviedo. Poco a poco el grupo se fue incrementando con jóvenes intelectuales apasionados como ellos por la libertad y las nuevas ideas. Uno de estos nuevos contertulios fue Leopoldo Cano (futuro escritor y autor de "La Pasionaria"). Durante aquel curso, Clarín se vio en constante lucha interior no sólo con el krausismo sino con el naturalismo literario y el liberalismo laico. Todavía tenía ciertas reservas, pero al finalizar el año, el mismo Clarín comenta que su espíritu se había fortalecido y había capitulado del todo, no sin antes emplear y poner su capacidad de crítico a la defensiva, actitud que ha de acompañarle el resto de su vida.
=== El Solfeo ===
En diciembre de 1874 termina la [[Primera República Española|Primera República]] con la retirada de su Presidente Pi y Margall y la Restauración monárquica en la figura de [[Alfonso XII de España|Alfonso XII]], hijo de la destronada Isabel II.

En marzo de 1875, Antonio Sánchez Pérez (no se conoce su biografía) fundó un periódico con el nombre de El Solfeo. El 5 de julio entraron en su redacción unos cuantos jóvenes, entre ellos Leopoldo Alas. El periódico pasó totalmente desapercibido y ni siquiera fue nombrado por los cronistas de la época. Su director quiso que sus colaboradores tomaran como pseudónimo el nombre de un instrumento musical y así fue como Leopoldo eligió el clarín que a partir de ahí sería el alias con que firmaría todos sus artículos. La columna donde escribía tenía el título de «Azotacalles de Madrid» (Apuntes en la pared). El día 2 de octubre de 1875, el escritor firmó por primera vez como Clarín, inaugurando el espacio con el verso que el lector puede ver arriba de esta página, en la plantilla de presentación. De esta forma Leopoldo Alas entró en la vida literaria de la época y desde su columna empezó a lanzar duras críticas llenas de ironía contra la clase política de la Restauración.

Clarín empieza a gozar de popularidad al mismo tiempo que le llegan abundantes disgustos y bastantes enemigos. Cada nuevo artículo se convierte en un nuevo escándalo, criticado o alabado en las tertulias de la Cervecería Inglesa o del Ateneo de la calle de Arenal. Clarín sigue adelante en su estilo asegurando que el crítico que dice la verdad no medra y que el poeta aunque sea malo llega de redondilla en redondilla a jefe de negociado. Junto con esta actividad literaria, continúa con sus estudios, preparando el doctorado.
=== Revista de Asturias ===
Aparte del género periodístico, Clarín siente la necesidad de cultivar otros géneros literarios. Félix Aramburu (poeta y notable escritor de Derecho penal), amigo entrañable de Leopoldo era el director y editor en Oviedo de una revista llamada Revista de Asturias. Este amigo no sólo le animó a escribir otro tipo de narraciones sino que le ofreció un lugar en su propia revista. En el verano de 1876, Clarín escribe sus primeros cuentos y algunas poesías que meses después se irán editando en la Revista ovetense. Con estas colaboraciones el gran escritor fue dándose a conocer.
=== Doctorado y cátedra ===
El 1 de julio de 1878 obtuvo Leopoldo Alas el título de doctor en Derecho civil y canónico, con la calificación de sobresaliente. Presentó su tesis doctoral sobre el tema "El derecho y la moralidad" en cuya edición puede verse la dedicatoria A don Francisco Giner de los Ríos, su sincero amigo y reconocido discípulo. Es el primer libro de Leopoldo que sale de una imprenta y el único en que no aparece su seudónimo Clarín.

Después de unas largas vacaciones en las tierras de Guimerán, Alas regresa a Madrid para preparar brevemente su presentación a las oposiciones que en el mes de noviembre se celebrarían en Salamanca para cubrir la plaza vacante de la cátedra de Economía Política y Estadística en la Universidad. Los sucesivos ejercicios fueron un continuo éxito para Leopoldo y hasta obtuvo el primer lugar en la terna de opositores. De estos éxitos se ocuparon los periódicos de Madrid y la noticia se dio también en la Revista de Asturias, (Oviedo, nº 40, 5.XII.1878, sección «Ecos y rumores»). Pero hubo un obstáculo grave para el éxito definitivo: el conde de Toreno (|Queipo de Llano) era por entonces ministro de Instrucción Pública y gozaba de un derecho de elección final del candidato. El conde de Toreno había sido blanco de las terribles sátiras de Clarín en El Solfeo, cosa que nunca olvidó y desposeyó a Clarín de la cátedra ganada, en beneficio del número dos de la terna de opositores, el señor Mantecón. Leopoldo Alas escribió una carta abierta de protesta al ministro y años después recordaría con amargura estos sucesos escribiendo: Yo aprendí de ellos (Salmerón y Giner) a respetar convicciones, y el mayor ultraje que me hizo, tal vez sin saberlo, el conde de Toreno, al negarme una cátedra que era mía, fue la implícita sospecha de que fuese yo un libre pensador como el boticario Homais de Flaubert, capaz de apedrear y despedazar con las herejías que a mí se me ocurriesen, el fanal en que guardaran su fe mis discípulos.

Cuatro años más tarde, la "Revista de Legislación y Jurisprudencia" publicó en desagravio y con todos los honores el trabajo que Clarín había presentado en las oposiciones de Salamanca bajo el título de "Programa analítico de Economía política y Estadística".

El año 1882 fue para Clarín un año de suerte. El 12 de julio pudo leer en la Gaceta Oficial su nombramiento para la cátedra de Economía Política y Estadística, concedida para la Universidad de Zaragoza, y el 29 de agosto tuvo lugar su boda con Onofre García Argüelles, en la localidad asturiana de La Laguna (valle de Langreo), en el palacio de la familia García Argüelles. Al año siguiente regresó a Oviedo como catedrático de Derecho Romano y más tarde se ocupó también de la cátedra de Derecho Natural en la Universidad de Oviedo.
=== Clarín como profesor ===
Se decía entre sus contemporáneos que para conocer a Clarín era necesario asistir a su cátedra de Derecho Natural. Según sus propias palabras, era partidario de sugerir a sus alumnos un hábito de reflexión mejor que enseñar una ciencia a secas y no se conformaba con enseñar una serie de preceptos a aplicar en el futuro. Sus lecciones solían empezar con un precepto de [[Justiniano I]] y continuaba con citas del Quijote o de Santa Teresa, para terminar con [[León Tolstói|Tolstói]], [[Ernest Renan|Renan]] o San [[Francisco de Asís]]. Muchos de sus alumnos no llegaban a entender este sistema y acusaban a Clarín de ser un hueso (serio, estricto, exigente y por lo general con fama de suspender). Clarín estimaba a sus alumnos cuando eran capaces de entender el espíritu de sus enseñanzas antes que la letra. Tenía un sentido de la justicia muy severo a la hora de calificar y nunca aceptó ni sobornos ni recomendaciones; se le acusaba de carecer de ningún tipo de benevolencia. La cátedra fue para Clarín una gran responsabilidad y una preocupación constante (según sus propias palabras) y se entregaba a ella con toda honestidad.
=== Caciquismo literario ===
Casi todos los biógrafos de Clarín vienen a estar de acuerdo en este punto: su caciquismo literario, algo tiránico. Desde su retiro de Oviedo llega a hacerse temer y respetar en Madrid y se da a conocer en Europa y en América. Fue un provinciano universal, aunque su ciudad, Oviedo, nunca comprendió su universalidad. Se le consideraba como un hombrecillo nervioso y miope, que daba clases en la Universidad y que por las tardes jugaba al tresillo en el Casino. Los estudiantes le temían por su severidad y la sociedad le consideraba un ateo liberal.
=== Obra literaria ===
Durante los ratos libres que le dejara la cátedra de la Universidad, Clarín escribía artículos para los periódicos El Globo, La Ilustración y Madrid Cómico. Envía a los periódicos de El Imparcial y Madrid cómico sus «Paliques» satíricos y mordaces que le proporcionarán algunos enemigos adicionales.

En 1881 se publicó el libro Solos de Clarín que recogió los artículos de crítica literaria. El prólogo es de [[José Echegaray|Echegaray]]. Ese mismo año, en el mes de octubre publicó en La Ilustración Gallega y Asturiana el artículo «La Universidad de Oviedo», en el que hace un elogio al claustro restaurado y formado por los profesores Buylla, Aramburu, Díaz Ordóñez, entre otros.

A los 31 años de edad escribe Clarín su obra maestra La Regenta. En junio de 1885 salió a la calle el segundo volumen de esta composición del arte literario. En 1886 se edita su primer libro de cuentos con el título de Pipá. En 1889 termina un ensayo biográfico sobre Galdós, dentro de una serie titulada "Celebridades españolas contemporáneas". A finales de junio de 1891, el editor Fernando Fe saca a la luz la segunda novela larga de Clarín: Su único hijo.

En 1892 Clarín pasa por una crisis de personalidad y religiosa en que, según sus palabras, trata de encontrar a su yo y a Dios. Poco después dejó reflejar dicha crisis en su cuento Cambio de Luz, cuyo protagonista Jorge Arial representa al autor y sus preocupaciones, sus dudas religiosas y su escepticismo filosófico. Clarín define a este personaje como "místico vergonzante".

En 1894 se despertó su afición por el teatro por influencia de sus amigos la actriz [[María Guerrero]] y el dramaturgo Echegaray. Los biógrafos dicen que es un contrasentido en un hombre amante de la realidad y enemigo de la farsa. Por eso su primera obra teatral Teresa (ensayo dramático en un acto y en prosa) es una página real de su propia vida. Se publicó y se estrenó el 20 de marzo, en el teatro Español de Madrid, en homenaje que se daba a la actriz María Guerrero. La obra resultó un rotundo fracaso, argumentando los críticos que carecía de arquitectura escénica y que tenía todos los defectos de un escritor novato.

Durante los últimos años de su vida, Clarín recibe gran cantidad de ofertas para colaboraciones así como peticiones de autorización para traducir su obra en nuevas ediciones. En 1900, la Casa Maucci de Barcelona, le encarga la traducción de la novela de [[Émile Zola]] Trabajo. La retribución es buena y Clarín piensa que una traducción no le dará tanto trabajo como escribir. Pero los tecnicismos y palabras difíciles del escritor francés, unido al perfeccionismo de Clarín hacen que el trabajo se alargue durante meses, agotando la poca salud que tenía en aquellos años. Traduce día y noche para cumplir con la fecha indicada por la editorial, agotado pero contento de poder contribuir en dar a conocer al pensador más ultrajado de todo el siglo XIX.
=== Enfermedad y muerte ===
Clarín venía arrastrando su enfermedad desde años atrás y en los primeros meses de 1901 se sentía ya exhausto. En el mes de mayo viajó a León, invitado por su primo Ureña, con motivo de los festejos que se celebraron por haberse terminado la reconstrucción de la catedral. En esta ciudad revivió su infancia y fue agasajado y querido por muchas personalidades. A su vuelta comentó: En León pasé horas verdaderamente felices.

Una vez de vuelta a Oviedo sintió de nuevo y muy cercana su enfermedad. Allí fue acompañado constantemente por su sobrino el joven médico Alfredo Martínez, que le diagnosticó una tuberculosis intestinal en último grado, enfermedad incurable en aquella época.

El 13 de junio de 1901, a las siete de la mañana, murió Leopoldo Alas, a la edad de cuarenta y nueve años. El féretro fue velado en el claustro de la Universidad donde acudieron profesores, amigos y familiares del escritor. Al día siguiente fue enterrado en el cementerio de El Salvador.

En Madrid, el escritor Bonafoux (mediocre escritor según Clarín y otros escritores de la época), fiel enemigo hasta la muerte, preparó el artículo necrológico en que añadió estas palabras: Yo he sido el primero en alegrarme de la muerte de Clarín. En su entierro se escuchó el silencio que se escucha en los entierros de los tiranos.
== Anécdotas ==
Parece ser que la pesadilla de todos los amigos y conocidos de Clarín era su letra ininteligible. Por ello recibía bastante a menudo críticas constructivas, alguna mofa o alguna queja:
*Pérez Galdós: En una carta dirigida a Clarín le dice, ¡Cuán más hermoso recibir un papel lleno de garabatos y prepararse a los goces puros de la adivinación! Ir conquistando sílaba a sílaba el reino misterioso de su escritura caldea.
*Emilia Pardo Bazán: Ya tenía ganas de ver sus deliciosos garabatitos.
Clarín recibía continuamente cartas tanto para elogiarle, para insultarle o para pedir consejo y beneplácito sobre otras novelas. En una ocasión Clarín había escrito en sus Paliques que en España en aquellos años no había más que dos poetas y medio: [[Ramón de Campoamor]], [[Gaspar Núñez de Arce]] y Manuel del Palacio (que se suponía era el medio). Este último, sintiéndose ofendido y humillado, envió a la finca de Guimerán donde se encontraba Clarín de vacaciones una larga epístola escrita en tercetos y llena de insultos. La respuesta fue dura y arrolladora. Compuso otra epístola con un número de versos aproximado a los de Palacio que tituló "A 050 poeta (epístola en versos con notas en prosa clara). Toda España la leyó y toda España habló de Manuel del Palacio como el medio poeta. Fue el regocijo de las tertulias madrileñas. El aludido no replicó y ahí terminó el asunto.

En 1891, Clarín fue elegido para concejal republicano del Ayuntamiento de Oviedo en sufragio universal. Durante la reunión del acto de nombramiento, Clarín permaneció callado, pero sus nervios se dispararon al escuchar de boca de otro concejal que leía el acta, un haiga. El profesor se echó sobre él con tanta furia dialéctica que el concejal, avergonzado por las risas de sus compañeros y del público asistente, presentó inmediatamente su dimisión. Clarín intervino de nuevo y consiguió que retirase la dimisión.
== Citas ==
*Feliz yo si evito que todas estas doctrinas anarquistas, materialistas, mezcladas con ideas de amor y de justicia, grandes y hermosas, lleguen al pío lector con tantos galicismos como sería de temer.
*El eclecticismo de Balmes es originariamente infecundo, ya que sueña con alianzas imposibles entre sus creencias y las corrientes del siglo.
*Yo era entonces un idealista de cátedra...
*Me nacieron en Zamora...
*¡Qué de famas irritantes, de escritores hueros, necios, vulgarísimos no ha habido que combatir como quien apaga un incendio, durante estos 20 años!
*No seamos pesimistas -porque no hay para qué-, si no hemos llegado a la evidencia científica de que el Universo es lo más malo que cabría imaginar que fuera.
*La buena crianza nos exige que no hablemos a las personas de lo que no entienden, de lo que no les interesa; que no aburramos al prójimo con las preocupaciones de nuestro egoísmo haciéndole prestar atención a nuestras gracias, aventuras y milagros.
*La buena crianza pide también que no escandalicemos a quien nos oye con desvergüenzas, blasfemias, chistes demasiado verdes, etc., etc. La buena crianza pide que no demos latas a nadie (usando una palabra que me disgusta, pero hoy muy corriente).
== Referencias ==
=== Bibliografía ===
*"Obras selectas de Leopoldo Alas Clarín". Biblioteca Nueva, Madrid 1966. Depósito legal: M. 17673. Autor de los datos biográficos: Juan Antonio Cabezas, Madrid 1947.
*VALBUENA Y PRAT, Ángel (catedrático de Literatura). Historia de la literatura española. Gustavo Gili, editor. Barcelona 1946.

Artículo de la Enciclopedia Libre Universal en Español.

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Isabel II

2009-11-01T11:54:28Z

JustoJ:

[[Imagen:Isabel II.png|right|200 px]]
'''Isabel II de Borbón''', (Madrid, 10 de octubre de 1830 – París, 9 de abril de 1904),[1] fue Reina de España entre 1833 y 1868, tras la derogación de la Ley Sálica por medio de la Pragmática Sanción, lo que provocó la insurgencia del infante Carlos, apoyado por los grupos absolutistas (los carlistas) que ya habían intentado proclamarle rey en la agonía de [[Fernando VII]].

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Martín (Hache)

2009-11-01T11:48:56Z

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{{Ficha de película
| título original = Martín (Hache)
| título = Martín (Hache)
| imagen = I MUESTRA CINE.jpg
| nombre imagen = I Muestra de Cine Internacional
| dirección = Adolfo Aristarain
| ayudantedirección =
| dirección artística =
| producción = Adolfo Aristarain<br>Gerardo Herrero<br>Javier López Blanco
| diseño producción =
| guión = Adolfo Aristarain<br>Kathy Saavedra
| música = [[Fito Páez]]
| sonido = Daniel Goldstein<br>Ricardo Steimberg<br>Carlos Garrido<br>Ángel Gallardo
| edición =
| fotografía = Porfirio Enríquez
| montaje = Fernando Pardo
| vestuario = Félix Sánchez Plaza
| efectos =
| reparto = Federico Luppi (Martín Echenique)<br>Juan Diego Botto (Hache)<br>Eusebio Poncela (Dante)<br>Cecilia Roth (Alicia)<br>Sancho Gracia<br>Ana María Picchio
| país = Argentina<br>España
| estreno = 1997
| género = Drama
| duración = 115 minutos
| clasificación =
| idioma =
| productora = Adolfo Aristarain<br>Canal+ España<br>Televisión Española (TVE)<br>Tornasol Films S.A.
| distribución = Alta Films S.A. (España)<br>Líder Films S.A. (Argentina)
| presupuesto = 200.000.000 pts aprox.
}}

== Reseña ==

{{Películas|[[Manuel Márquez Chapresto]]|I|2001}}

Max Jacob

2009-11-01T11:47:20Z

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[[Imagen:Retrato de Max Jacob por Amedeo Modigliani.jpg|right|200 px]]
'''Max Jacob'''. (Quimper Bretaña, 12 de julio de 1876 - † Campo de concentración de Drancy, 5 de marzo de 1944). Escritor, poeta, dramaturgo y pintor francés.

Amigo de [[Pablo Picasso]], dejó sus estudios para seguir a los [[Cubismo|cubistas]] que se instalaron en Montmartre, París, donde conoció, entre otros, a [[Guillaume Apollinaire|Apollinaire]], [[Amedeo Modigliani|Modigliani]] y [[Juan Gris]]. Su producción inicial fue frenética, aunque no se conservan muchos de sus primeros escritos. Su obra Saint Matorel, de 1909, constituye su primera gran creación literaria en el terreno de la novela mística. Su éxito fue acompañado de diversas incursiones en el [[Neoimpresionismo|neoimpresionismo]] en la pintura, y el [[surrealismo|surrealismo]] y el [[Dadaísmo|dadaísmo]] en la literatura. Su obra más importante La siège de Jerusalem fue publicada en 1914, coincidiendo con su conversión al catolicismo.

Otras obras importantes fueron Le cornet à dés, La defensa de Tartufo (1919) y Le nom (1926). De origen judío, la [[Segunda Guerra Mundial]] le cogió en Saint-Benoit, donde fue apresado y dirigido al campo de concentración de Drancy donde murió en 1944. Cuidó a la hija de Pablo Picasso como a su propia hija ya que Picasso no la quería, ella le fue raptada de sus brazos, así que en la guerra este pintor fue reclutado por ser judío y allí la pequeña fue a buscarlo para salvarlo, haciéndose pasar por judía siendo francesa. Él muere cuando ella lo encuentra; cabe decir que Max Jacob era homosexual.

{{Wikipedia}}
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Vicente Yáñez Pinzón

2009-11-01T11:45:28Z

JustoJ:

[[Imagen:Vicente Yañez Pinzon.jpg|right|200 px]]
'''Vicente Yáñez Pinzón''' (aprox. 1462 - 1514) fue un navegante y explorador español. Natural de Palos de la Frontera, (Huelva), en Andalucía. Codescubridor de América y primer navegante europeo que llegó al Brasil. Navegó junto con [[Cristóbal Colón]] en su primer viaje al Nuevo Mundo, en 1492, como capitán de la carabela La Niña. Descubrió las costas de Brasil en enero de 1500, tres meses antes de la llegada de Pedro Álvares Cabral.

== Los años de juventud ==
Vicente Yáñez nació aproximadamente hacia 1462 en Palos de la Frontera, por lo que era el más joven, con diferencia, de los hermanos Pinzón, siendo muy probable que tomase el sobrenombre "Yáñez" de Rodrigo Yáñez, un alguacil de Palos que sería su padrino, como era la costumbre del lugar. La tradición en Palos señala su solar en la calle de la Ribera. Desde muy niño aprendió el arte de navegar de su hermano mayor, uno de los más destacados navegantes de la época, y participó desde su adolescencia, que fue tiempo de guerra, en combates y asaltos. Se casó dos veces, la primera con Teresa Rodríguez, que le dio dos hijas: Ana Rodríguez y Juana González. La segunda, al regreso de su último viaje a Yucatán, en 1509, con Ana Núñez de Trujillo, con la que convivió en Triana hasta su muerte.

Las primeras noticias documentadas sobre Vicente Yáñez son varias denuncias sobre asaltos a naves catalanas y aragonesas que realizó, desde que tuvo sólo 15 años, entre 1477 y 1479, una época de guerra con Portugal, en la que Palos participó activamente y que agravó su habitual escasez de trigo. Sus vecinos se quejaban de pasar hambre, y las órdenes reales a varios lugares de que permitieran el abastecimiento de cereales a Palos fueron desobedecidas. Los Pinzón, asumiendo sus responsabilidades como líderes naturales de la comarca, atacaron carabelas que transportaban fundamentalmente trigo.
== Capitán de la carabela La Niña ==
Vicente Yáñez fue el primero en aceptar la invitación de enrolamiento de su hermano cuando [[Martín Alonso Pinzón|Martín Alonso]] decide apoyar la expedición de [[Cristóbal Colón]]. Juntos fueron visitando, casa por casa, a sus parientes, amigos y conocidos, animando a embarcarse a los más destacados marinos de la zona. Rechazaron los barcos embargados por Colón, contratando navíos más adecuados, y aportaron de su hacienda medio millón de maravedíes.

Como capitán de la Niña, sus intervenciones fueron fundamentales durante el viaje, animando a proseguir la expedición cuando hasta el propio Colón quería volverse. Sofocó las protestas de los marinos de la nao Santa María, acudiendo al salvamento de éstos cuando la nao naufragó y trayendo al Almirante de regreso a España.

En 1495 lo encontramos preparando dos carabelas, la Vicente Yáñez y la Fraila, para participar en la Armada que Alonso de Aguilar, hermano mayor del [[Gonzalo Fernández de Córdoba|Gran Capitán]], iba a dirigir contra el Norte de África, pero sobrevienen las guerras de Nápoles y se dirigen a Italia, desde donde no retornan hasta 1498, recorriendo de paso las costas de Argel y Túnez.
== El descubrimiento del Brasil ==
Ese mismo año, la Corona decide permitir a particulares que realicen viajes de descubrimiento. Después de capitular en Sevilla con el todopoderoso obispo Fonseca en nombre de los [[Reyes Católicos]], el 19 de noviembre de 1499, salió Vicente Yáñez del puerto de Palos con cuatro pequeñas carabelas, por propia iniciativa y a sus expensas. Le acompañaban gran cantidad de parientes y amigos, entre ellos, como escribano, [[Garcí Fernández]], el famoso físico de Palos que apoyó a Colón cuando nadie lo hacía, sus sobrinos y capitanes Arias Pérez y Diego Fernández Colmenero, hijo primogénito y yerno, respectivamente, de Martín Alonso, su tío Diego Martín Pinzón con su primos Juan, Francisco y Bartolomé, los prestigiosos pilotos Juan Quintero Príncipe, Juan de Umbría, Alonso Núñez y Juan de Jerez, así como los marinos Cristóbal de Vega, García Alonso, Diego de Alfaro, Rodrigo Álvarez, Diego Prieto, Antón Fernández Colmenero, Juan Calvo, Juan de Palencia, Manuel Valdobinos, Pedro Ramírez, García Hernández y, por supuesto, su hermano [[Francisco Martín Pinzón]].

Fue nombrado gobernador:

:Conviene a saber: en remuneración de los seruicios e gastos e los daños que se vos recrecieron en el dicho viaje, vos el dicho Bicente Yáñes, quanto nuestra merced e voluntad fuere, seades nuestro Capitán e Governador de las dichas tierras de suso nonbradas, desde la dicha punta de Santa María de la Consolación seguyendo la costa fasta Rostro Fermoso, e de allí toda la costa que se corre al Norueste hasta el dicho río que vos possistes nonbre Santa María de la Mar Dulce, con las yslas questán a la boca del dicho río, que se nonbra Mariatanbalo; el qual dicho oficio e cargo de Capitán e Governador podades vsar e exercer e vsedes e exercedes por vos o por quien vuestro poder oviere, con todas las cosas anexas e concernientes al dicho cargo, segund que lo vsan e lo pueden e deven usar los otros nuestros capitanes e governadores de las semejantes yslas e tierra nuevamente descubiertas.[1] [2]

El relato de este viaje aparece en varias crónicas. De ellas, las Décadas del Nuevo Mundo, escritas en 1501 por el milanés [[Pedro Mártir de Anglería]], son las más cercanas en el tiempo y basadas en informes de testigos presenciales, entre ellos el propio Vicente Yáñez, pero, sobre todo, [[Diego de Lepe]], el capitán palermo que hizo un viaje "gemelo" del de Pinzón, salió de Palos un mes y medio o dos meses después y siguió su rumbo hasta adelantarle en el río Amazonas. También es bastante interesante la versión del [[Gonzalo Fernández de Oviedo y Valdés|Gonzalo Fernández de Oviedo]] en su Historia General y Natural de las Indias, pues "conoció y trató" a Pinzón que le proporcionó muchos de los datos que narra. En cuanto a las respectivas Crónicas del padre [[Bartolomé de Las Casas]] y [[Antonio de Herrera]], se basan la de fray Bartolomé en Anglería y la de Herrera en el dominico .

En su peculiar y florido lenguaje, Pedro Mártir de Anglería nos informa de que, pasadas las Canarias y las islas de Cabo Verde, las naves de Vicente Yáñez tomaron rumbo sudoeste hasta perder de vista la Estrella Polar. Por primera vez, los marinos españoles pasaban el ecuador y se adentraban en el Hemisferio Sur. Contingencia grave, porque lógicamente no sabían guiarse por las estrellas del cielo austral.

Oviedo no relata el viaje. En cuanto a Las Casas, sigue sustancialmente a Anglería, aunque con más austeras expresiones, afirmando que "tomado el camino de las Canarias y de allí a las de Cabo Verde, y salido de la de Santiago, que es una dellas, a 13 días de enero de 1500 años, tomaron la vía del Austro y después al Levante, y andadas, según dijeron, 700 leguas, perdieron el Norte y pasaron la línea equinoccial. Pasados della, tuvieron una terribilísima tormenta que pensaron perecer; anduvieron por aquella vía del Oriente o Levante otras 240 leguas". Herrera dice lo mismo, pero hace constar, cuando narra el paso de la línea equinoccial, que Vicente Yáñez fue "el primer súbdito de la Corona de Castilla y de León que la atravesó".

Por fin, nos dice Anglería, "el 26 de enero vieron tierra desde lejos, y observando la turbiedad del agua del mar, echaron la sonda y hallaron una profundidad de 16 codos, que vulgarmente llaman brazadas. Acercáronse y desembarcaron y, habiendo permanecido allí dos días, pues no encontraron en ese tiempo hombre alguno por más que vieron huellas suyas en la playa, grabaron en los árboles y rocas próximas al litoral los nombres de los Reyes y los propios, con noticia de su llegada, y se marcharon".

Nada más. Asombrosa la parquedad de palabras del exuberante Pedro Mártir, sobre todo comparada con la anterior parrafada y con lo que del mismo hecho dice Las Casas cuando afirma que el "26 de enero vieron tierra bien lejos; ésta fue el cabo que agora se llama de Sant Agustín, y los portugueses la Tierra del Brasil: púsole Vicente Yáñez entonces por nombre Cabo de Consolación".

El fraile sevillano insertó en su obra dos afirmaciones muy importantes: primero, que el cabo al que llegó Pinzón y bautizó como Consolación era el cabo conocido como San Agustín. Segundo, que Vicente Yáñez tomó posesión de la tierra. Fray Bartolomé sigue el relato del milanés, pero no duda en completarlo con las informaciones y convicciones que ha ido recopilando en el transcurrir de los años. Para él no existía la menor duda: el Cabo de Santa María de la Consolación era el de San Agustín, primera tierra descubierta en el Brasil por Vicente Yáñez Pinzón, que tomó posesión de ella.

Ante la actitud hostil de los indígenas, deciden izar las velas y seguir navegando hasta que llegaron a otro río, pero no con suficiente profundidad para ser recorrido con las carabelas por lo cual enviaron a tierra para reconocerla cuatro esquifes de servicio con hombres armados. Éstos vieron sobre una eminencia próxima a la costa una multitud de indígenas, a quienes, enviando delante un soldado de infantería invitaron a tratar. Pareció que ellos intentaban apoderarse y llevarse consigo a nuestro hombre, pues así como éste les había arrojado para atraerlos un cascabel, ellos, desde lejos, hicieron otro tanto con un palito dorado de un codo; y al inclinarse el español para cogerlo, rodeáronlo rápidamente con ánimo de apresarlo; pero nuestro infante, protegiéndose con el escudo y la espada de que estaba armado, se defendió hasta que sus compañeros lo ayudaron con los botes.

El triste resultado de este primer enfrentamiento cruento fueron, según todos los cronistas, ocho españoles muertos y más de una docena de heridos, siendo entre los indígenas bastante más numerosas las bajas. Los cronistas coinciden en la narración, con la matización de Oviedo, quien dice que fue una "pieza de oro labrada" lo que usaron los indios como cebo.

De este episodio deducen algunos autores, aventuradamente, que los indígenas conocían la ambición de oro de los cristianos. En primer lugar, el "palito de oro" que, poco a poco, de cronista en cronista, pasó a ser "pieza de oro labrada" no fue recuperado, por lo que nunca sabremos si de verdad era oro o no. Sin embargo, este hecho, así como una cruz encontrada por la expedición de [[Diego de Lepe]], y que según el profesor Juan Manzano no les hubiera sorprendido tanto, ni [[Juan de la Cosa]] la hubiera reseñado en su famoso mapa, si hubieran creído que la habían colocado allí los hombres de Yáñez, son los endebles argumentos con los que este autor pone en duda que el verdadero descubridor del Brasil fuera Pinzón, y atribuya, sin más, dicho mérito a la expedición del portugués Duarte Pacheco en 1498, que nadie sabe exactamente a dónde fue, porque las circunstancias políticas aconsejaron mantenerla en secreto.

Una hipótesis con la que, según el historiador Julio Izquierdo Labrado, no podemos estar de acuerdo por ser demasiado aventurada y gratuita, no sólo porque los argumentos, repetimos, son muy endebles, sino porque el secreto y el descubrimiento no son conceptos que se lleven bien. Descubrir no es sólo llegar, es tomar posesión, grabar nombres, dejar constancia de que se ha llegado, hacer que un escribano levante acta del acontecimiento, saber con mayor o menor exactitud a dónde se ha llegado, medir, cartografiar y, sobre todo, informar a reyes, cosmógrafos, cronistas, marinos, por citar algunos oficios, y público en general, de tal manera que las tierras a las que se ha llegado se incorporen al general conocimiento de la cultura, de la civilización que envía esa expedición. Eso es descubrir. Y eso no sucedió a partir de la llegada, si es que llegó, de Duarte Pacheco a la costa brasileña, sino de Vicente Yáñez Pinzón, único marino que merece el título de descubridor del Brasil. Título que, por cierto, no le escatimaron ni discutieron, como veremos, sus contemporáneos, ni españoles, ni portugueses.

Tampoco nadie le disputó el título de descubridor y primer explorador del río Amazonas, lugar donde tuvo lugar el enfrentamiento relatado, en la boca del Pará, y del que se marcharon entristecidos a causa de los muertos, hasta llegar a lo que creyeron otro río que se encontraba a 40 leguas. En realidad, como ya afirma Oviedo en su crónica, se trataba de la otra orilla, la otra boca del inmenso Amazonas. Asombrados comprueban que el agua dulce se introduce 40 leguas en la mar, y renuevan toda el agua de sus vasijas. Decididos a investigar el secreto de un río tan poderoso, se dirigen hacia él y, según Anglería, descubrieron que desde unos grandes montes se precipitaban con gran ímpetu ríos de rápidas corrientes. Dicen que dentro de aquel piélago hay numerosas islas feraces por la riqueza de su suelo y llenas de pueblos. Cuentan que los indígenas de esta región son pacíficos y sociables, pero poco útiles para los nuestros, ya que no consiguieron de ellos ningún provecho apetecible, como oro o piedras preciosas; en vista de ello, se llevaron de allí 30 cautivos. Los indígenas llaman a dicha región Mariatambal; empero, la situada al oriente del río se dice Camamoro, y la occidental Paricora. Los indígenas indicaban que en el interior de aquella costa existía cantidad no despreciable de oro.

Oviedo afirma categóricamente que fue Vicente Yáñez Pinzón el primero cristiano y español que dio noticia deste grand río, al que ya denomina Marañón, nombre que también utiliza Las Casas, aunque afirma no saber quién y por qué lo bautizaron así. Además el dominico añade la sorpresa que les produjo el fenómeno del macareo, pues estando en el río con el gran ímpetu y fuerza del agua dulce y la de la mar que le resistía, hacían un terrible ruido y levantaba los navíos cuatro estados en alto, donde no padecieron chico peligro.

Entretenidos en esta exploración del Amazonas, fueron sobrepasados por la expedición de [[Diego de Lepe]], que les venía siguiendo desde Palos. Así pues, en el Amazonas concluyeron los descubrimientos, estrictamente hablando, de Pinzón por tierras brasileñas. Desde allí, nos dice Anglería, que siguieron la costa con rumbo al occidente hacia Paria, en un espacio de 300 leguas, hasta la punta de tierra donde se pierde el polo ártico. Este punto es especialmente interesante y sobre él volveremos más adelante, al tratar sobre la polémica en torno a la situación del Cabo de Santa María de la Consolación.

Anglería sigue informando sobre el viaje de Pinzón, su llegada al Marañón (el Orinoco, aunque Las Casas llame así al Amazonas). Desde allí continuaron hasta Paria, donde precisamente cargaron tres mil libras de palo brasil, uno de los pocos productos que reportaron beneficios en este viaje. Con viento noroeste navegan entre varias islas, muy fértiles pero poco pobladas por la crueldad de los caníbales. Desembarcan en varias de ellas, descubriendo la isla de Mayo, pero los indígenas huyen. Encuentran enormes árboles y, entre ellos, un asombroso animal marsupial.

Habían recorrido ya 600 leguas, y pasado ya por La Española, cuando en el mes de julio sufrieron una terrible tempestad, que hizo naufragar dos de las cuatro carabelas que llevaban en los bajos de Babueca, y se llevó a otra, arrancándola con violencia de sus anclas y haciéndola perderse de vista. Estaban desesperados cuando, afortunadamente, al cesar la tempestad volvió la carabela que creían perdida, tripulada por 18 hombres. Con estas dos naves hicieron rumbo a España. Maltratados por las olas y habiendo perdido no pocos compañeros regresaron al suelo natal de Palos, junto a sus mujeres y a sus hijos, el 30 de septiembre.
== Nombramientos de Caballero y Gobernador ==
Este viaje, que fue el más largo e importante realizado en la época por sus resultados geográficos, fue en cambio un desastre económico. Pese a todo, los Reyes se mostraron muy interesados por la posesión de la inmensa costa descubierta por Pinzón, así que trataron de estimularle para que volviera a ella, por lo que el 5 de septiembre de 1501 firmaron con él una capitulación en la que, entre otras cosas, le nombran Capitán y Gobernador de la dicha punta de Santa María de la Consolación y seguyendo la costa fasta Rostro Fermoso, e de allí toda la costa que se corre al Norueste hasta el dicho río que vos possisteis nonbre Santa María de la Mar Dulce, con las yslas questán a la boca del dicho río, que se nonbra Mariatanbalo. Y además le concedían la sexta parte de todos los productos que se obtuvieran de aquella tierra, siempre que volviera a ella "dentro de un año, que se cuente del día de la fecha desta capitulaçión e asiento".

Indudablemente, los [[Reyes Católicos]] demuestran que conceden mucha importancia a los descubrimientos de Pinzón y que confían en su valía para seguir prestándoles servicios. Por eso, para premiarle por lo que había conseguido, al mismo tiempo que lo animaban y ayudaban para seguir sirviéndoles, el viernes 8 de octubre de 1501 fue nombrado caballero por el Rey Fernando el Católico en la torre de Comares de la Alhambra, el Palacio Real de Granada.

Todo fue inútil, Vicente Yáñez Pinzón no pudo o no quiso realizar este viaje. Generalmente se suele decir que la falta de recursos del capitán palermo le impidió realizarlo. Seguramente fue así. Sin embargo, Yáñez podía conseguir crédito cuando era necesario, aunque fuera a muy altos intereses. Por tanto, no conviene desechar la posibilidad de que ya en fecha tan temprana dudara, a raíz de los viajes portugueses a esas costas, de la soberanía de los reyes españoles sobre ella en razón del Tratado de Tordesillas y, por consiguiente, de su facultad para otorgarle a él su gobernación.

Juan Manzano intenta demostrar que Pinzón volvió a esas tierras por él descubiertas en 1504, en un gran esfuerzo por aclarar la confusa narración de [[Pedro Mártir de Anglería]] sobre el último viaje de Vicente Yáñez donde mezcla sus andanzas con Solís por el Golfo de México con una vuelta a las tierras halladas en 1500, en un periplo absurdo y sin sentido. ¿Para qué había de volver Pinzón al Brasil? ¿Para verificar que los cálculos de los portugueses eran correctos e informar sobre ellos a los Reyes? Esto es posible, pero la capitulación de 1501 decía que Pinzón fuera a sus expensas, corriendo con unos gastos que su penosa situación económica hacían muy gravosos, y ese esfuerzo ¿para qué? ¿Para comprobar que ni él ni España tenían derechos sobre esta tierra? ¿Navegando con tanto secreto que ninguno de sus contemporáneos se enteró? ¿Arriesgando su vida y la de su tripulación más de lo normal por llevar sólo una carabela? ¿Acaso no había anotado bien los datos en su primer viaje que tuvo que repetirlo, pasar por los mismos sitios de nuevo? Y cuando en 1513 prestó declaración, con tanta exactitud y honradez que delimitó perfectamente entre la costa que había descubierto de la que simplemente había "corrido", ya que admitía que su hallazgo correspondía a su paisano [[Diego de Lepe]], ¿por qué no se muestra tan concreto sobre su llegada al Cabo de San Agustín, sin la más mínima referencia a que hubiera estado allí en la segunda y no en la primera vez?

Demasiadas preguntas sin respuestas en este supuesto segundo viaje de Pinzón al Brasil, demasiadas interrogantes a partir de un relato confuso y desordenado de [[Pedro Mártir de Anglería]]. La verdad es que las andanzas de Vicente Yáñez entre 1502 y 1504 aún no están aclaradas.
== Expedición a Centroamérica ==
Sí quedó constatada su presencia en América durante esos años, probablemente para cumplir con sus obligaciones como Capitán General y Gobernador de Puerto Rico, la isla que había descubierto su hermano [[Martín Alonso Pinzón]] durante el primer viaje de 1492. En cambio, desde la primavera de 1505 lo volvemos a encontrar en España, concretamente en la Junta de Navegantes de Toro, en la que, por una capitulación fechada el 24 de abril se le nombró capitán y corregidor de la isla de San Juan o Puerto Rico. También participó como experto convocado por la Corona en la Junta de Navegantes de Burgos de 1508 para retomar de nuevo el tema de la búsqueda de un paso hacia las islas de las Especias. Último viaje del capitán palermo con Solís, en el que recorrieron las costas de Darién, Veragua y Paria, actuales de Venezuela, Colombia, Panamá, Costa Rica, Nicaragua, Honduras y Guatemala. Al no encontrar el paso buscado, rodean la Península de Yucatán y se adentran en el Golfo de México hasta los 23,5º de latitud Norte, protagonizando uno de los primeros contactos con la civilización azteca.

Al regreso de ese viaje, Vicente Yáñez se casa por segunda vez y se establece en Triana, testificando en 1513 en los Pleitos colombinos contra el Almirante con su acostumbrada moderación. En 1514 se le ordena acompañar a Pedrarias Dávila al Darién, pero Vicente Yáñez se encuentra enfermo y pide que se le excuse. Era el 14 de marzo de 1514, y éste es el último documento en que se le menciona. Según su amigo, el cronista [[Gonzalo Fernández de Oviedo y Valdés|Fernández de Oviedo]], Vicente Yáñez murió este mismo año, probablemente a fines de septiembre, con la misma discreción que vivió, sin que se sepa el lugar donde fue enterrado, seguramente en el cementerio de Triana. Un triste y oscuro final para el más grande de los grandes navegantes de su época.
== Referencias ==
# ↑ www.artehistoria.jcyl.es. «La Casa de Contratación». ARTEHISTORIA.. Consultado el consultado el 17 de diciembre de 2007.
# ↑ es.geocities.com/julioil. «Capitulación otorgada a Vicente Yáñez Pinzón.». Página del historiador Julio Izquierdo Labrado.. Consultado el consultado el 17 de diciembre de 2007.
== Bibliografía ==
*ORTEGA, Fray Ángel, La Rábida. Historia documental y crítica. 4 vols. Sevilla, 1925.
*IZQUIERDO LABRADO, Julio Palos de la Frontera en el Antiguo Régimen.(1380-1830 ). Instituto de Cooperación Iberoamericana y Ayuntamiento de Palos de la Frontera, Huelva, 1987.
*MANZANO Y MANZANO, Juan; MANZANO FERNANDEZ-HEREDIA, Ana Maria, Los Pinzones y el Descubrimiento de América, 3 vol., Madrid: Ediciones de Cultura Hispanica, 1988.
== Véase también ==
*[[Hermanos Pinzón]]
*[[Martín Alonso Pinzón]]
*[[Francisco Martín Pinzón]]
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Mark Knopfler

2009-11-01T11:43:03Z

JustoJ: Página nueva: 200 px '''Mark Knopfler''' OBE (na. el 12 de agosto de 1949 en Glasgow, Escocia, Reino Unido) es guitarrista, cantante, escritor de canciones y ante...

[[Imagen:Mark Knopfler.JPG|right|200 px]]
'''Mark Knopfler''' OBE (na. el 12 de agosto de 1949 en Glasgow, Escocia, Reino Unido) es guitarrista, cantante, escritor de canciones y anteriormente periodista y profesor.

Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer's Droop), para otros artistas (Bob Dylan en Slow Train Coming) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida, Last Exit To Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo. La revista Rolling Stone lo situó en el 27º puesto de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

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Lorenzo Perosi

2009-11-01T11:38:10Z

JustoJ: Página nueva: 200 px '''Lorenzo Perosi''' (Tortona, 21 de diciembre[1] de 1872 - Roma, 12 de octubre de 1956) fue un eclesiástico y compositor italiano especial...

[[Imagen:Lorenzo Perosi.jpg|right|200 px]]
'''Lorenzo Perosi''' (Tortona, 21 de diciembre[1] de 1872 - Roma, 12 de octubre de 1956) fue un eclesiástico y compositor italiano especializado en música sacra, extraordinariamente famoso[2] e influyente en su tiempo (sobre todo entre entre la década de 1890 y la de 1920). Perteneció al grupo de compositores italianos llamados «Giovane Scuola» (Joven Escuela), entre los que se contaban autores tan importantes como Puccini, Mascagni, Leoncavallo, Giordano o Cilea. De todos ellos, Perosi fue el único que no compuso nunca una ópera: su especialidad, dentro de la música sacra, fueron sus majestuosos oratorios, sus misas polifónicas y sus motetes, con los que impulsó un movimiento de renovación de la música religiosa que se conoció como cecilianismo (en honor a santa Cecilia, patrona católica de los músicos). Fue un autor muy prolífico: según Arturo Sacchetti, compuso más de tres mil obras.

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Giorgio Vasari

2009-11-01T11:34:02Z

JustoJ: /* Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos */

[[Imagen:Giorgio vasari.jpg|200px|right]]

'''Giorgio Vasari''' (Arezzo, 30 de julio de 1511 – Florencia, 27 de junio de 1574) fue un arquitecto, pintor y escritor italiano.

Es célebre sobre todo por sus biografías de artistas italianos, colección de métodos, anécdotas, rumores y leyendas recogidas en su libro'' Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos'' (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri — 1542–1550; segunda edición ampliada en 1568), fuente primordial para el conocimiento de la historia del arte italiano.
== Aprendizaje ==
A edad muy temprana se convirtió en alumno de Guglielmo da Marsiglia —destacado pintor de vidrieras— a quien fue recomendado por su pariente el pintor Luca Signorelli. A los dieciséis años el cardenal Silvio Passerini lo envió a estudiar a Florencia donde frecuentó el estudio del escultor Baccio Bandinelli y se trató con el círculo de Andrea del Sarto y de sus alumnos Rosso Fiorentino y Jacopo Pontormo. En Florencia conoció a Miguel Ángel, a quien reverenció toda la vida, próximo a marchar a Roma, y cuyo estilo de pintura influyó en el suyo poderosamente.

En 1529 visitó Roma y estudió las obras de Rafael y de otros artistas romanos de la generación anterior. Fue empleado regularmente por patronos de la familia Médicis en Florencia y Roma y trabajó también en Nápoles, Arezzo, Pisa, Bolonia y Módena.

== Fama ==
Vasari disfrutó de una alta reputación durante su vida y amasó una considerable fortuna. También disfrutó de la consideración de sus paisanos de Arezzo, ciudad dependiente de Florencia, donde terminó de construir en 1547 una bella casa, ahora museo consagrado a él, a cuya decoración dedicó mucho esfuerzo. Fue nombrado representante del consejo municipal de su ciudad natal y finalmente ostentó el cargo supremo de gonfaloniere. Fue también coleccionista de dibujos, que en algunos casos le sirvieron para formular los juicios artísticos que incluyó en sus Vidas.

El manierismo de Vasari fue más admirado durante su vida que después. Se debe entender que Vasari era en cierto modo un romántico, lúcido y entusiasta ante el papel novedoso que estaba desempeñando en el arte el movimiento realista en el que participaba y al que puso nombre, en cierto modo de ruptura con el pasado. No es que al ser manierista fuera un imitador, es que se trataba de un artista tan legítimo como otros.
== Obra de arquitectura ==
Como arquitecto, su obra principal fue el Palacio de los Uffizi, en Florencia, edificio de un clasicismo simétrico y muy elegante. También levantó el largo pasaje que conecta los Uffizi con el Palacio Pitti a través del Puente Vecchio, en 1559. Desgraciadamente hizo mucho para estropear las iglesias medievales de Santa Maria Novella y Santa Croce, en las que no respetó el coro y el trascoro y a las cuales remodeló al gusto manierista de la época. En Roma colaboró en la construcción de la Villa del Papa Julio III, Villa Giulia, iniciada en 1552, con Giacomo Barozzi da Vignola y Bartolomeo Ammanati. Varios edificios de Pistoia fueron diseñados por él.
== Obra de pintura ==
Comenzó los frescos de la cúpula de la catedral de Florencia, que no completó. Se le deben también los frescos del gran salón del palacio de la Cancillería, en Roma y especialmente algunos de los frescos decorativos del Palazzo Vecchio en Florencia. En 1563 fundó la Accademia del Disegno en Florencia, bajo la protección de Cosme I, con Miguel Ángel como cabeza de la institución y treinta y seis artistas elegidos como miembros.
== Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos ==
[[Imagen:Giorgio Vasari.jpg|right|200 px]]
Como el primer historiador del arte italiano, inició el género de una enciclopedia de biografías artísticas que continúa hoy. Vasari acuñó el término [[Renacimiento]] («rinascita»), consciente del continuo renacer en las artes desde los tiempos de Alberti. Publicada su primera edición en 1550, y dedicado al duque Cosme I de Médicis. Fue parcialmente alargado y reescrito en 1568 y provisto de grabados de retratos de artistas —algunos inventados— titulado ''Le Vite de' più eccellenti architetti, pittori et scultori italiani''. El libro comienza con un prólogo técnico sobre arquitectura, escultura y pintura, agrupadas bajo la denominación de «artes del diseño» e incluía un tratado informativo y valioso sobre las técnicas empleadas en las artes. Continúa con una introducción sobre el origen de las artes desde los pueblos antiguos hasta la Edad Media (como decadencia del arte) y presenta el Renacimiento como la etapa de renovación.

Utilizó como documentación tanto los escritos sobre arte anteriores al suyo, como las notas, los recuerdos sobre artistas antiguos y todo el material que había recogido en sus viajes a través de Italia.

Sus biografías están salpicadas de historias entretenidas. Muchas de sus anécdotas tienen el espíritu y la apariencia de la verdad; aunque otras parecen demasiado buenas como para ser ciertas. Algunas son puras ficciones, como el cuento del joven Giotto que pintaba una mosca en la superficie de una pintura de Cimabue, la cual el viejo maestro intentaba espantar repetidas veces; famoso cuento que tiene su eco en una anécdota que se contaba del pintor griego Apeles. Con pocas excepciones, el juicio estético de Vasari es perspicaz e imparcial. La concepción renacentista de la historia como relato de los hombres y sus obras, dota a sus biografías de un toque humano y dramático, mientras que las obras de arte se analizan como expresión absoluta de un temperamento o de un pensamiento, como resultado del impulso que lleva a todo artista a crear arte.

Vasari no investigaba en los archivos para encontrar las fechas exactas, como harían los modernos historiadores del arte, y naturalmente sus biografías son más seguras para los artistas de su propia generación y de la precedente. La crítica moderna —con todos los nuevos materiales descubiertos por la investigación— ha corregido buena parte de sus fechas y atribuciones tradicionales. Pero el resultado es una tendencia a subestimar la exactitud de Vasari.

La obra sigue siendo un clásico. Vasari escribió una pequeña autobiografía al final de las Vidas, y añadió noticias de sí mismo y de su familia en las vidas de Lazzaro Vasari y Francesco Salviati.
=== Lista de artistas biografiados ===
==== Parte primera: maestros de los siglos XIII y XIV ====
*Cimabue
*Arnolfo di Lapo
*Nicola Pisano
*Giovanni Pisano
*Andrea Tafi
*Giotto
*Pietro Lorenzetti (Pietro Laurati)
*Andrea Pisano
*Buonamico Buffalmacco
*Ambrogio Lorenzetti (Ambruogio Laurati)
*Pietro Cavallini
*Simone Martini
*Taddeo Gaddi
*Andrea Orcagna (Andrea di Cione)
*Agnolo Gaddi
*Duccio
*Gherardo Starnina
*Lorenzo Monaco
*Taddeo Bartoli
==== Parte segunda: artistas del siglo XV ====
*Jacopo della Quercia
*Nanni di Banco
*Luca della Robbia
*Paolo Uccello
*Lorenzo Ghiberti
*Masolino da Panicale
*Masaccio
*Filippo Brunelleschi
*Donatello
*Giuliano da Majano
*Piero della Francesca
*Fra Angelico
*Leon Battista Alberti
*Antonello da Messina
*Alessio Baldovinetti
*Fra Filippo Lippi
*Andrea del Castagno
*Domenico Veneziano
*Gentile da Fabriano
*Vittore Pisanello
*Benozzo Gozzoli
*Vecchietta (Francesco di Giorgio e di Lorenzo)
*Antonio Rossellino
*Bernardo Rossellino
*Desiderio da Settignano
*Mino da Fiesole
*Lorenzo Costa el Viejo
*Ercole Ferrarese
*Jacopo Bellini
*Giovanni Bellini
*Gentile Bellini
*Cosimo Rosselli
*Antonio Pollaiuolo
*Piero Pollaiuolo
*Sandro Botticelli
*Andrea del Verrocchio
*Andrea Mantegna
*Filippino Lippi
*Bernardino Pinturicchio
*Francesco Francia
*Pietro Perugino
*Luca Signorelli
==== Parte tercera ====
*Leonardo da Vinci
*Giorgione da Castelfranco
*Antonio da Correggio
*Piero di Cosimo
*Donato Bramante (Bramante da Urbino)
*Giuliano da Sangallo
*Antonio da Sangallo
*Rafael
*Giulio Romano
*Andrea Sansovino
*Lorenzo di Credi
*Baldassare Peruzzi
*Andrea del Sarto
*Rosso (Rosso Fiorentino)
*Jacopo Palma
*Lorenzo Lotto
*Sebastiano Viniziano (Sebastiano del Piombo)
*Miguel Ángel Buonarroti
*Pietro Torrigiano

== Enlaces externos ==
*[http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/giorgio_vasari.html Biografía y proyectos de Giorgio Vasari]en Soloarquitectura.com
*[http://legislaciones.iespana.es/Vasari.htm Biografía en español]
*[http://www.historia-del-arte-erotico.com/vasari/ Algunas vidas traducidas de las ediciones Giuntina y Torrentina]

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Francisco de Goya

2009-11-01T11:30:29Z

JustoJ: Página nueva: 200 px Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1...

[[Imagen:Francisco de Goya (1826) por Vicente Lopez.jpg|right|200 px]]
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.

Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

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Alfred Jarry

2009-11-01T11:23:55Z

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[[Imagen:Alfred Jarry.jpg|right|300 px]]
'''Alfred Jarry''' (Laval, 8 de septiembre de 1873 - París, 1 de noviembre de 1907) fue un dramaturgo y poeta francés, conocido por sus hilarantes obras de teatro y su estilo de vida disoluto y excéntrico.

== Biografía ==
Nació en Laval, hijo de Anselme y Carolina. Recibe una esmerada educación. En octubre de 1891 llega a París para estudiar en el Instituto Henri IV; tras el bachillerato trató de acceder a la École Normale Superiore, en la que no fue admitido. Más tarde ingresó en La Sorbona y fue alumno de [[Henri Bergson]]. Obtuvo pronto el éxito literario con sus poemas en verso y su prosa original. A los veinte años publicó su primera obra. Poco después murió su madre; y a los dos años, su padre, quien le dejó una cuantiosa herencia, lo cual, sumado al éxito temprano de sus obras, lo llevó a una vida desordenada e irregular.

La obra que le dio a conocer fue Ubú rey, la cual escribió a sus 15 años y se interpretó por primera vez en el teatro de marionetas de [[Pierre Bonnard]]. Se la considera antecesora directa del teatro del absurdo. Con ella Jarry consigue el aplauso del gran París. Su estreno fue interrumpido varias veces por los abucheos de los ofendidos y los vítores de los vanguardistas. En su momento sólo se representó dos veces. Es una comedia satírica en la que se mezclan las referencias a Macbeth con los excesos de un monarca tan tirano como cobarde, y cuya trama da lugar a situaciones llevadas hasta el absurdo. Es también una crítica corrosiva contra la autoridad que el autor realiza a través de la llegada al poder del grotesco Padre Ubú, quien junto a su mujer encarnan la corrupción y el despotismo, casi un paradigma de los dictadores del Siglo XX. [[William Butler Yeats]], que pese a su mal francés presenció el estreno, escribió en su autobiografía a propósito de esa noche "Después de nosotros, El Dios Salvaje".

A partir de Ubú rey, Jarry empezó a confundirse con su propio personaje, adoptando el habla sincopada y pedante de éste y su personalidad. Se volvió más excéntrico. Caminaba siempre por París con una pistola en el cinto. A pesar del éxito, vivió de forma pobre hasta su muerte, producto de una tuberculosis empeorada por el alcohol y las drogas, y ocurrida el día 1 de noviembre de 1907, en el Hospital de la Caridad, a los treinta y cuatro años.

Su obra póstuma, Hechos y dichos del doctor Faustroll, patafísico (Gestes et opinions du docteur Faustroll, pataphysicien) describe las enseñanzas de un Faustroll, nacido a los 63 años y pionero de la "patafísica", disciplina que trata "las leyes que gobiernan las excepciones y explicarán el universo adicional a éste". En la patafísica todo suceso del universo es una excepción, y las leyes de la física no son más que excepciones que se producen más frecuentemente.

En sus últimos años Jarry contaba con un buen número de jóvenes seguidores, entre los que se contaban [[Max Jacob]], [[Apollinaire]], André Salmon, [[Enrico Baj]] y [[Picasso]], que adquirió su pistola y acostumbraba a llevarla por París.
== Obras ==
*Les minutes de Sable Mémorial (1894)
*César-Antéchrist (1895)
*Ubu Rey (1896)
*Los días y la noches, novela de un desertor 1897)
*L´Amour en visites (1898)
*Almanaque del Padre Ubu
**L´Amor Absolou (1899)
*Ubu encadenado (1900)
*Almanaque ilustrado del Padre Ubu
**Mesalina,novela de la antigua Roma (1901)
*Nuevo almanaque del Padre Ubu
**El supermacho, novela moderna (1902)
*Par la Taille
**Ubu en la colina (1906)
*Albert Samain, recuerdos (1907)
*La Papisa Juana, novela medieval (1908)
*Pantagruel, opera bufa en cinco actos y seis cuadros
**Gestos y opiniones del doctor Faustroll, patafísico, novela neo-científica seguido de Especulaciones (1911)
*Gestos, seguido de Paralipómenos de Ubu (1921)
*Les Silenes
**Poémes (1926)
*La Dragonne, novela (1943)
*Ubu cornudo (1944)
*Obras poéticas completas (1945)
*Instrucciones para la construcción de la máquina del tiempo, por el doctor Faustroll (1950)
== Referencias ==
*Tomkins, Calvin (abril de 2006). Ed. Anagrama (ed.). Duchamp, Primera edición edición, pp. 639 páginas. ISBN 84-339-7249-9.

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Johnny Cash

2009-11-01T11:21:32Z

JustoJ:

[[Imagen:Johnny Cash.jpg|right|200 px]]
'''Johnny Cash''', nacido J.R Cash (26 de febrero de 1932 - 12 de septiembre de 2003) fue un cantautor estadounidense de country, [[Gospel|gospel]], [[Rock and roll|rock and roll]] y rockabilly. Fue uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.

Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento, los Tennessee Three y, por vestir ropa oscura, lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Empezaba todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I'm Johnny Cash»).

Muchas de las canciones de Cash, como en «I Walk The Line», «Folsom Prison Blues», o «Man in Black», tratan de temas como la pena, la culpa, tribulaciones morales y redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. También compuso canciones humorísticas (como «One Piece At A Time», «The One On The Right Is On The Left» o «A Boy Named Sue»), llenas de vitalidad («Get Rhythm») o con otras temáticas típicas del country, como el ferrocarril («The Rock Island Line»).

Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock, del Country y de Compositores de Nashville.

== Primeros años de carrera ==
En plena Guerra de Corea se alistó en las fuerzas armadas, recibiendo su instrucción en las bases de la Fuerza Aérea de Lackland y de Brooks, ambas localizadas en San Antonio (Texas). Cash fue destinado como operador de radio al Servicio de Seguridad de la Fuerza Aérea Estadounidense (USAFSS, de U.S. Air Force Security Service). Su unidad fue destinada en la base aérea de Landsberg, en Alemania. Allí fundó su primer grupo musical, The Landsberg Barbarians.[1]

Cuando terminó el servicio, Cash se casó con Vivian Liberto, a la que conoció durante su entrenamiento en la base de Brooks. En 1954, se trasladó a Memphis (Tennessee), donde trabajó como vendedor de electrodomésticos mientras estudiaba para ser locutor de radio. Por las noches, tocaba con el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant, a quienes se conocía como The Tennessee Three. Cash se decidió a obtener un contrato de grabación y visitó el Estudio Sun, propiedad de Sam Phillips el dueño de Sun Records. Después de una audición con Phillips, en la que cantó algunas canciones gospel, este le dijo «ve a casa y vuelve con una canción que pueda vender». Cash volvió con nuevas canciones y consiguió un contrato. Sus primeras grabaciones para Sun fueron «Hey Porter» y «Cry Cry Cry», editadas en 1955 y que consiguieron cierto éxito en las listas de country.

El siguiente single de Cash, «Folsom Prison Blues» llegó al Top 5 las listas de country. «I Walk the Line» consiguió el número 1, además de llegar al Top 20 de las listas de pop. A «I Walk the Line» le siguió «Home of the Blues», grabada en julio de 1957. Ese mismo año, Cash fue el primer artista de Sun en editar un LP. A pesar de ser uno de los artistas más prolíficos y con mayor número de ventas de su época, Cash estaba atado a la pequeña Sun. [[Elvis Presley]] había abandonado Sun y Phillips mantenía su atención en la promoción de [[Jerry Lee Lewis]]. En 1958, Cash dejó el sello para firmar una suculenta oferta de Columbia Records, donde su single «Don't Take Your Guns to Town» se convertiría en uno de sus mayores éxitos.

Su primera hija, Rosanne Cash, nació en 1955. De su matrimonio con Vivian Liberto, Cash tuvo otras tres hijas: Kathleen en 1956, Cindy en 1959 y Tara en 1961. Pero sus frecuentes giras sus también habituales con las droga terminaron su relación con Vivian. En 1968 se casó con la cantante June Carter, con quien realizaba giras cantando a dúo y mantenía una azarosa relación desde hacía años, tras pedirle el enlace públicamente en un concierto.
== Adicción a las anfetaminas ==
Ya a finales de los 50 Cash tomaba anfetaminas, pero fue durante los primeros años de la década de los 60 cuando Cash comenzó a beber compulsivamente y a tomar muchas anfetaminas, a las que acabó siendo adicto. Durante una temporada, Cash alquiló un apartamento con Waylon Jennings, quien también estaba enganchado a las anfetaminas. Cash ocultaba a menudo las pastillas y cuando olvidaba dónde las había puesto acusaba a Jennings de robárselas. Cash las tomaba para mantenerse despierto y activo durante sus giras. Sus amigos bromeaban a menudo sobre su comportamiento «nervioso», ignorando muchos de ellos la fuerte adicción que sufría por entonces.
== Folsom Prison Blues ==
Durante su estancia en el ejército, Cash vio la película Inside the Walls of Folsom Prison (1951), que le inspiró para escribir el borrador de una de sus más célebres canciones: «Folsom Prison Blues».

Cash sentía una gran compasión por los presos, lo que le impulsó a realizar una serie de conciertos en varias cárceles. Resultado de estos conciertos son dos de sus álbumes más aclamados, Johnny Cash at Folsom Prison (1968) Johnny Cash at San Quentin (1969).

El álbum at Folsom Prison comienza con una interpretación llena de fuerza de su clásico "Folsom Prisom Blues", mientras que at San Quentin incluye el single "A Boy Named Sue", que se puede clasificar como crossover (se dice de las canciones que mezclan estilos), un tema nuevo compuesto por Shel Silverstein que alcanzó el número 1 en las listas nacionales y el número 2 en el US Top Ten pop charts. Las anteriores versiones de este último single contenían palabras malsonantes que fueron eliminadas en esta época más sensible de su carrera. Las versiones modernas en CD aparecen sin editar ni censurar y, por lo tanto, son más largas que las originales en vinilo, dando así una clara idea de cómo eran los conciertos, con un público muy receptivo compuesto por presos.

Además de sus presentaciones en la Penitenciaría de Folsom, en San Quentin y otras prisiones de los Estados Unidos (no de América, porque América es todo el continente, como decía él mismo), Johnny Cash también actuó en la Prision de Österåker en Suecia en 1972. El álbum en vivo På Österåker ("At Österåker") salió a la venta en 1973. Entre las canciones de Cash se pueden oír frases en sueco, hecho que fue apreciado por los internos.

Cash dejo de usar drogas a principios de 1970, después de una epifanía espiritual en la cueva de Nickjack. Cash redescubrió la religión cristiana, tomando la hostia en Templo Evangélico, una pequeña capilla en el área de Nashville. Cash eligió esta capilla de entre tantas grandes e importantes iglesias de Nashville porque él decía que era un hombre más ahí, y no una celebridad.
== American Recordings ==
Cuando el contrato con Columbia Records llegó a su fin, Johnny Cash firmó con Mercury Records. Editó varios álbumes entre 1987 y 1991, con escaso éxito o reconocimiento. Cash estaba en su momento más bajo de popularidad y en Mercury se despreocuparon de su carrera.

Su carrera tomó un nuevo rumbo hacia mediados de los 90, cuando Cash conoció al productor Rick Rubin. A principios de la década, Cash empezaba a ser reconocido como un icono de la música popular estadounidense por un público más joven aficionado a otros géneros musicales como el indie o el rap. Por ejemplo, en 1991 participó en la versión de «Man in Black» que el grupo de punk One Bad Pig's incluyó en su álbum I Sream Sunday. En 1993 cantó en la canción «The Wanderer», incluido en Zooropa de U2.

Así, en 1993 apareció Rick Rubin, fundador del sello American Recordings especializado en rap y [[Hard rock|hard rock]], quien le ofreció a Cash un contrato para varios álbumes en su sello. Bajo la atenta supervisión de Rubin, Cash grabó su primer álbum para éste, American Recordings. La producción del álbum era muy austera: sólo aparecían Cash y su guitarra. Las canciones fueron grabadas en el salón de la casa del propio Rubin. El álbum fue un éxito total, tanto a nivel de crítica como de público, consiguiendo un Grammy al «Mejor álbum de folk contemporáneo». Cash no sólo gustó a sus fans de siempre, sino que se hizo hueco en una audiencia más joven. Fue aclamado en el Festival de Glastonbury; el propio Cash escribió que tal recibimiento fue uno de los mejores momentos de su carrera. American Recordings fue el comienzo de una carrera repleta éxitos a nivel creativo y comercial.

Johnny Cash y June Carter Cash aparecieron en varios episodios de la serie televisiva La Doctora Quinn, protagonizada por Jane Seymour. La actriz quedó tan contenta con Cash que llamó John a uno de sus hijos. Además, Johnny apareció en Los Simpson poniendo la voz a un coyote que guía a Homer en un viaje espiritual.

En 1996 apareció Unchained, su segunda referencia para American. Esta vez fue acompañado por Tom Petty and the Heartbreakers. Con este álbum volvió a ganar un Grammy como «Mejor álbum de country». Ese año comenzó una nueva autobiografía, que apareció en 1997 como Cash: The Autobiography.
== Grave enfermedad ==
En 1997, a Cash le fue diagnosticada una enfermedad neurodegenerativa conocida como Síndrome de Shy-Drager. El diagnóstico fue cambiado más adelante por el de neuropatía autónoma asociada a la diabetes. La enfermedad forzó a Cash a acortar su gira. Fue hospitalizado en 1998 con neumonía severa con daños en los pulmones. Debido a su enfermedad, las canciones de sus álbumes American III: Solitary Man (2000) y American IV: The Man Comes Around (2002) se tornaron ligeramente más sombrías que las de sus dos anteriores álbumes para American. El vídeo de «Hurt» de American IV, una versión de Nine Inch Nails fue aclamado tanto por crítica como por el público. Incluso el mismo compositor de la canción, Trent Reznor, afirmó que no ha vuelto a escuchar su propia versión desde que escuchó la de Cash

June Carter Cash murió en mayo de 2003 a la edad de 71 años. La causa fueron complicaciones posteriores a una operación de corazón. Le había dicho a Johnny que siguiese trabajando y grabando canciones, incluso que diese algún concierto sorpresa en el «Liberto Family Fold», Virginia. Durante un concierto, antes de cantar «Ring of Fire», Cash leyó una declaración sobre June que había escrito rápidamente antes de subir al escenario. Habló sobre cómo el espíritu de su mujer le guardaba y cómo éste le había visitado antes de comenzar el concierto. A pesar de sus problemas de corazón, habló sobre las ganas que tenía de que llegase el día en que pudiese volver a caminar para lanzar su silla de ruedas al lago que había cerca de su casa.

El 12 de septiembre, cuando no habían pasado ni cuatro meses desde la muerte de su mujer, Johnny Cash murió, también a los a los 71 años, debido a complicaciones de su diabetes, con resultado de fallo respiratorio, mientras estaba hospitalizado en el Hospital Bautista de Nashville (Tennessee). Fue enterrado al lado de su mujer en el cementerio "Hendersonville Memory Gardens", cerca de su casa de Hendersonville, Tennessee.

En junio de 2005, su casa de Caudill Drive, en Memphis fue puesta en venta. En enero de 2006 fue vendida por 2,5 millones de dólares a una corporación propiedad de Barry Gibb (cantante de Bee Gees). Menos de un año después se declaró un incendio que la destruyó por completo.

El 25 de noviembre de 2004 apareció el cofre de cinco CDs Unearthed: contenía cuatro CDs de música no editada y un quinto CD recopilatorio de su etapa en American. El álbum había sido ideado por el propio Cash antes de su muerte. El 4 de julio de 2006 apareció un quinto volumen de American Recordings: American V: A Hundred Highways. Las partes vocales fueron grabadas antes de la muerte de Cash, pero las instrumentales no fueron grabadas hasta 2005.
== Legado e influencia ==
Desde sus primeros años como pionero del rockabilly y el [[Rock and roll|rock and roll]] en los años 50, en las décadas en las que fue un representante internacional de la música country y hasta su resurgimiento como icono del country alternativo en los años 90, Cash ha influenciado a incontables artistas y ha sido reverenciado por los más grandes músicos populares de la historia.

Cash ha sido muy valorado incluso por artistas lejanos a su género musical. Como se puede leer en las notas de Unearthed, Bob Johnston (productor y amigo de Cash) contaba como, hablando con un grupo de rap éstos le declaraban «el padrino del Gangsta rap», ya que habían crecido escuchando cómo Johnny Cash cantaba «maté a un hombre en Reno simplemente por verle morir». En su álbum Ego Trippin', Snoop Dogg dedica su canción "My Medicine" a Johnny Cash, a real American gangsta. La banda de punk rock Social Distortion cierra sus conciertos interpretando Ring Of Fire, la cual aparece en su disco Social Distortion.

Cash apadrinó y defendió a artistas de las críticas sobre lo que era o no aceptable en el country, incluso en las épocas en las que él era uno de los símbolos más visibles del establishment country. En 1999 se le ofreció un concierto-tributo en el que tocaron artistas de la talla de [[Bob Dylan]], Chris Isaak, Wyclef Jean, Norah Jones, Kris Kristofferson, Willie Nelson o [[U2]].

Justo después de su muerte fueron editados dos álbumes-tributo; Kindred Spirits y Dressed In Black. En el primero participaron músicos con cierto prestigio, mientras que el segundo era de artistas menos conocidos.
En reconocimiento por el apoyo que prestó a la ONG SOS Children's Villages, su familia lanzó un llamamiento a amigos y fans a que realizasen donaciones a esta ONG en memoria del fallecido. Cash tenía un vínculo personal con el SOS village de Diessen, en el sur de Alemania, cerca de donde estuvo destinado como militar. También estaba involucrado en la SOS village de Barrett Town, cerca de la casa que poseía en Jamaica.

Durante un breve periodo, hubo un museo llamado «House of Cash». La autopista 31E, que pasa por la calle principal de Memphis , es conocida como «Johnny Cash Parkway».

La canción «Ring Of Fire» aparece un episodio de Los Simpson, en el videojuego Tony Hawk's Underground 2 y en la película Silent Hill. En el ultimo concierto de la banda Screamo ,Orchid (9/7/2002) empezaron con una cinta con la canción "Ring on fire"
=== Películas ===
En 2005 se estrenó la película En la cuerda floja. Johnny y June: pasión y locura (Walk the Line, su título original), dirigida por James Mangold, que narra la vida del cantante. El actor Joaquín Phoenix, quién lo encarnó, estuvo nominado al Oscar al mejor actor. La actriz Reese Witherspoon ganó el Oscar a la mejor actriz por su interpretación de June Carter. Ambos actores ganaron el Globo de Oro en la categoría de «mejor actor de comedia o musical» y «mejor actriz de comedia o musical».

El 12 de marzo de 2006 se estrenó en el «Ethel Barrymore Theatre» Broadway el musical Ring of Fire, basado en la obra de Johnny. En 2006 también se estrena "Silent Hill", la adaptación cinemátográfica del videojuego de mismo nombre, en la cual se oye "Ring Of Fire".

En 2007 en la película, El amanecer de los muertos, la introducción es la canción de The man comes around
=== Series de TV ===
*En un capítulo de Caso Abierto, todas las canciones que aparecen son obra de Johhny Cash.
*Dentro de la Banda Sonora de la Serie Prison Break de la Primera Temporada aparece el tema The Mercy Seat.
*El capitulo 19 de la quinta temporada de Stargate Atlantis finaliza con el tema Solitary Man
*En varios episodios de Stargate Atlantis se ve que el protagonista, John Sheppard, es fan del cantante ya que tiene un poster suyo en su habitacion.
*En varios capítulos de "Dr.Quinn, Medicine Woman" donde comenzó protagonizando un cazarrecompenzas que se instaló un tiempo en el primitivo Colorado Springs y lo nombraron comisario, más tarde prefiere seguir buscando delicuentes a lo largo y ancho del país y al regresar a Colorado conoce a una predicadora, la hermana Ruth (June Cash Cartier) que lo hace cambiar de vida y terminan enamorándose y haciéndose grandes amigos de la Dra.Michaela Quinn y su esposo Byron Sully.(Protagonistas de la serie)
*En segundo capitulo de la tercera temporada de Smallville con el tema The man comes around
*En un capitulo de la primer temporada de The Sarah Connor Chronicles suena el tema The man comes around
*En el episodio 9 de la octava temporada de Los Simpsons le puso la voz al "coyote espacial".

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Mick Jagger

2009-11-01T11:19:20Z

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'''Sir Michael Philip "Mick" Jagger''' (n. el 26 de julio de 1943 en Dartford, Inglaterra) es un músico de rock, muy conocido por su trabajo como vocalista y compositor en el popular grupo británico [[The Rolling Stones]], del que es cofundador. También ha trabajado como productor musical y de cine, actor y empresario.

Jagger ha ganado dos premios Grammy con The Rolling Stones y un Globo de Oro en solitario.

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Mick Jagger

2009-11-01T11:18:29Z

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[[Imagen:Mick Jagger.JPG|right|200 px]]
Sir Michael Philip "Mick" Jagger (n. el 26 de julio de 1943 en Dartford, Inglaterra) es un músico de rock, muy conocido por su trabajo como vocalista y compositor en el popular grupo británico The Rolling Stones, del que es cofundador. También ha trabajado como productor musical y de cine, actor y empresario.

Jagger ha ganado dos premios Grammy con The Rolling Stones y un Globo de Oro en solitario.

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The Rolling Stones

2009-11-01T11:15:26Z

JustoJ:

Grupo de [[Rock and roll|rock]] británico, rival histórico de los [[The Beatles|Beatles]]. Se formó en [[1962]] y su vigencia se extiende a nuestros días. Se lo conoce popularmente como los Rollings o los Stones. Su isotipo, una boca de gruesos labios con la lengua afuera, inspirada en las características del cantante Mick Jagger, aunque atribuído durante muchos años a Andy Warhol, en realidad fue diseñado por John Pasche.
{{TOCderecha}}
==Integrantes==
*[[Mick Jagger]] (Dartford, Reino Unido, [[1943]]) Voz y guitarras
*[[Brian Jones]] (Cheltenham, Reino Unido, [[1944]]-Londres, [[1969]]) Voz y guitarras
*[[Keith Richards]] (Darford, Reino Unido, [[1943]]) Voz y guitarras
*[[Bill Wyman]] (Londres, [[1941]]) Bajo
*[[Charlie Watts]] (Londres, [[1941]]) Batería
*[[Mick Taylor]], guitarras, desde [[1969]] hasta [[1976]]
*[[Ron Wood]], guitarras, desde [[1969]] hasta [[1976]]

==Historia==
Un grupo de extensa trayectoria, en [[1964]] realiza su primera gira de conciertos por Estados Unidos, como parte de la invasión británica de grupos de rock.

Si bien en un comienzo basan su producción en los temas clásicos del rockabily y el [[rhythm and blues]] americano y en algún éxito "prestado" por los Beatles (''I Wanna Hold your Hand''), desde [[1965]] comienzan a grabar sus propios temas, en general compuestos por Jagger y Richards, que se convierten en la contrapartida de Lennon y McCartney. En [[1969]] el grupo sufre un impacto importante cuando Jones se ahoga en una piscina luego de ingerir alcohol en exceso en una fiesta. Lo reemplaza Taylor, quien se aleja en [[1976]] y es sustituido por Wood.

En [[1986]] reciben el Premio Grammy a la trayectoria y en [[1989]] ingresan en el Rock and Roll Hall of Fame.

En [[1993]], Keith Richards ingresa también en el Hall of Fame y en el [[1994]] la cadena de vídeos musicales MTV otorga al grupo un premio en reconocimiento a su trayectoria. El [[10 de noviembre]] de [[1994]] los Rollings trasmiten un concierto en línea por Internet, el primer grupo de rock en lograrlo.

Publicaron su último álbum de estudio en [[1997]]. Desde entonces, si bien continúan con el negocio de las giras mundiales y el correspondiente disco en vivo, sus integrantes han reorientado sus intereses artísticos hacia emprendimientos individuales. Su último disco de estudio salió a la venta en el año [[2005]].

==Controversia==
Las letras sexualmente explícitas o con mensaje político han generado diversos intentos de censura y episodios de autocensura.
*[[1965]]. Estados Unidos. Las estaciones de radio prohiben (I Can't Get No) Satisfaction.
*[[1967]]. Estados Unidos. Mick Jagger suaviza la letra de Let's Spend the Night Together (de pasar la noche juntos a pasar un rato juntos) en el show televisivo de Ed Sullivan.
*[[1968]]. Estados Unidos. Las estaciones de radio de Chicago prohiben Street Fighting Man por posible incitación a la violencia en ocasión de la reunión de la Convención del Partido Demócrata de los Estados Unidos en esa ciudad.
*[[2003]]. China prohíbe la interpretación de Brown Sugar, Honky Tonk Women, Beast of Burden y Lets Spend the Night Together en el primer concierto de la banda en ese país.
*[[2006]]. Estados Unidos. La organización apaga el micrófono de Mick Jagger (con su consentimiento) en la actuación de los Rolling Stones en el Supertazón durante la interpretación de Start Me Up.

El disco A Bigger Bang ha sido muy criticado por su condena explícita a las políticas del presidente George W. Bush.

==Discografía==
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|
*''The Rolling Stones'' ([[1964]])
*''12x5'' ([[1964]])
*''The Rolling Stones Now!'' ([[1965]])
*''December's Children'' ([[1965]])
*''Big Hits High Tide And Green Grass'' ([[1966]])
*''Aftermath'' ([[1966]])
*''Got Live If You Want It'' ([[1966]])
*''Between The Buttons'' ([[1967]])
*''Flowers'' ([[1967]])
*''Their Satanic Majesties Request'' ([[1967]])
*''Beggars Banquet'' ([[1968]])
*''Let It Bleed'' ([[1969]])
*''Get Yer Ya Yas Out'' ([[1970]])
*''Sticky Fingers'' ([[1971]])
*''Hot Rocks (1964-1971)'' ([[1972]])
*''Exile On Main Street'' ([[1972]])
*''More Hot Rocks'' ([[1972]])
|
*''Goats Head Soup'' ([[1973]])
*''It´s Only Rock & Roll'' ([[1974]])
*''Metamorphosis'' ([[1975]])
*''Black & Blue'' ([[1976]])
*''Some Girls'' ([[1978]])
*''Emotional Rescue'' ([[1980]])
*''Undercover'' ([[1983]])
*''Dirty Work'' ([[1986]])
*''Single Collection'' ([[1980]])
*''Steel Wheels'' ([[1989]])
*''Voodoo Lounge'' ([[1994]])
*''Stripped'' ([[1995]])
*''Bridges to Babylon'' ([[1997]])
*''No Security'' ([[1998]])
*''Live Licks'' ([[2004]])
*''A Bigger Bang'' ([[2005]])
|}
==Filmografía==
Los integrantes de los Rolling Stones han aparecido en las siguientes películas, actuando, o siendo simplemente ellos mismos:
{|{{Tablabonita}}
|
*''Charlie Is My Darling'' ([[1965]])
*''One Plus One o Sympathy for the Devil'' ([[1968]]) de Jean-Luc Godard
*''The Rolling Stones Rock n’Roll Circus'' ([[1968]])
*''The Stones in The Park'' ([[1969]])
*''Performance'' ([[1970]])
*''Need Kelly'' ([[1970]])
*''Ladies And Gentlemen, The Rolling Stones at The Marquee'' ([[1971]])
*''Gimme Shelter'' ([[1971]])
*''Cocksucker Blues'' ([[1972]])
*''Ladies And Gentlemen, The Rolling Stones'' ([[1974]])
*''Green Ice'' ([[1981]])
*''Time Is On Our Side'' ([[1982]])
*''Burdon of Dreams'' ([[1982]])
*''Let’s Spend The Night Together'' ([[1983]])
*''Digital Dreams'' ([[1983]])
|
*''The Nightingale'' ([[1983]])
*''Video Rewind: Greatest Video Hits'' ([[1984]])
*''The Wild Life'' ([[1984]])
*''Willie and the Poor Boys'' ([[1985]])
*''Running Out Of Luck'' ([[1986]])
*''Eat The Rich'' ([[1987]])
*''25x5-The Continuing Story Of The Rolling Stones'' ([[1989]])
*''Rolling On'' ([[1991]])
*''Keith Richards and the X-Pensive Winos: Live'' ([[1991]])
*''At The Max'' ([[1992]])
*''Freejack'' ([[1992]])
*''Voodoo Lounge'' ([[1994]])
*''Bent'' ([[1997]])
*''Bridges To Babylon'' ([[1998]])
*''Bad City Blues'' ([[1999]])
|}
==Enlace externos ==
*[http://www.portalmundos.com/mundomusica/grandes/therollingstones.htm Biografía de The Rolling Stones: Legendarios]

[[Categoría:Grupos y conjuntos musicales|Rolling Stones]]
{{EL}}

Jean Cocteau

2009-11-01T11:08:42Z

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[[Imagen:Cocteau 04.jpg|right|200 px]]
'''Jean Cocteau''' (Maisons-Laffitte, 5 de julio de 1889 - Milly-la-Forêt, 11 de octubre de 1963), poeta, novelista, dramaturgo, pintor, diseñador, crítico y cineasta francés.

== Biografía ==
Jean Maurice Eugène Clément Cocteau nació el 5 de julio de 1889 en Maisons-Laffitte, una pequeña ciudad cerca de París. Hijo de Georges Cocteau y de Eugénie Lecomte, fue el menor tras Marthe (12 años) y Paul (8 años).

En 1898 Georges Cocteau, rentista hijo de abogados, se suicidó disparándose una bala en la cabeza. Esto, junto con el posterior traslado de Marthe y Paul al hogar de sus abuelos, hizo que Eugénie Lecomte fuera una madre sobreprotectora con el pequeño Jean.

En 1900 ingresó en el Lycée Condorcet, del que fue expulsado por indisciplina en el año 1904. En 1906 ingresó en el Lycée Fénelon, donde nunca logró un rendimiento regular, por culpa de su poco interés.

En 1908, Édouard de Max, fanático de la poesía del joven Cocteau, lo presentó en una Matinée Poética en el Théâtre Fémina, donde no dudó en declararlo como un joven prodigio de la poesía. Así, un año más tarde, publicó su primera compilación poética, La lampe d'Aladin. En 1909 se trasladó a su nueva residencia, en la rue d'Anjou de París, junto con su madre. Este mismo año, tuvo una fugaz relación con la comediante Madeleine Carlier.

En el año 1909, gracias a su amistad con [[Sergéi Diágilev]] y a la revelación de los Ballets Rusos, Jean Cocteau ingresó al círculo del ballet y el teatro.

La muerte súbita de Raymond Radiguet, gran compañero de Cocteau, el 12 de diciembre de 1923 afectó terriblemente al poeta, que llegó a declarar: «ya no escribiré». Desesperado, Cocteau comienza a dedicarse al opio. A pesar de numerosas curas de desintoxicación, consumirá droga hasta el final de su vida.

En 1930 realizó su primera película: La sangre de un poeta. Cocteau fue hospitalizado durante 40 días debido a un ataque de fiebre tifoidea. Durante 1932 mantuvo una relación con Nathalie Paley, hija de un gran duque Romanov. Quedó embarazada, pero abortó debido a la intervención de Marie-Laure de Noailles, quien de joven había amado a Cocteau y se había propuesto arruinar su nueva relación. Durante el transcurso del año 1933, mantuvo una fugaz relación con Marcel Khill, quién falleció en 1940.

En 1943 falleció su madre, Eugénie Lecomte. En 1945 grabó la película La Belle et la Bête, donde conoció a quién fue su pareja más duradera, [[Jean Marais]], cuya relación levantó fuertes críticas que Cocteau contrarrestó en sus ensayos contra la homofobia. En 1947 se reencontró con Édouard Dermit, quién se convertirá a partir de entonces en su hijo adoptivo y heredero universal.

El 3 de marzo de 1955, Jean Cocteau fue nombrado miembro de la Academia francesa (l’Académie française).

En 1958 falleció su hermana, Marthe Cocteau. En 1957 fue nombrado Miembro Honorario del Instituto Nacional de Artes y de Letras de Nueva York. En 1961 falleció su hermano, Paul Cocteau.

Jean Cocteau murió en Milly-la-Forêt, cerca de Fontainebleau, el día 11 de octubre de 1963, víctima de un infarto de miocardio.
== Obras ==
[[Imagen:Jean Cocteau.jpg|200px|right]]
=== Novela ===
*Le Potomak, 1919.
*Le Grand écart, 1923.
*Thomas l'imposteur, 1923.
*Le livre blanc, 1928.
*Les Enfants terribles, 1929.
*La Fin du Potomak, 1940.
*Les deux travestis, 1947.
=== Poesía ===
*La lampe d'Aladin, 1909.
*Le prince frivole, 1910.
*La danse de Sophocle, 1912.
*Le Cap de Bonne-Espérance, 1918.
*L'Ode à Picasso, 1919.
*Poésies 1917-1920, 1920.
*Vocabulaire, 1922.
*Plain-chant, 1923.
*Cri écrit, 1925.
*Prière mutilée, 1925.
*L'Ange Heurtebise, 1926.
*Opéra, 1927.
*Morceaux choisis, poèmes, 1926-1932, 1932.
*Mythologie, 1934.
*Énigme, 1939.
*Allégories, 1941.
*Poèmes écrits en allemand, 1944.
*Léone, 1945.
*La crucifixion, 1946.
*Poèmes, 1948.
*Anthologie poétique de Jean Cocteau, 1951.
*La nappe du Catalan , 1952.
*Le chiffre sept, 1952.
*Appogiatures, 1953.
*Dentelle d'éternité, 1953.
*Clair-obscur, 1954.
*Poèmes, 1916-1955, 1956.
*Paraprosodies précédées de 7 dialogues, 1958.
*Gondole des morts, 1959.
*Cérémonial espagnol du phénix, suivi de La partie d'échecs, 1961.
*Le Requiem, 1962.
=== Dramaturgia ===
*Orphée, 1926.
*Oedipe roi, 1928.
*Roméo et Juliette, 1928.
*La Voix humaine, 1930.
*La machine infernale, 1934.
*Le bel indifférent, 1940.
*Théâtre I: Antigone - Les Mariés de la tour Eiffel - Les Chevaliers de la table ronde - Les Parents terribles, 1948.
*Théâtre II: Les Monstres sacrés - La Machine à écrire - Renaud et Armide - L'aigle à deux têtes, 1948.
*Théâtre de poche, 1949.
*Bacchus, 1952.
*Nouveau théâtre de poche, 1960.
*L'Impromptu du Palais-Royal, 1962.
*Paul et Virginie, 1968.
*Le gendarme incompris, 1971.
=== Pintura ===
*Dessins, 1923.
*Le mystère de Jean l'oiseleur, 1925.
*Maison de santé, 1926.
*Poésie plastique, 1927.
*25 dessins d'un dormeur, [1928].
*Soixante dessins pour les Enfants terribles, 1935.
*Dessins en marge du texte des Chevaliers de la table ronde, 1941.
*Drôle de ménage, 1948.
*La chapelle Saint-Pierre, Villefranche-sur-mer, 1957.
*La salle des mariages, Hôtel de ville de Menton, 1957.
*La Chapelle Saint-Pierre, 1958.
*Saint-Blaise- des -simples, 1960.
=== Cine ===
*Le sang d'un poète, 1930.
*La Belle et la Bête, 1945.
*L'aigle à deux têtes, 1945.
*Les parents terribles, 1948.
*Orphée, 1949.
*La villa Santo-Sospir, 1952.
*L'Amour sous l'électrode, 1955.
*Le testament d'Orphée, 1959.
== Enlaces externos ==
Commons
*[http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jean_Cocteau Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Jean Cocteau]..
Wikiquote
*[http://es.wikiquote.org/wiki/Jean_Cocteau Wikiquote alberga frases célebres de Jean Cocteau]..
*[http://www.bosie.tv/es/node/8007 El cosmo de hombres de Jean Cocteau].
*[http://www.cinematismo.com/biografias/jean-cocteau-1889-1963/ Biografía en español de Jean Cocteau].

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Henry James

2009-11-01T11:05:20Z

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[[Imagen:Henry James.jpg|right|200 px]]
'''Henry James'''. Nueva York, 1843 - Londres, 1916) Narrador, crítico y dramaturgo estadounidense de obra psicológica y estructuralmente compleja, considerado uno de los grandes maestros de la ficción moderna. Era hermano del filósofo y psicólogo W. James. Estudió en Nueva York, Londres, París y Ginebra, y en 1875 se estableció en Inglaterra. A los veinte años comenzó a publicar cuentos y artículos en revistas de su país.

En sus primeras obras manifestó la influencia de la cultura europea, como en las escritas entre 1875 y 1881: Roderick Hudson (1876), El americano (1877), Daisy Miller (1879) y Retrato de una dama (1881). Esta última, sin duda una de sus obras maestras, es un análisis de los norteamericanos expatriados en Europa. En sus primeros tiempos mostró gran pericia en la escritura de relatos breves, aunque algunos críticos le adjudicaron cierto intelectualismo que lo alejaba de la prosa de argumento o de acción.

Su narrativa en general se caracteriza por el ritmo lento y la descripción sutil de los personajes, más que por los propios acontecimientos; las tramas, aunque no suelen ser complicadas en extremo, cobran densidad por los repliegues de la estructura y el estilo indirecto, como en Los papeles de Aspern (1888) y Otra vuelta de tuerca (1898), que es para muchos la culminación de su obra.

En esta última, por ejemplo, una muchacha es contratada por una familia adinerada para que se encargue de cuidar a sus sobrinos, pues los padres de los niños han muerto. Cuando llega a la casa conoce a Flora, la niña, y a los pocos días llega Miles, el niño, y poco a poco la chica descubre que pasan cosas extrañas en la casa, pues Flora parece estar poseída por Jessel, el fantasma de la antigua niñera que había fallecido, y Miles también parece estarlo por el señor Quint, otro servidor que trabajaba allí años atrás.

En la novela los hechos nunca asumen la gravedad esperada, rasgo propio del autor, que va dilatando la verdad por medio de una prosa morosa, revelando oblicuamente los motivos y conductas de sus personajes, con diálogos y observaciones minuciosas, técnica que siguió empleando en sus últimas creaciones: Las alas de la paloma (1902), Los embajadores (1903) y La copa dorada (1904).

La forma en que narra los procesos mentales de sus personajes lo convierte en uno de los precursores indiscutibles del llamado "monólogo interior", en lo que se anticipó a maestros como [[James Joyce]] o [[William Faulkner]] ; otro de sus avanzados descubrimientos estilísticos fue el empleo de narradores múltiples. Autor prolífico, escribió una veintena de novelas, más de un centenar de relatos, varias obras teatrales e innumerables críticas, además de lúcidos ensayos como El arte de la novela, La imaginación literaria y los Cuadernos de apuntes, que ejercieron un indudable magisterio en muchos autores posteriores.

'''Extraído de'''
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/j/james_henry.htm Biografías y Vidas].

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Ernest Hemingway

2009-11-01T11:03:36Z

JustoJ: /* Segunda Guerra Mundial */

'''Ernest Miller Hemingway''' (Oak Park, 21 de julio de 1899 - Ketchum, 2 de julio de 1961) fue un escritor y periodista estadounidense. Uno de los principales novelistas y cuentistas del siglo XX. Ganador del Premio Nobel de Literatura en 1954 por su obra completa.
[[Imagen:Liter hemingway1.jpg|200px|right]]
== Biografía ==
=== Primeros años ===
Nació el 21 de julio de 1899 en Oak Park, un suburbio de Chicago. Era el segundo hijo de una familia de tres. Su padre, Clarence Edmond Hemingway, era médico y le gustaba la caza y la pesca. Su madre, Grace Hall Hemingway, había estudiado música y le hizo interesarse por ella. El padre de Ernest poseía una casita con terreno en el Lago Bear. Allí Ernest aprendió a pescar (con tres años era ya capaz de manejar una caña) y a cazar (con doce empuñaba la carabina). Estudió en el Instituto de Secundaria de Oak Park y River Forest, donde aprendió a tocar el violonchelo y formó parte de la orquesta. Era capitán del equipo de waterpolo y jugaba a rugby. Se interesaba también por el boxeo y peleaba con sus compañeros en los descampados. En los estudios destacó en lengua, pero sentía apatía por las otras asignaturas. Mostró sus aptitudes literarias en el diario escolar, usando el alias Ring Lardner, Jr. Al acabar sus estudios, en 1917, no quiso ir a la universidad, como quería su padre, ni quiso perfeccionar sus estudios de violonchelo, como su madre quería. Se trasladó a Kansas y en octubre de 1917 comenzó a trabajar de reportero en el Kansas City Star.
=== Primera Guerra Mundial ===
Los Estados Unidos entraron en guerra el 6 de abril de 1917, y Ernest no quería perderse la ocasión de seguir el Cuerpo de Expedición Americano, como hicieron [[John Dos Passos]], [[William Faulkner]] o [[F. Scott Fitzgerald]]. Debido a un defecto en el ojo izquierdo, fue excluido como combatiente. Consiguió hacerse llamar como conductor de ambulancias de la Cruz Roja y desembarcó en Burdeos a finales de mayo de 1918, para marchar a Italia. El 8 de julio de 1918 fue herido de gravedad por artillería austriaca. Con las piernas heridas y una rodilla rota, fue capaz de cargarse a hombros un soldado italiano para ponerle a salvo. Caminó 40 metros hasta que se desmayó. La heroicidad le valió el reconocimiento del gobierno italiano con la Medalla de Plata al Valor. Durante su recuperación en el hospital de Milán se enamoró de una joven enfermera, Agnes von Kurowsky, quien más tarde le plantaría por un oficial napolitano. Regresó a Estados Unidos en enero de 1919, reanudando su trabajo como periodista en el Toronto Star y como redactor del mensual "Cooperative Commonwealth". Se casó con Elizabeth Hadley Richardson, 8 años mayor que él, el 3 de septiembre de 1920. La pareja se trasladó a París en 1922.
=== Entreguerras: París y la Generación Perdida ===
En 1923, al poco tiempo de llegar a París, nació su primer hijo, John Hadley Nicanor Hemingway, al que llamaba "Bumby". En París conoció los ambientes literarios de vanguardia y se relaciona con los miembros de la llamada Generación Perdida: [[Gertrude Stein]], [[Ezra Pound]] y [[F. Scott Fitzgerald]] entre otros. La familia Hemingway vivía en un austero piso, pero cuando Ernest escribía a su familia les contaba que vivían en la mejor zona del Barrio Latino. Sus comienzos literarios no fueron nada fáciles. Sus primeros trabajos: Tres historias y diez poemas (1923) y En este mundo (1925) pasaron inadvertidos. Ernest se ganaba la vida como corresponsal y viajó por toda Europa. También se empleó como sparring para boxeadores y “cazaba” palomas en los Jardines de Luxemburgo cuando sacaba a pasear a su hijo, pues los ahorros mermaban y no ganaba mucho.
=== Nueva etapa ===
El año 1925 supuso el descubrimiento de Hemingway para los editores americanos, y el año en que escribió su primera novela, Fiesta. El nuevo estilo que mostró en este libro, retrato del París bohemio de los años veinte y buena parte de inspiración autobiográfica, dejó atrás una literatura más experimental y oscura, resultando más impactante y exitosa. También en Muerte en la tarde, relata sus experiencias en Pamplona, España, país que ya comenzaba a adorar, y en el que aún hoy quedan testimonios de su presencia.

En 1929, edita Adiós a las armas, novela de contenido autobiográfico, ya que está basada en su paso por la guerra y sus experiencias en el frente de batalla. Le siguen dos ediciones más optimistas, que tratan dos temas que le apasionaban: la corrida de toros, en Muerte en la tarde, y África, en Las verdes colinas de África (1935). En 1928 regresa a Estados Unidos con su segunda esposa, pero pronto parte hacia Cuba. A partir de ese momento, comienza en él una curiosa y definitiva transformación. Se aleja del individualismo, como puede advertirse en Tener y no tener (1937), que describe el fracaso de una rebelión individual, y se compromete con la lucha humanitaria y con la unión de las personas. Compromete su escritura en esta nueva etapa con los republicanos españoles durante la [[Guerra Civil Española]], compromiso del que da testimonio en el guión del filme documental Tierra española, en la obra de teatro La quinta columna (1938) y por supuesto en Por quién doblan las campanas, obra maestra de la literatura universal.
=== Segunda Guerra Mundial ===
[[Imagen:Ernest Hemingway.jpg|right|200 px]]
Estalla la [[Segunda Guerra Mundial]]. Su destino era el mar de Las Antillas y su misión, patrullar con el fin de capturar barcos de bandera nazi. En 1944 viaja a Europa como corresponsal de guerra, participa en misiones aéreas de reconocimiento en Alemania y forma parte del desembarco en Normandía, siendo uno de los primeros soldados en entrar en París. Hasta 1950 no vuelve a escribir. Al otro lado del río y entre los árboles, es su primera publicación después de aquellos turbulentos años de guerra.

=== El viejo y el mar ===
Hemingway vivió casi 20 años en Cuba, en un lugar llamado Finca Vigía, donde escribió esta novela. En 1952 sorprende con un breve relato encargado por la revista Life, El viejo y el mar, por el que recibe el premio Pulitzer en 1953. La historia narra la experiencia de un viejo pescador cubano que ha tenido una mala racha y sale de pesca decidido a terminarla. Un año más tarde obtendrá el Premio Nobel de Literatura por el conjunto de su obra. Después de recibir el Nobel dijo que ¨soy el primer cubano, sato¨, que recibía este importante premio. Hemingway mantuvo una relación de amistad con el gobernante de Cuba, Fidel Castro
=== Últimos años ===
A partir de ese momento intenta escribir una novela sobre la [[Segunda Guerra Mundial]], que finalmente nunca concluiría. Y vuelve en nuevos relatos, a aquellos años de juventud en París y España (París era una fiesta), lugares en los que fue "muy pobre, pero muy feliz", añorando la sensación que le provocaba ser un joven soñador, valiente y arriesgado, que no sólo escribía sobre acontecimientos que un día pasarían a ser parte de la historia, sino que además era parte de ella. El 2 de julio de 1961 se disparó a sí mismo con una escopeta. Dada la ausencia de una nota de suicidio y el ángulo del disparo, es difícil determinar si realmente su muerte fue autoinfligida o si fue un accidente. Se presume que una posible causa fue la enfermedad de Alzheimer que se le fuera diagnosticada poco antes, así como también su carácter depresivo.
== Obra ==
=== Relatos ===
*Tres relatos y diez poemas (Three Stories and Ten Poems) (1923)
*En nuestro tiempo (In Our Time) (1925)
*Hombres sin mujeres (Men Without Women) (1927)
*El ganador no se lleva nada (Winner take Nothing) (1933)
*La quinta columna y los primeros cuarenta y nueve relatos (The Fifth Column and the First Forty-Nine Stories)(1938)

=== Novela ===
*The Torrents of Spring (1926)
*Fiesta (The Sun Also Rises) (1926)
*Adiós a las armas (A Farewell to Arms) (1929)
*Las verdes colinas de África (Green Hills of Africa) (1935)
*Tener y no tener (To Have and Have Not) (1937)
*Por quién doblan las campanas (For Whom the Bell Tolls) (1940)
*Al otro lado del río y entre los árboles (Across the River and into the Trees) (1950)
*El viejo y el mar (The Old Man and the Sea) (1952). Premio Pulitzer en 1953.
===Otras ===
*Hombres en guerra (Men at War) (1942). Antología.
*Muerte en la tarde (Death in the Afternoon) (1932)
*El cabaret de Angela Swarn (1939)
=== Obras publicadas póstumamente ===
*The Wild Years (1962). Recopilación.
*París era una fiesta (A Moveable Feast) (1964). Novela.
*Enviado especial (By-Lines) (1967). Artículos periodísticos para el Toronto Star entre 1921 y 1924.
*Islas en el golfo [o Islas a la deriva](Islands in the Stream) (1970). Novela.
*The Nick Adams Stories (1972)
*88 Poems (1979)
*Selected Letters (1981)
*Un verano peligroso (The dangerous summer) (1986). Pensado originalmente como un relato para la revista Life en 1959
*True at first light (1999)
== Bibliografía ==
*Castillo-Puche, José Luis (1968). Hemingway, entre la vida y la muerte. Ediciones Destino. ISBN 978-84-233-0058-7.
*Stanton, Edward F. (1989). Hemingway en España. Editorial Castalia. ISBN 978-84-7039-526-0.
== Enlaces externos ==
*[http://commons.wikimedia.org/wiki/Ernest_Hemingway Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Ernest Hemingway.Commons]
Wikiquote
*[http://es.wikiquote.org/wiki/Ernest_Hemingway Wikiquote alberga frases célebres de Ernest Hemingway].
*[http://tierra.free-people.net/artes/literatura-ernest-hemingway.php Biografía de Ernest Hemingway].
*[http://www.juventudrebelde.cu/cultura/2009-08-02/hemingway-fue-obligado-a-salir-de-cuba/ Hemingway fue obligado a salir de Cuba].

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Marcel Duchamp

2009-11-01T11:00:53Z

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[[Imagen:Marcel Duchamp 01.jpg|right|200 px]]
'''Marcel Duchamp''' (/maʀsɛl dyˈʃɑ̃/ Blainville-sur-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968). Artista y ajedrecista francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX.

== Biografía ==
=== Infancia y adolescencia ===
Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo al noreste de Ruan, donde su padre, Eugène Duchamp, ejercía como notario y alcalde. Fue el tercero de seis hermanos. Sus dos hermanos mayores, que adoptaron más tarde los nombres de Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon, decidieron dedicarse al arte, quizás debido a la influencia de su abuelo materno, que tras ganar una fortuna considerable como agente marítimo se había retirado para dedicarse a sus principales aficiones, el grabado y la pintura, llegando a exponer algunas obras en la Exposición Universal de París (1878).

Como habían hecho sus hermanos mayores, a los que estaba muy unido, Marcel asistió a clases de dibujo en el liceo. Su hermano Gaston (Jacques Villon) había alcanzado cierta fama como pintor de carteles en París, en una época en la que descollaban Henri de Toulouse-Lautrec y Alfons Mucha, y Marcel, que admiraba a su hermano, trató de imitar su estilo en sus primeros dibujos. En el verano de 1902, con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. También realizaría varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz) con un único tema: su hermana Suzanne, dos años menor que él, que también se dedicaría a la pintura. En 1904 abandonó el hogar paterno para marcharse al barrio parisino de Montmartre, donde vivió con su hermano Gaston. Marcel, al igual que sus hermanos, disponía de una asignación mensual que su padre le daba como adelanto de la herencia.
=== Inicios artísticos en París ===
En 1904, Montmartre llevaba más de cincuenta años albergando a la comunidad artística de París. Marcel se presentó al examen de la École des Beaux-Arts, que suspendió. Se matriculó en una escuela privada, la Académie Julian, que abandonó poco después por la vida en los cafés del barrio, donde, como era habitual en ese momento, llevaba un cuaderno en el que dibujaba escenas de la vida cotidiana. Tras su servicio militar en Eu, cerca de Ruán, volvió a París en 1906. Por aquel tiempo realizó dibujos humorísticos, una actividad que gozaba de prestigio en la época. En 1907 se seleccionaron cinco de sus dibujos en el primer Salon des Artistes Humoristes. En 1908 se eligieron, hoy en día desaparecidas, para el Salón d'Automne, una importante exposición anual. Marcel pintó durante los años siguientes con un estilo fauvista, del que [[Henri Matisse|Matisse]] era el abanderado. Aunque Duchamp, muchas veces contradictorio en sus afirmaciones, en ocasiones rechazó la influencia de [[Paul Cézanne|Cézanne]], en otras reconoció haber permanecido una larga temporada bajo su influjo, bajo el que probablemente pintaría Retrato del padre del artista, un retrato psicológico de su padre. Pintó más retratos por aquel tiempo, incluyendo uno de su amigo el Doctor Dumochel en el que exageró algunos rasgos físicos. A este respecto, Duchamp comentó que fue un primer intento de dotar de humor a su obra. En 1910 pintó La partida de ajedrez, en la que aparecían sus dos hermanos jugando al ajedrez en un jardín con sus mujeres abstraídas en sus cavilaciones. Al exponer este cuadro junto a otros cuatro en el Salón d'Automne pasó a ser societaire, lo que suponía el derecho a exponer sin ser examinado previamente por un jurado.

Aunque sus primeras pinturas mostraban talento, produjo pocas obras en comparación a otros artistas. Fue ésta una época de titubeos y experimentación con varias tendencias.
=== Etapa cubista ===
Era un tiempo de revoluciones artísticas: el collage de Picasso y Braque, el futurismo, las obras de Alfred Jarry, la poesía de [[Guillaume Apollinaire|Apollinaire]] y el arte abstracto de Vasili Kandinsky, Robert Delaunay y Piet Mondrian abrían al arte moderno. A partir de 1911 Duchamp empezó a innovar más seriamente. Según Tomkins, el cuadro que marca el inicio de esta etapa es Sonata. En la pintura, inspirada en el cubismo de su hermano Jacques Villon, aparecen sus tres hermanas interpretando una pieza musical y su madre, ajena. Tras experimentar con "un fauvismo que no se basaba únicamente en distorsión" en El matorral, pintó Yvonne y Magdaleine desmenuzadas y Retrato (Dulcinea), en los que juega con los temas del movimiento y la transición, temas mayores en la obra de Duchamp. En ésta época tuvo una relación con Jeanne Serre, según Gough-Cooper y Caumont la modelo de El matorral, con la que tuvo una hija, aunque Duchamp no lo sabría hasta mucho más adelante. En aquella época quedó cazado por el cubismo en sus visitas a la Galerie Kahnweiler, donde había lienzos de [[Pablo Picasso|Picasso]] y [[Georges Braque|Braque]]. Como tanto Picasso como Braque rechazaron justificar el cubismo con teorías o manifiestos, el grupo de nuevos cubistas en el que se encontraban los hermanos Duchamp—con los que no se relacionaban Picasso ni Braque—comprendieron su fundamento intelectual mediante las explicaciones de Jean Metzinger. Este grupo se reunía en la casa de Villon en Puteaux los domingos por la tarde, de ahí recibió el nombre de grupo de Puteaux. Entre otros temas, en las discusiones del grupo que se hablaba de dos asuntos de importancia para Duchamp: La cuarta dimensión y el arte interpretado por la mente en lugar de por la retina (arte retiniano). Fruto de estas nuevas ideas, en 1911 acometió la tarea de representar la actividad mental de una partida de ajedrez, esfuerzo que desembocó en Retrato de jugadores de ajedrez. Aunque en su técnica no destaca sobre otras obras cubistas, sí lo hace el intento de dar énfasis a la actividad mental en detrimento de la imagen retiniana.

En cambio, sí reconoció la influencia de las fotografías de Étienne-Jules Marey, que trataban de capturar el movimiento mediante fotografías repetidas, como éstas.

A partir de Retrato de jugadores de ajedrez, primera pintura innovadora, cada obra de Duchamp era distinta a las anteriores. Nunca se detuvo a explorar las posibilidades que abría una nueva obra, simplemente cambiaba a otra cosa. Por este tiempo dejó de frecuentar tanto a sus hermanos y pasó a estar en contacto sólo con un grupo de amigos, en especial con Picabia. Entonces empieza a interesarse por la plasmación pictórica de la idea movimiento. El primer intento de esta línea es Joven triste en un tren, que Duchamp consideró un esbozo. Además de por la nueva línea que abre, esta obra es notable por ser la primera vez en la que Duchamp juega con las palabras en sus obras, pues según él eligió triste por su aliteración con train La siguiente obra de Duchamp continuó esta senda. Se trata de Desnudo bajando una escalera, del que pintó dos versiones.

Desnudo, que empezó en diciembre de 1911, sorprendió en primer lugar por su título, que pintó en el mismo lienzo. El desnudo era un tema artístico con unas reglas fijas ya establecidas, que desde luego no incluían figuras bajando por escaleras. Duchamp mostró la idea de movimiento mediante imágenes superpuestas sucesivas, similares a las de la fotografía estroboscópica. Tanto la sensación de movimiento como el desnudo no se encuentran en la retina del espectador, sino en su cerebro. Aúna elementos del cubismo y futurismo, movimiento que atacaba al cubismo del grupo de Puteaux. El cuadro debía exhibirse en la exposición cubista del Salon des Indépendants, pero Albert Gleize le pidió a sus hermanos que le dijeran que retirara voluntariamente el cuadro, o que le cambiase el título, que les parecía caricaturesco, a lo que éstos accedieron. A propósito de este incidente, Duchamp recordaría más tarde:

:(...) no repliqué. Dije muy bien, muy bien, cogí un taxi para la exposición, recuperé mi cuadro y me lo llevé. Fue un auténtico giro en mi vida. Me di cuenta de que, después de aquello, nunca más volverían a interesarme demasiado los grupos

Sin embargo, si Desnudo bajando una escalera animó a Duchamp a seguir su propio camino sin adscribirse a teorías o grupos, fue otro cuadro pintado ese mismo año el que marcaría el camino que acabaría años más tarde en la realización de El gran vidrio (La marièe mise à nu pair ses célibataires): Molinillo de café, una pequeña pintura para la cocina de su hermano. Según el propio Duchamp, pintó una descripción del mecanismo, estructurada en dos partes, ideas presentes también en el vidrio, aunque en aquella época no fue consciente lo que suponía.
=== Viaje a Múnich y vuelta a París ===
En aquellos años recibió, según Tomkins, la influencia de Jules Laforgue y Raymond Roussel. Del primero le atraían su humor cínico, el desapego de sus personajes y sus juegos verbales. Del segundo, su obra a base de juegos de palabras, transliteraciones y retruécanos. Como más tarde reveló el propio Roussel, le atrajo la «locura de lo inesperado» y el descubrimiento de una obra que parte únicamente de la imaginación del autor, pues para Roussel las obras no debían contener «nada salvo combinaciones de objetos totalmente imaginarios». Duchamp acudió junto a [[Francis Picabia]] a la representación de Impresiones de África, que le impresionó fuertemente. Una semana más tarde se encaminó solo a Múnich. Allí no realizó ningún intento de conocer a Kandinsky, y de hecho la cuestión de la abstracción pura le resultaba bastante indiferente, sino que se dedicó a trabajar. De esta época son los primeros bocetos del gran vídrio y aparece el tema de las vírgenes y su transición a novia, tema que trabajaría durante mucho tiempo. Empezó por los dibujos de la Virgen, después continuó con la pintura El tránsito de la virgen a la novia y culminó con Novia. Según algunos críticos, como Jerrold Seigel, los cuadros no versan sobre la iniciación sexual, sino sobre transición al estado justamente anterior, de inocencia expectante. En las dos últimas aparecen un artilugio que también figurará en el Gran vidrio y de hecho, según el propio Duchamp, Novia no era más que un ensayo para una obra de más importancia. En esta época estuvo enamorado de Gabrielle Buffet-Picabia, esposa de Picabia. Tras dos meses de trabajo visitó Viena, Praga, Leipzig, Dresde y Berlín y sus museos antes de volver a París. En el viaje de vuelta escribió dos páginas de retrúecanos, fantasías y juegos de palabras que describen un cuadro que no llegaría a pintar. Este texto está considerado un precedente de las notas que más adelante incluiría en su Caja verde y del lenguaje del Gran vidrio. Según declararía más tarde, en esta época había abandonado el cubismo y la representación pictórica del movimiento, y se había hartado de la pintura. Se embarcó en la creación de una obra diferente, de gran envergadura, para lo que buscó un empleo de bibliotecario que le ocupara pocas horas.

Si embargo, la exposición de la Section d'Or, la exposición cubista más importante celebrada antes de la guerra, trastocó sus planes por completo. De Duchamp se expusieron seis obras, entre ellas Desnudo bajando una escalera. Nº 2. Las pinturas muniquesas no se exhibieron, pues las consideraba meros estudios. Su obra tuvo poca repercusión en general, pero recibió elogios de [[Guillaume Apollinaire]], que seguramente le prestó atención a causa de su amistad mutua con Picabia, y, lo que resultó más importante, atrajo vivamente el interés de Arthur B. Davies, Walter Pach y Walt Kuhn, que tenían proyectado organizar la Exposición Internacional de Arte Moderno que pasaría a la historia con el nombre de the Armory Show.

La exposición conocida como El Armory Show puso en contacto al arte estadounidense con la vanguardia europea. Entre las pinturas, esculturas y obras decorativas expuestas el Desnudo bajando una escalera, nº2 de Duchamp provocó una gran reacción. Hubo colas de treinta y cuarenta minutos para ver el cuadro y el American Art News ofreció diez dólares al que diera la mejor explicación del cuadro. Aunque el arte moderno recibió burlas en la prensa, atrajo a un grupo no muy numeroso de coleccionistas. A los tres hermanos Duchamp les fue muy bien: Raymond vendió tres de cuatro esculturas expuestas, Jacques Villon sus nueve pinturas y Marcel vendió sus cuatro lienzos por un total de 972 dólares.

Duchamp pasó dos años realizando estudios para el Gran vidrio. El cambio en su obra fue total. Aunque antes de su viaje a Múnich había mostrado su desprecio por el arte retiniano, su arte seguía circunscrito en la tradición del arte occidental, tanto en materiales, pues siempre pintaba en óleo sobre lienzo, como en conceptos. Tras el viaje se aprecia como abandona el principio de la sensibilidad creadora y lo sustituye por el dibujo mecánico, la escritura, la ironía y el empleo del azar. Según Tomkins, no es casualidad que este cambio coincida con la mudanza de Duchamp a Neuilly, donde viviría alejado del círculo artístico de Montmartre. Allí se dedicó a trabajar en los preliminares de su nueva obra. Realizó dibujos preparatorios y escribió notas. En algún momento se le ocurrió que realizaría la obra sobre vidrio. De esta forma podría evitar la oxidación de los colores y también podría dejar zonas sin pintar, lo que elimina la necesidad de llenar todo el soporte. Había decidido que en su obra mostraría un movimiento psicológico, un tránsito, como había hecho ya en El tránsito de la virgen a la novia. En este tiempo estudió la perspectiva renacentista en detalle. Realizó un estudio en perspectiva del panel inferior (la machine célibataire o la máquina soltera). Pintó también un molinillo de café en perspectiva (Molinillo de chocolate (Nº 1)). Este trabajo en óleo sobre lienzo es un estudio del elemento central del panel inferior. Está pintado en un estilo muy diferente a sus obras anteriores, pues lo pintó con toda la precisión de la que fue capaz. Al recurrir al dibujo técnico, Duchamp intentaba eliminar la sensibilidad personal del artista al mecanizar el trazo. Más tarde consideró que aquel trabajo fue el auténtico principio del Gran vídrio. En sus notas preparatorias juega con la ironía y altera las leyes de la física y la química. Así, se habla de la oscilación de la densidad, la inversión de la fricción y la sexualidad como motor de dos tiempos en un un coqueteo con la patafísica. Duchamp dijo que buscó acercarse a la ciencia, pero no por amor a la misma, sino para «desacreditarla ligeramente, de una manera leve, sin importancia». También se aprecia el gran interés de Duchamp por la cuarta dimensión y la geometría no euclidiana. Del grupo de Puteaux Duchamp fue el único que trabajó concienzudamente para comprender estos temas. De hecho, Gertrude Stein dice de Duchamp tras conocerle que «parece un joven inglés y habla con vehemencia acerca de la cuarta dimensión».

Tras eliminar el talento en la manufactura recurriendo al dibujo técnico, Duchamp atacó a la intención consciente recurriendo al azar. Se le ocurrió cortar tres hilos de un metro de longitud y dejarlos caer sobre tres lienzos. Calcó las líneas resultantes y reprodujo tres veces cada una sobre un lienzo. Al resultado lo tituló Red de zurcidos. Aunque otros artistas habían empleado el azar para escapar de sus condicionantes, Duchamp lo empleó de una forma nueva, pues consideraba que, dado que la suerte de cada uno es distinta, el resultado de su azar era una expresión de su subconsciente. En algún momento de 1913, cuando exploraba esta vía, creó lo que retrospectivamente consideró el primer ready-made: una rueda delantera de bicicleta dispuesta bocabajo sobre un taburete de cuatro patas (Rueda de bicicleta sobre un taburete). Duchamp dijo que había surgido como un divertimento, pues le resultaba agradable observar como desaparecían los radios al girar la rueda. Más adelante compró un portabotellas, artículo frecuente en los hogares franceses de la época, sin la intención de usarlo para llenarlo de botellas, sino como escultura ya hecha. En una nota de 1913, Duchamp anota la pregunta «¿Se pueden hacer obras que no sean de arte?».

También estuvo buscando el material con el que haría la en vidrio. Tras unos meses en los que estuvo probando a corroer el vidrio con ácido fluorhídrico, abandonó la idea porque le resultaba demasiado engorroso y peligroso, pues la reacción química emitía gases tóxicos. Entonces se le ocurrió utilizar hilo de alambre que pegaría al vidrio con gotas de barniz. El material era fácil de encontrar, maleable y muy cómodo. Con alambre sobre vidrio creó Trineo. Aunque Francia entró en la [[Primera Guerra Mundial]] el 3 de agosto de 1914 y sus dos hermanos fueron llamados al ejército poco después, el la opinión general en Francia es que la guerra duraría menos de medio año. En estas circunstancias, Duchamp continuó trabajando en sus estudios para el Gran vidrio. Lo siguiente que abordó fue otra obra en alambre sobre vidrio, los Nueve moldes machos, recipientes tridimensionales que representan a los solteros. Aunque en principio eran ocho, finalmente les agregó un noveno, el jefe de estación. Para Duchamp el número tres representaba a la multitud. El tres y múltiplos de tres aparecen con frecuencia en su obra. Para los Pistones de corrientes de aire de la parte superior del vidrio Duchamp recurrió otra vez a la suerte: dejó una gasa cuadrada ante una ventana y lo fotografió tres veces mientras el viento lo sacudía suavemente. Las siluetas resultantes formarían los Pistones.
=== Traslado a Nueva York ===
Walter Pach volvió a París en busca de obras para organizar más exposiciones en Nueva York sobre las vanguardias europeas. A raíz de esta visita, Duchamp y Pach se hicieron amigos. Muchos de los artistas afincados en la capital francesa habían sido llamados a filas. Duchamp fue eximido del ejército al detectarle un soplo reumático en el corazón. Aunque no exhibía su actitud escéptica con la guerra e impermeable al patriotismo, tuvo que aguantar los reproches de su cuñada y de los desconocidos que le increpaban por la calle por no estar en el frente. Así las cosas, escribió a Pach el 2 de abril de 1915 que estaba «totalmente decidido» a marcharse de Francia., y en una carta posterior aclaraba «No me voy a Nueva York, me marcho de París, que es muy distinto». El 15 de junio zarpó en el Rochambeau en dirección a Nueva York.

Ya en Nueva York se alojó inicialmente en la casa del matrimonio Arensberg. Walter Arensberg, hijo de un magnate del acero, había quedado muy impresionado por el Armory Show. Para cuando Duchamp llegó a su apartamento, Arensberg atesoraba obras de Brancusi, Picasso, Braque, Matisse y los cubistas de Puteaux. Se ganó la vida y aprendió inglés dando clases de francés a amigos de Pach y Arensberg, entre los que se encontraba John Quinn, con quien trabó amistad. Tras dos meses en Nueva York, los medios de comunicación descubrieron que se encontraba allí y se convirtió en objetivo de los entrevistadores. Éste les correspondía con ideas y opiniones originales. Sin embargo, ni habló de su obra ni se dedicó a pintar. En septiembre se marchó del apartamento de los Arensberg. Tres meses más tarde se volvió a mudar. El alquiler de su nuevo apartamento le obligó a buscar trabajo además de las clases, así que por medio de Pach consiguió un empleo en el Instituto Francés.

Poco después de irse a vivir a su nuevo apartamento compró dos hojass de vidrio que serían el soporte del Gran vidrio, en el que trabajaba dos horas al día, aunque no todos los días. En invierno compartió piso con Jean Crotti, que hizo una pieza de metal sobre vidrio que retrataba a Duchamp: Retrato de Marcel Duchamp, que adquirió Arensberg y que más tarde desapareció. Fue en aquella época cuando Duchamp compró una pala quitanieve, la colgó del techo mediante un cable, la tituló In Advance of the Broken Arm y la firmó. Era un objeto elegido a través de la «indiferencia visual y, al mismo tiempo, de la total ausencia de buen o mal gusto»[20] Es el primer auténtico ready-made: una obra creada por la elección del artista, no por su habilidad. Poco después escribió a su hermana Suzanne para que convirtiese al portabotellas en un ready-made en la distancia. Para hacer esto, solo tenía que escribir una inscripción en él. Sin embargo, Suzanne ya había tirado el portabotellas y la rueda de bicicleta. De todas formas, la idea de ready-made había nacido. Duchamp diría mucho más adelante «No estoy seguro en absoluto de que el concepto de ready-made no sea la idea más importante que haya producido mi obra».

En aquella época se convirtió en el centro de atracción del grupo de Arensberg por su ingenio. Bebía bastante, en palabras de Albert Gleizes, y según Gabrielle Picabia, «todas sus alumnas caían en sus brazos», pues «había adquirido bastante experiencia y sabía como comportarse en cualquier situación». En su círculo íntimo se encontraban Picabia, el fotógrafo Man Ray y Henri-Pierre Roché, con los que compartiría una larga amistad. Por otra parte, en esta época Duchamp jugaba todas las noches al ajedrez en casa de Arensberg, que había formado parte del equipo de Harvard.

Además de en el círculo de Arensberg, Duchamp se movía también en el de Alfred Stieglitz, que editaba la revista 291, donde Duchamp colaboró escribiendo poesía abstracta en francés. También trató a Beatrice Wood. La chica, de 22 años, dijo en su encuentro que le parecía que el arte moderno podía hacerlo cualquiera, a lo que Duchamp contestó que por qué no lo intentaba. Cuando Wood le mostró su dibujo, Duchamp le dijo que intentaría que se su amigo Allen Norton lo publicase en Rogue y le ofreció pintar en su estudio. Wood escribió de esta época «Salvo por el acto físico, éramos amantes». Más adelante Wood se enamoró de Roché, quien escribió a una obra, Victor, que dejó inacabada y que según Tomkins está inspirada en este triángulo amoroso. Sin embargo, según su propio testimonio, no se acostó con él hasta 1917.
== La Sociedad de Artistas Independientes y la Fuente de R. Mutt ==
A partir de principios de 1917 los artistas del círculo de Arensberg fundaron la Sociedad de Artistas Independientes, a imitación del Salon des Indépendants con la intención de organizar exposiciones sin premio ni jurado. En dos semanas llegaron a los seiscientos miembros. Duchamp fue nombrado responsable del comité de selección y decidió que las obras se expondrían ordenadas alfabéticamente de acuerdo al apellido del autor. En total se expusieron 2125 obras de 1200 artistas, lo que convirtió la exposición en la mayor de la historia de los Estados Unidos. Duchamp no presentó ninguna obra con su nombre, pero sí lo hizo con el seudónimo de R. MUTT.

La obra en cuestión era un urinario que Duchamp había comprado con Arensberg y Stella. Lo tumbó y pintó el nombre R. MUTT en él. R. Mutt aludía por una parte al Mott y a la tira cómica Mutt and Jeff y por otra la R. hacía referencia a Richard, «monedero» en jerga francesa. Lo envió a la organización con los dos dólares de la inscripción y el título: Fuente. Según escribió Beatrice Wood, el objeto causó mucho revuelo entre algunos organizadores, que consideraban que era una broma o una indecencia. Se realizó una votación para determinar si habría que admitir el urinario en la exposición, que perdieron sus defensores. Duchamp y Arensberg dimitieron de la junta. El urinario se expuso en la galería 291 de Stieglitz, donde este la fotografió. Se desconoce cuál fue el destino de la obra. También se desconoce por qué Duchamp la presentó a la exposición. Según Tomkins, se podría tratar de una provocación dirigida a la facción que se tomaba más en serio el asunto.

Por aquella época Duchamp, Roché y Wood publicaron The Blind Man donde reprodujo la fotografía que tomó Stieglitz junto al editorial The Richard Mutt Case en el que se hace énfasis en que el autor eligió la obra, lo que la convierte en arte. Cincuenta años más tarde, Duchamp diría «Les tiré el urinario en la cara y ahora lo admiran por su belleza estética».
=== La guerra ===
Véase también: [[Dadaísmo|dadaísmo]]

En 1916 se originó el dadaísmo en Zúrich por un grupo de artistas que huían de la [[Primera Guerra Mundial]]. Según uno de sus fundadores, [[Tristan Tzara]], el dadaísmo no era moderno en absoluto, y Duchamp lo asociaba a Jarry y [[Aristófanes]]. Declaraban que toda obra humana es arte y consideraban que la vida era más importante que el arte. Duchamp, que tampoco tenía ningún interés en ir a la guerra, compartía muchos puntos con los dadaístas suizos, pero aseguraba que no que él y su círculo hacían en Nueva York «no era dadá». La diferencia estaba, según él, en que los dadaístas «libraban una batalla contra el público. Y cuando se está librando una batalla, resulta difícil reírse al mismo tiempo». El ambiente en Nueva York era más jovial. Sin embargo, a Duchamp y su grupo se los conoce como los dadaístas de Nueva York.

Por aquel tiempo empezó a dar clases de francés a Katherine Dreier, que estaría presente en los siguientes treinta años de su vida. Dreier, hija de inmigrante alemanes adinerados, fue directora fundadora de la Sociedad de Artistas Independientes de 1916, y había votado en contra de la Fuente, pero tras la dimisión de Duchamp dijo que ella no le encontraba originalidad, pero que si le hubieran ayudado a verla los que sí la hacían, habría podido apreciarla. Más adelante le encargó un cuadro para su biblioteca. Duchamp tardó seis meses en hacer su primera pintura desde 1914. El resultado, que tituló Tu m' (que según Tomkins suele leerse como Tu m'emmerdes, o «tú me aburres»), es un cuadro retininano que al propio Duchamp no le gustaba. Fue el último lienzo que pintó en su vida.

Poco más tarde se iría sin embargo a Buenos Aires acompañado de Yvonne Chapel. Las razones, según una carta a Jean Crotti, parecen ser la tensión en el matrimonio Arensberg y las restricciones a causa de la guerra. No se sabe por qué eligió Argentina. Durante sus preparativos de viaje Duchamp regaló sus obras a sus amigos, incluido un estudio del Gran vidrio que regaló a Roché y una miniatura de 7×5 cm de Desnudo bajando una escalera que regaló a las hermanas Stettheimer.
=== Buenos Aires y París ===
Duchamp se embarcó junto a Chastel a bordo del Crofton Hall rumbo a Buenos Aires, donde llegarían veintiséis días más tarde con la intención de quedarse algunos años. A las tres semanas de su llegada le llegó la noticia de la muerte de su hermano Raymond Duchamp-Villon, que se había alistado voluntario y contrajo una fiebre tifoide con complicaciones en un hospital militar.

Según escribió a Crotti, a Duchamp Buenos Aires le pareció muy machista, pues la sociedad bonaerense no aceptaba a las mujeres solas. Además, escribió a Ettie Stettheimer «Buenos Aires no existe. No es más que una gran población provinciana con gente muy rica sin pizca de gusto que todo lo compra en Europa». Pero al mismo tiempo le gustaba, pues continuaba «Estoy muy contento de haber descubierto esta vida tan distinta... en la que encuentro placer en el trabajo». Compró un vidrio y empezó a trabajar en efectos que quería trasladar al Gran Vidrio. También trató de organizar una exposición cubista para introducir a los bonaerenses al arte moderno, para lo que pidió ayuda a su amigo Henri-Martin Barzun de París, que le debía traer treinta cuadros cubistas, poemas de [[Stéphane Mallarmé|Mallarmé]] y revistas de vanguardia. Barzun no colaboró y la exposición no prosperó.

Pero pronto dejó el trabajo de lado por el ajedrez. Compró revistas de ajedrez y estudió partidas de José Raúl Capablanca. En 191 se apuntó a un club de ajedrez y empezó a jugar por correspondencia con Arensberg. Para Duchamp el ajedrez era «una obra maestra del cartesianismo» y «tan imaginativo que, a primera vista, ni siquiera parece cartesiano» y le atraía enfrentar las dos actitudes, la ajedrecística y la artística. Yvonne Chastel acabó cansándose del ajedrez y volviendo a París.

Katherine Dreier la hizo una visita y se volvió a Nueva York con un dos obras de Duchamp. La primera era Estereoscopía a mano (Stéréoscopie à la main), que jugaba con el efecto estereoscópico: se trataba de dos fotografías en las que había dibujado un poliedro que al verse con un estereoscopio parecía flotar sobre el paisaje. La segunda era À regarder (de l'autre côte du verre), d'un oeil, de près, pendant presque une heure o Para mirar (desde el otro lado del vidrio), con un ojo de cera durante casi una hora, título que Dreier cambiaría por Equilibrio alterado (Disturbed balance). Se trataba de un vidrio en el que había aplicado la técnica de raspado del plateado, que consiste en raspar una base de mercurio para obtener las formas que se buscan. En el vidrio hay elementos que acabarían en el Gran Vidrio, como las láminas de oculista o las tijeras y otros, como la pirámide o la lupa.

El único ready-made que ideó en Buenos Aires fue un regalo que envió por correo a su hermana Suzanne con motivo de su boda con Jean Crotti. Les envió las instrucciones para colgar un libro de geometría con un cordel de una ventana para que el viento pasase sus páginas y aprendiese «por fin tres o cuatro cosas de la vida». Lo llamó Le ready-made malheureux (Ready made desdichado).

En 1919 se embarcó en el Highland Pride con rumbo a Southampton. Pasó un mes en Londres, tras lo que visitó la casa paterna de Ruán, y de allí fue a París. Encontró París poco cambiado, pese a la guerra. Los círculos artísticos jóvenes gravitaban alrededor de [[Guillaume Apollinaire|Apollinaire]], que había sido licenciado del ejército con una grave herida en la cabeza que acabó por matarle antes del armisticio. Duchamp no expuso nada en el Salon d'Automme de 1919, pero se preocupó de que se expusieran diecinueve trabajos de Raymond, su hermano muerto. Fue en esta época cuando supo de la existencia de su hija, que estaba siendo criada por su madre, Jeanne Serre, y Henry Mayer, un financiero. No volvería a verla en más de cuarenta años.

Pero Duchamp tenía en mente regresar a Nueva York, cosa que hizo a finales de diciembre. Sin embargo, le dio tiempo de crear tres nuevos ready-mades: el Cheque Tzanck (Chèque Tzanck), L.H.O.O.Q. y Aire de Paris (Air de Paris).
=== De vuelta en Nueva York ===
A su vuelta a Nueva York encontró que los Arensberg había dejado de ser el lo que eran, pues se encontraban en dificultades económicas. Junto a Dreier y Man Ray fundaron la Société Anonyme, Inc.. Duchamp insistía en que el arte moderno debía ser divertido, pues lo consideraba fundamental para reavivar el interés de Estados Unidos por las nuevas tendencias. La Société Anonyme organizó en los veinte años siguientes ochenta y cinco exposiciones e introdujo la obra de Archipenko, Vasili Kandinsky, Paul Klee, [[Fernand Léger|Léger]], Villon, Louis Eilshemius, Mndrian y Schwitters a pesar de la falta de financiación.

Duchamp hizo trasladar el Gran Vidrio a su nuevo apartamento, y el polvo se acumuló en él. Man Ray hizo una fotografía del resultado que titularion Cultivo de polvo (Élevage de puissière). Después fijó el polvo de los conos, limpió el resto, pidió que plateasen la zona inferior y se dedició a rasparla para obtener las tres láminas de oculista. También construyó su primera máquina óptica Rotative plaque verre (Optique de précision), que no consideraba arte. Esta exploración le llevó a interesarse por la cinematografía. Realizó una película de la baronesa von Freytag-Loringhoven afeitándose el pubis con efecto estereoscópico. La película se estropeó y sólo se salvaron dos tiras que encajaban. En esta muestra se apreciaba el efecto estereoscópico. Por lo demás, jugaba mucho al ajedrez en el Marshall Chess Club, donde logró ganar en dos ocasiones a Frank Marshall en las partidas simultáneas que el maestro jugaba contra doce contrincantes.

En 1920 vio la luz por primera vez el alter ego de Duchamp Rose Sélavy. La elección del nombre se debe a que Rose le pareció el nombre más bobalicón de la época, y Sélavy un calambur de c'est la vie. Duchamp compró una french window (ventana francesa), cubrió los vídrios de cuero negro y pegó el título: Fresh widow copyright Rose Sélavy 1920 (Viuda fresca, copyright Rose Sélavy 1920). Man Ray fotografió a Duchamp vestido con un abrigo de piel y un sombrero cloche, toma que acompañaría a un frasco de perfume con la etiqueta Belle Haleine-Eau de Violette (Precioso aliento-Agua de velo). Duchamp también empleó el nombre de su alter ego femenino en un ready-made muy «rectificado»: Why Not Sneeze Rose Sélavy. Más adelante le añadió una R adicional al nombre, que pasó a ser Rrose Sélavy.

En junio de 1920 visitó París. Allí encontró al grupo dadaísta, encabezado por Tzara, Picabia y Breton y que incluía también a Jacques Rigaut, [[Louis Aragon]], [[Paul Éluard ]], [[Gala]] y [[Philippe Soupault]]. Duchamp acudió a varios actos, pero escribió a Ettie Stettheimer que «de lejos todos estos movimientos aparecen realzados por un atractivo del que carecen a corta distancia». En esta visita realizó un cortometraje junto a Man Ray que jugaba con efectos ópticos y creó un ready-made: La trifulca de Austerlitz (La bagarre d'Austerlitz). La visita fue breve, pues a principios de 1921 se embarcó de vuelta a Nueva York. Cuando le preguntaron por qué prefería vivir en Nueva York, cuando muchos artistas estadounidenses se estaba marchando a París, Duchamp respondió que los neoyorquinos estaban más dispuestos a dejarlo en paz.

Fue una época de desapego de amistades, relaciones amorosas y trabajo. Ni concluía el Gran Vidrio ni empezaba obras nuevas y se negaba a repetirse. Editó una antología de Henry McBride; compró junto a su conocido Leon Hartl un taller de tintes, negocio que fracasó al cabo de seis meses, y ćonsiguió participar en unas partidas simultáneas contra Capablanca.

A principios de 1923 volvió a París. En esta ocasión no dio ningún motivo. Tomkins supone que Duchamp asociaba en este momento Nueva York a su sequía creativa. Antes de marcharse realizó un último ready-made: Wanted/$2,000 Reward,[51] un cartel de «se busca» que había encargado a un impresor y en el que puso fotografías suyas de frente y perfil. Para entonces había decidido dejar el Gran Vidrio inacabado.
=== Veinte años (casi ininterrumpidos) en París ===
En lugar de dirigirse directamente a París, Duchamp desembarcó en Brusleas, donde pasó cuatro meses jugando al ajedrez y participó en el Torneo de Bruselas, su primer torneo de entidad, en el que terminó en tercer lugar.

En París, Breton asentó los cimientos sobre los que se asentó la leyenda francesa de Duchamp en su ensayo del número de octubre de Littérature. Breton, por lo demás, tuvo poca suerte atrayendo a Duchamp al movimiento surrealista. De hecho, aunque formó parte del jurado del Salon d'Automne, no se relacionó prácticamente con el bullicio artístico de París. Apenas recibió un encargo de Jacques Doucet de realizar una máquina óptica, en la que trabajó durante 1924 y que llamó Semiesfera giratoria (Rotative demi-sphère). Duchamp la realizó a cambio del coste de los materiales y del ingeniero que la confeccionó, y dejó claro que no quería que se expusiese. También destacó que no quería que se viese en la máquina otra cosa distinta a la óptica. Breton siguió publicando escritos—a menudo frases sueltas, como My niece is cold because my knees are cold (Mi sobrina tiene frío porque mis rodillas están frías) —de Duchamp/Rrose Sélavy en Litterature.

En 1924 participó en la película de veinte minutos de René Clair y Picabia Entr'acte, que de proyectó en una representación del ballet Relâche. Duchamp aparece en una escena jugando al ajedrez con [[Man Ray]] hasta que un chorro de agua interrumpe la partida. Más tarde participó en Cinésketch, en la que representó el papel de Adán, prácticamente desnudo a excepción de una hoja de parra y una barba postiza junto a Bronja Perlmutter, que representó el papel de Eva. A finales de 1925 invirtió parte de su herencia—sus padres murieron a principios de ese año—en una película, Anémic Cinéma con calamburs de Rrose Sélavy que giraban sobre unos discos.

Su principal ocupación, sin embargo, seguía siendo el ajedrez. Dejaba París durante semanas para participar en torneos. Jugó en la Riviera junto al equipo de Niza, y volvió a participar en el Torneo de Bruselas al año siguiente de su retorno a Europa. Quedó cuarto. Le invitaron al equipo que representaría a Francia en las primeras Olimpiadas de ajedrez, inoficiales, de 1924, donde Francia quedó séptima. Poco más tarde fue nombrado campeó de la Alta Normandía al ganar un torneo en Ruán. En esta época realizó su Bono para la ruleta de Montecarlo (Obligations pour la roulette d Monte-Carlo), en el que aparecía una fotografía suya tomada por Man Ray con la cara cubierta de espuma y formando dos cuernos. Estos bonos, valorados en 500 francos, prometían una rentabilidad del veinte por ciento. El dinero se invertía en un sistema que había desarrollado Duchamp para ganar en la ruleta. Las ganancias fueron escasas, sin embargo, pero los bonos se revalorizarían con el tiempo.

En 1925 participó en el campeonato de Francia de ajedrez. Duchamp diseño el cartel del acontecimiento. Acabó sexto, pero estuvo cerca de ganar al campeón, Robert Crepeaux.

En 1926 empezó su carrera como marchante de arte, oficio que desempeñaría durante dos décadas. En opinión de Tomkins, esto resulta «insólito», pues había despreciado largamente el oficio. Su objetivo era, decía, «ni salir ganando ni perdiendo, más un diez por ciento». No logró grandes beneficios. Su primera intervención de envergadura fue la subasta de ochenta obras de Picabia. Después se interesó por las esculturas de Brancusi de John Quinn, recientemente fallecido. Tras adquirir 29 piezas, viajó a Estados Unidos para tratar de venderlas. Allí asistió a la primera exposición en la que se exhibió el Gran Vidrio, organizada por Dreier. Algo después de la venta, regresó a París.

Duchamp se casó, para sorpresa de sus conocidos, en 1927 con Lydie Sarrazin-Levassor, a la que había conocido por medio de Picabia. Duchamp escribió a propósito de su boda a Katherine Dreier «Me caso en junio. No sé cómo explicarlo, porque ha sido tan repentino que me resulta difícil de explicar. [Lydie] No es especialmente guapa ni atractiva, pero parece tener una mentalidad capaz de comprender cómo puedo sobrellevar el matrimonio». Tomkins opina que Duchamp contrajo matrimonio buscando la estabilidad económica que le ofrecía el padre de Lydie, fabricante de automóviles. Sin embargo, la pensión que le concedió a su hija fue de unos escasos 2.500 francos. Aunque las primeras semanas fuerno, según Lydie, que escribe «estuvimos muy unidos, muy íntimamente» y Duchamp, que escribe en una carta a Walter Pach «ha sido una experiencia encantadora hasta el momento y espero que siga así. Mi vida no ha cambiado en nada; tengo que ganar dinero, pero no para dos», en verano afloraron los problemas. Lydie era ajena al arte moderno, y no cuadraba con los amigos de Duchamp, por ejemplo cuando Crotti le pidió que posara desnuda. Tampoco sobrellevaba bien la afición de Duchamp por el ajedrez, que le tenía estudiando situaciones de juego hasta la madrugada. En una ocasión pegó los trebejos al tablero. Poco después Duchamp le dijo que se iba a jugar con Man Ray y que no volvería. Se continuaron viendo hasta que Duchamp le pidió el divorcio en octubre, que les fue concedido el 25 de enero de 1928.

Tras el divorcio, Duchamp continuó su relación con Mary Reynolds y siguió participando en torneos de ajedrez. En 1929 viajó con Dreier por España y Alemania. En el Torneo de Hyéres le concedieron el premio a la brillantez y en el Turnoi International de Paris de 1930 jugó con los mejores ajedrecistas del planeta. Terminó último, pero empató con Xavier Tartakower e hizo tablas con George Koltanowski. Participó en varias competiciones con el equipo nacional francés, capitaneado por Alexander Alekhine, campeón mundial, perdiendo más partidas de las que ganó. Edward Lasker lo consideró «un jugador muy sólido En 1933 participó en su último torneo de envergadura en Folkestone.

En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.

Murió en Neuilly-sur-Seine en 1968.
== Obra ==
Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran vidrio (Le grand verre). Realizada en pintura y alambre sobre vidrio, fue recibida con entusiasmo por parte de los [[Surrealismo|surrealistas]].

La obra original se encuentra en el museo de Filadelfia y está agrietada, debido a un mal embalaje en el traslado al Museo de Brooklyn en 1926, única vez que se pudo contemplar en su estado original. Diez años después, el propio Duchamp restauró la pieza en casa de Katherine Dreier, en aquel momento su propietaria

En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario (La fuente, 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista.

El ready-made introducía una fuerte crítica a la institucionalidad y el fetichismo de las obras de arte, provocando enormes tensiones incluso dentro del mismo círculo surrealista.

Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido; tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina.

Además de su obra plástica, es muy importante destacar su afición a los juegos de palabras que muchas veces se encontraban presentes en los títulos de sus obras, produciendo una multiplicidad de hilarantes lecturas.

Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art, y aún hasta nuestros días, se mantiene como el artista crucial para la comprensión de la posmodernidad.

Es frecuente desprender de las obras de Duchamp lecturas con contenidos explícitamente sexuales, en general, los análisis de su obra se mueven entre el sicoanálisis y los cuestionamientos académicos e institucionales de las artes plásticas.

Los últimos años de su vida, Duchamp preparó en secreto la que sería su última obra y que sería armada sólo después de su muerte, ésta es un diorama que se observa a través de un agujero en una puerta del museo de Filadelfia, lo que ahí dentro se ve, es una parte del cuerpo de una mujer, ostentando una lámpara en un paisaje rural. El título añade aún más incertidumbre a las lecturas que se puedan hacer de la obra "Dados: 1. La cascada 2. El gas del alumbrado público".(Etant donnés: 1-la chute d'eau, 2- le gaz d'éclairage.)

Existe otra "lectura" de la obra de Duchamp, y, por inclusión, de todo el llamado "arte moderno": Toda su obra es una burla al espectador, carente por completo de significado de ningún tipo. Dalí se mofaba abiertamente de la "búsqueda de lecturas" de los críticos de arte moderno. Solía decir: "Esto que he hecho ni sé lo que es, pero está lleno de significado".
=== El ready-made ===
El ready-made es un concepto difícil de definir incluso para el propio Duchamp, que declaró no haber encontrado una definición satisfactoria. Es una reacción contra el arte retiniano, esto es, el arte visual, por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una quimera. En su elección, Duchamp trató de dejar al margen su gusto personal; los objetos escogidos le debían de resultar indiferentes visualmente, o retinianamente. Por esta razón limitó el número de ready-mades a crear. Sin embargo sabía que la elección es una manifestación del gusto propio. A este respecto declaró que fue un «jueguecillo entre mi y yo».

Retrospectivametne, se puede considerar el primer ready-made a Rueda de bicicleta sobre un taburete, aunque en su momento Duchamp no lo interpretó como tal, como tampoco hizo con Portabotellas'. Estas dos obras, escogidas en París, se perdieron tras su traslado. El primer ready-made completamente auténtico es una pala quitanieves que colgó del techo mediante un hilo y tituló In Advance of the Broken Arm. Una semana más tarde compró un ventilador de chimenea y lo llamó Pulled at 4 Pins, que en inglés no tiene significado, pero cuya traducción al francés, tiré a quatre èpingles, se puede traducir como «de punta en blanco». A excepción de rueda de bicicleta y portabotellas, que como se ha indicado no son ready-mades propiamente dichos, estas obras suelen tener nombres que no guardan aparentemente ninguna relación con el objeto.

En primavera de 1916 eligió tres nuevos ready-mades. Peigne era un peine canino firmado con las iniciales M.D. Aunque el título es descriptivo, no lo es la inscripción que lo acompañaba: «3 ou 4 gouttes de hauteur n'ont rien a faire avec la sauvagerie» (3 o 4 gotas de altura no tienen nada que ver con el salvajismo). Como escribió el mismo día de su creación, con la inscripción pretendía transformar el acto en un acontecimiento para el futuro. Pliant... de voyage es una funda de máquina de escribir, lo que la convierte en la primera escultura blanda. À bruit secret es un ovillo de cordel entre dos láminas cuadradas de latón sujetas por cuatro tornillos. Duchamp le dijo a Arensberg que metiera dentro del ovillo un pequeño objeto, sin decirle cuál era. En las chapas de latón hay una inscripción ininteligible con palabras en inglés y francés incompletas y solapadas. En 1917 convirtió un anuncio de pintura Sapolin en el que modificó algunas letras en Apolinère Enameled, creando un ready-made rectificado, pues está modificado.

Más tarde firmó un cuadro de una escena de batalla del Café des Artistes, convirtiéndolo así en un ready-made. También dijo que se podría firmar el rascacielos Woolworth Building para convertirlo en un ready-made o usar un [[Rembrandt]] como tabla de planchar.

En 1917 escogió un tablón de madera con varias escuadras que había adquirido para colgar ropa pero que dejó en el suelo una temporada y con el que solía tropezar y lo clavó definitivamente en el suelo, llamándolo Trébuchet (Perchero), haciendo un juego de palabras con trébucher (tropiezo) Porte-chapeau era un perchero circular que sujetó del techo.

Su ready-made más famoso es probablemente Fuente, presentado en la exposición de la Society of Independent Artists. En el editorial de Blind Man se hacía énfasis en que no tenía importancia si el autor lo había fabricado él mismo o no, si no que era el acto de la elección lo que transforma un artículo de fontanería en una obra artística, y crea un pensamiento nuevo para el objeto.

Escultura de viaje (Sculpture de voyage) es una obra realizada con gorros de baño cortados en tiras, pegados y clavados a su pared que realizó poco antes de partir hacia Buenos Aires.

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Isaac Newton

2009-11-01T10:58:38Z

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[[Imagen:Newton.jpg|150px|right]]

'''Isaac Newton''', científico inglés (Woolsthorpe, Lincolnshire, 1642 - Londres, 1727). Hijo póstumo y prematuro, su madre preparó para él un destino de granjero; pero finalmente se convenció del talento del muchacho y le envió a la Universidad de Cambridge, en donde hubo de trabajar para pagarse los estudios. Allí Newton no destacó especialmente, pero asimiló los conocimientos y principios científicos de mediados del siglo XVII, con las innovaciones introducidas por [[Galileo Galilei|Galileo]], [[Francis Bacon|Bacon]], [[René Descartes|Descartes]], [[Johannes Kepler|Kepler]] y otros.

Tras su graduación en 1665, Isaac Newton se orientó hacia la investigación en Física y Matemáticas, con tal acierto que a los 29 años ya había formulado teorías que señalarían el camino de la ciencia moderna hasta el siglo xx; por entonces ya había obtenido una cátedra en su universidad (1669).

Suele considerarse a Isaac Newton uno de los protagonistas principales de la llamada «Revolución científica» del siglo XVII y, en cualquier caso, el padre de la mecánica moderna. No obstante, siempre fue remiso a dar publicidad a sus descubrimientos, razón por la que muchos de ellos se conocieron con años de retraso.

Newton coincidió con [[Gottfried Leibniz|Leibniz]] en el descubrimiento del cálculo integral, que contribuiría a una profunda renovación de las Matemáticas; también formuló el teorema del binomio (binomio de Newton). Pero sus aportaciones esenciales se produjeron en el terreno de la Física.

Sus primeras investigaciones giraron en torno a la óptica: explicando la composición de la luz blanca como mezcla de los colores del arco iris, Isaac Newton formuló una teoría sobre la naturaleza corpuscular de la luz y diseñó en 1668 el primer telescopio de reflector, del tipo de los que se usan actualmente en la mayoría de los observatorios astronómicos; más tarde recogió su visión de esta materia en la obra Óptica (1703).

También trabajó en otras áreas, como la termodinámica y la acústica; pero su lugar en la historia de la ciencia se lo debe sobre todo a su refundación de la mecánica. En su obra más importante, Principios matemáticos de la filosofía natural (1687), formuló rigurosamente las tres leyes fundamentales del movimiento: la primera ley de Newton o ley de la inercia, según la cual todo cuerpo permanece en reposo o en movimiento rectilíneo uniforme si no actúa sobre él ninguna fuerza; la segunda o principio fundamental de la dinámica, según el cual la aceleración que experimenta un cuerpo es igual a la fuerza ejercida sobre él dividida por su masa; y la tercera, que explica que por cada fuerza o acción ejercida sobre un cuerpo existe una reacción igual de sentido contrario.
[[Imagen:Isaac Newton.jpg|200 px|right]]
De estas tres leyes dedujo una cuarta, que es la más conocida: la ley de la gravedad, que según la leyenda le fue sugerida por la observación de la caída de una manzana del árbol. Descubrió que la fuerza de atracción entre la Tierra y la Luna era directamente proporcional al producto de sus masas e inversamente proporcional al cuadrado de la distancia que las separa, calculándose dicha fuerza mediante el producto de ese cociente por una constante G; al extender ese principio general a todos los cuerpos del Universo lo convirtió en la ley de gravitación universal.

La mayor parte de estas ideas circulaban ya en el ambiente científico de la época; pero Newton les dio el carácter sistemático de una teoría general, capaz de sustentar la concepción científica del Universo durante varios siglos. Hasta que terminó su trabajo científico propiamente dicho (hacia 1693), Newton se dedicó a aplicar sus principios generales a la resolución de problemas concretos, como la predicción de la posición exacta de los cuerpos celestes, convirtiéndose en el mayor astrónomo del siglo. Sobre todos estos temas mantuvo agrios debates con otros científicos (como [[Edmund Halley|Halley]], Hooker, [[Gottfried Leibniz|Leibniz]] o Flamsteed), en los que encajó mal las críticas y se mostró extremadamente celoso de sus posiciones.

Como profesor de Cambridge, Newton se enfrentó a los abusos de Jacobo II contra la universidad, lo cual le llevó a aceptar un escaño en el Parlamento surgido de la «Gloriosa Revolución» (1689-90). En 1696 el régimen le nombró director de la Casa de la Moneda, buscando en él un administrador inteligente y honrado para poner coto a las falsificaciones. Volvería a representar a su universidad en el Parlamento en 1701. En 1703 fue nombrado presidente de la Royal Society de Londres. Y en 1705 culminó la ascensión de su prestigio al ser nombrado caballero.

'''Extraído de'''
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/n/newton.htm Biografías y Vidas]

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Vladímir Vernadski

2009-11-01T10:55:20Z

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[[Imagen:Vladimir Vernadsky.jpg|right|200 px]]
'''Vladímir Ivánovich Vernadski''' Влади́мир Ива́нович Верна́дский) (12 de marzo de 1863, calendario gregoriano 28 de febrero de 1863 calendario juliano – 6 de enero de 1945) fue un científico ruso-ucraniano que contribuyó a la fundación de varias disciplinas modernas, especialmente la geoquímica, y cuyas ideas sobre la noosfera fueron una contribución fundamental al cosmismo ruso.

En 1885 se graduó en física y matemáticas en la Universidad de San Petersburgo, prolongando su formación durante los dos años siguientes en diversas universidades europeas. A partir de 1890 fue profesor de mineralogía y cristalografía en la Universidad de Moscú, donde se doctoró en 1897. Miembro de la Academia Rusa de Ciencias desde 1912, trabajó para esta institución hasta su muerte. A la vez fue fundador (1918) y primer presidente de la Academia Ucraniana de Ciencias. Por éste y otros motivos es considerado tan compatriota por los ucranianos como por los rusos.

Vernadski fue discípulo de [[Vasili Dokucháyev]] (1840-1903), fundador de la edafología, quien le transmitió una comprensión integradora de la naturaleza. Eduard Suess, que también había sido influido por Dokuchayev, forjó la palabra biosfera sin llegar a definirla. Vernadski es especialmente célebre por su libro La biosfera (1926), donde presenta a la vida como la fuerza geológica que da forma a la tierra. Vernadsky fue fundador de varias nuevas disciplinas como la geoquímica, la biogeoquímica y la radiogeología. Habiéndole dado al concepto de biosfera su contenido actual, es considerado como uno de los fundadores de la ecología y el padre de la visión moderna del sistema Tierra.

Concebía la Tierra como la superposición de cinco realidades integradas: la litosfera, entendida como esfera sólida de la Tierra; la atmósfera; la biosfera; la tecnosfera, el resultado de la alteración producida por el hombre; y la noosfera, la esfera del pensamiento. A la vez veía la historia del planeta como una evolución autónoma con tres etapas dominadas respectivamente por la evolución geológica, la evolución biológica y la evolución de la cultura. Vernadski observó la dependencia de la composición atmosférica con respecto a la actividad biológica, ofreciendo de la Tierra un concepto muy próximo al propuesto más tarde por [[James Lovelock]] con su hipótesis Gaia.

Vladímir Vernadski dejó una nutrida estela de seguidores en la Unión Soviética, la cual constituyó una escuela separada. La influencia de Vernadski en la ecología occidental se ha producido a través de algunos de sus discípulos, y de la traducción al inglés de dos de sus obras: Geoquímica (1924) y La biosfera (1926). Debe destacarse la influencia de sus nociones sobre [[Theilard de Chardin]], cuyo uso del concepto de noosfera deriva directamente del de Vernadski.
== Obra ==
*Geochemistry1924
*The Biosphere 1926.
*Essays on Geochemistry & the Biosphere

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Anaïs Nin

2009-11-01T10:51:47Z

JustoJ:

[[Imagen:Anais Nin.jpg|right|200 px]]
'''Anaïs Nin''' (Neuilly, Francia, 21 de febrero de 1903 - Los Ángeles, 14 de enero de 1977). Escritora francesa, nacida de padre cubano de origen catalán y madre también cubana hija de un diplomático danés, Anaïs pasó mucha de su temprana infancia con sus familiares cubanos. Más tarde naturalizada como ciudadana norteamericana, vivió y trabajó en París, Nueva York y Los Ángeles. Autora de novelas avant-garde en el estilo surrealista francés, es mejor conocida por sus escritos sobre su vida y su tiempo recopilados en los Diarios de Anaïs Nin, volúmenes del 1 al 7.

Nin comenzó a escribir su diario a comienzos del siglo XX, a la edad de once años. Continuó escribiendo en sus diarios por varias décadas, y a lo largo de la vida conoció y se relacionó con mucha gente interesante e influyente del mundo artístico y literario, así como del mundo de la psicología, incluyendo a [[Henry Miller]], [[Antonin Artaud]], [[Edmund Wilson]], [[Gore Vidal]], [[James Agee]], y [[Lawrence Durrell]].

Los manuscritos originales de sus diarios, que constan de 35,000 páginas, se encuentran actualmente en el Departamento de Colecciones Especiales de la UCLA (Universidad de California en Los Ángeles)

== Reseña biográfica ==
Sus padres fueron la cantante cubana, de ascendencia francesa y danesa, Rosa Culmell, y el pianista cubano de origen español [[Joaquín Nin]], aunque este las abandonó pronto, cuando Anaïs contaba con once años. Las circunstancias vitales llevaron a Anaïs a iniciar un diario en fecha muy temprana, como una forma de cobijarse de la realidad.

A los 19 años consigue un trabajo como modelo y bailarina de flamenco y se casa en La Habana (Cuba) con el banquero Hugo Guiler, con el que se marcha a París. Una vida aburrida y la lectura de [[D.H. Lawrence]] la convencen para hacerse artista.

En 1930 publica un ensayo sobre Lawrence y un año después conoce a Henry Miller, quedando ambos mutuamente admirados e iniciando una correspondencia apasionada. Se convierten en amantes y ella llega a mantener relaciones incestuosas con su padre, Joaquín Nin, tras reencontrarse con él en París. Al tiempo, la mujer de Miller, June, antigua prostituta, la iniciará en el voyeurismo y el safismo.

Empieza a escribir una novela desde las inquietudes y los presupuestos del París del momento, titulada La casa del incesto. Se inicia también en el psicoanálisis y, tras ser psicoanalizada por [[Otto Rank]], éste le sugiere la escritura como una forma de eludir la obsesión que tiene con su padre. Escribe Invierno de artificio y publica La casa del incesto, edición que confeccionó en una rústica imprenta que montó en una buhardilla de Macdougal Street, en New York y que utilizó para imprimir sus libros y los de sus amigos.

En 1939 emigra a Estados Unidos y allí se convierte en la primera mujer que publica relatos eróticos, Delta de Venus, que denota una fuerte influencia del Kamasutra.

En su propia editorial, publica en 1947 En una campana de cristal, que es bien recibido por la crítica, destacando el comentario de [[Edmund Wilson]]. El éxito definitivo le llega en 1966 con la publicación de su diario, aunque al tiempo su salud se resquebraja por causa de un tumor de ovarios. Se la reconoce como pionera de la liberación de la mujer.

Su obra se ha llevado al cine, en 1990 [[Philip Kaufman]] dirigió Henry y June, y al teatro, "La casa del incesto" de Georgina Tábora.

En 1973 recibió el doctorado honoris causa del Philadelphia College of Art. Fue elegida para el Instituto Nacional de las Artes y las Letras en 1974. A su muerte, su cuerpo fue incinerado y sus cenizas esparcidas sobre la Bahía de Santa Monica.
== Los Diarios de Anaïs Nin: las versiones inexpurgadas ==
La razón por la que existen ahora dos versiones publicadas de sus diarios es debido a que mucha de la gente que Anaïs menciona en sus diarios estaba aún viva cuando el primer volumen fue publicado en los 1960´s, por lo que porciones considerables de los diarios tuvieron que ser censuradas. Conforme pasó el tiempo y muchos de las personas mencionadas en el diario fueron falleciendo, comenzaron a publicarse versiones "inexpurgadas" o sin censura de los diarios. Ambas versiones son interesantes porque contienen material único; las versiones "inexpurgadas" en su mayor parte ignoran el material que se cubrió en las versiones originales.

Los 4 volúmenes de los diarios inexpurgados son los siguientes:

"Henry, su mujer y yo" Diario amoroso (1931-1932) (también llamado "Henry y June") se recomienda como un buen comienzo para los lectores que no estén previamente familiarizados con Anaïs y su trabajo. Este libro describe la forma como Anaïs maneja el triángulo amoroso en el que se ve envuelta con [[Henry Miller]] (autor de Trópico de Cáncer) y su esposa June. ISBN-10: 9500427982, ISBN-13: 978-9500427982. Éste es el más conocido y fácil de conseguir en sus traducciones al español, de todos los diarios de Nin.

"Incesto" Diario amoroso (1932-1934) retoma la historia donde se quedó el diario anterior. Algunas personas encuentran este libro perturbador porque Anaïs describe en él un aborto en etapa avanzada de embarazo y, en opinión de algunos, glamoriza una relación romántica con su padre, con el cual se reencuentra (y enamora) después de 20 años de no verlo.

"Fuego" Diario amoroso (1934-1937) nos describe el arribo de Anaïs a Nueva York a donde ha ido escapando de su esposo y de su amante [[Henry Miller]], para regocijarse en el análisis del psicoanalista [[Otto Rank]] (uno de los primeros discípulos de [[Sigmund Freud]]).(ISBN: 8478445226), (EAN: 978-8478445226)

"Más cerca de la luna" Diario amoroso (1937-1939) Anaís se encuentra a mediados de sus treinta, encuentra una comprensión más profunda de ella misma y de sus relaciones complejas con su esposo Hugo, con [[Henry Miller]] y con su amante sudamericano.

Al menos de los primeros tres de estos diarios, existen traducciones al castellano publicadas.
== Los Diarios de Anaïs Nin: las versiones originales ==
Estas son las versiones originales de los diarios que fueron publicadas. Están censuradas, y en muchos casos los nombres han sido cambiados. Como dato curioso, el esposo de Anaïs, Hugo, decide no ser incluido en los diarios, por lo que Anaïs no menciona en ningún momento su matrimonio con él.

El Diario de Anaïs Nin, volumen 1 (1931-1934). cubre los años en Francia a las afueras de París donde conoce a [[Henry Miller]], su esposa June, publica su libro sobre [[D.H. Lawrence]] y desarrolla un profundo interés por el psicoanálisis.

El Diario de Anaïs Nin, volumen 2 (1934-1939). Aquí Nin se convierte en una artista por derecho propio, influenciada por [[Otto Rank]], [[Henry Miller]], [[Lawrence Durrell]], y [[D.H. Lawrence]]. La segunda guerra mundial ha comenzado y aparece como un trasfondo dramático.

El Diario de Anaïs Nin, volumen 3 (1939-1944). Este volumen explica cómo Anaïs Nin, una autora avant-garde, establece contacto con un público norteamericano. La guerra está en pleno desarrollo y la gente que Nin conocía en París se ha dispersado. Anaïs regresa a los Estados Unidos.

El Diario de Anaïs Nin, volumen 4 (1944-1947). Este volumen es más fragmentario que los anteriores, pero contiene algunas de las observaciones más agudas de Nin sobre la vida y la literatura. Anaïs comienza a publicar sus novelas en forma comercial

El Diario de Anaïs Nin, volumen 5 (1947-1955). Este volumen es muy fragmentario. Refleja la vida ecléctica de Nin, que incluye viajes constantes entre México, Los Ángeles, Nueva York, San Francisco y París. También lidia con la muerte de sus padres.

El Diario de Anaïs Nin, volumen 6 (1955-1966). Este volumen contiene más páginas que los anteriores, cubre un mayor número de años, y está más estructurado. Cubre hasta el año en que publica el primer volúmen de sus diarios.

El Diario de Anaïs Nin, volumen 7 (1966-1974). El último volúmen de los diarios, hasta antes de que las versiones inexpurgadas fueran publicadas, comenzando a finales de los 1980´s. Anaïs Nin finalmente logra el reconocimiento como escritora.

De la mayoría de estos diarios no se consiguen publicadas traducciones al castellano, excepto el primero, que puede aparecer simplemente como "El diario de Anaïs Nin" (si no indica cuál volúmen es, significa que es el primero).
== Los diarios tempranos de Anaïs Nin ==
Hay muchos volúmenes de su diarios cuya fecha es anterior a la que corresponde a las ediciones publicadas originalmente. Estos diarios tempranos fueron publicados por primera vez en los 1980´s.

Linotte: Los diarios tempranos de Anaïs Nin (1914-1920). También llamados Diarios de infancia. Es una encantadora y entretenida visión de la vida temprana de Anaîs, desde que tenía once hasta los diecisiete años.

Los diarios tempranos de Anaïs Nin volúmen 2 (1920-1923). En esta etapa de su vida, es central su creciente conflicto entre su papel como mujer y su cada vez mayor determinación de convertirse en escritora.

Los diarios tempranos de Anaïs Nin volúmen 3 (1923-1927)

Los diarios tempranos de Anaïs Nin volúmen 4 (1927-1931)

Nin ha sido aclamada por muchos críticos como una de las más notables escritoras de literatura erótica femenina. Fue una de las primeras mujeres en realmente explorar el mundo de la literatura erótica, y ciertamente la primera mujer occidental destacada por escribir literatura erótica. Antes que ella, la literatura erótica escrita por mujeres era muy escasa, con algunas pocas notables excepciones.

De acuerdo con el volumen 1 de su diarios, publicado en 1966, Nin se involucró por primera vez con la literatura erótica cuando siendo adolescente, junto con su madre y sus dos hermanos regresaron a París. rentaron el departamento de un hombre norteamericano que iba a estar fuera de la ciudad durante el verano, y Nin se encontró con varias ediciones baratas de libros franceses pornográficos.

Enfrentada más adelante con una necesidad desesperada de conseguir dinero, Nin y Miller comenzaron en los 1940´s a escribir narrativas erótica y pornográficas para un "colecccionista anónimo" a un dólar por página. Nin consideraba los personajes en sus escritos eróticos como caricaturas extremas y no pretendría publicarlos, pero cambió de opinión a principios de los 1970´s y permitió que se publicaran a modo de compilaciones en "Delta de Venus" y "Pajaritos".
== Bibliografía ==
*D.H. Lawrence: An Unprofessional Study
*"Collage" (1964)
*"Invierno de artificio" (1939)
*"Bajo la campana de cristal" (1944)
*"La casa del incesto" (1936)
*"Delta de Venus" (Póstuma)
*Little Birds
*"Ciudades de interior" (1959), en cinco tomos:
*"Pájaros de fuego" (Póstuma)
*"Hijos del albatros" (1947)
*The Four-Chambered Heart
*"Una espía en la casa del amor" (1954)
*Seduction of the Minotaur
*The Novel of the Future
*In Favor of the Sensitive Man
*Henry and June (1990)
*Incest
*Fire (1995)
*Nearer the Moon (1996)
*El Diario de Anaïs Nin (1966-Póstuma)
**1931-1934 Vol. 1 (1969)
**1934-1939 Vol. 2 (1986)
**1939-1944 Vol. 3 (1983)
**1944-1947 Vol. 4 (1983)
**1947-1955 Vol. 5 (1975)
*1955-1966 Vol. 6 (1977)
*1966-1974 Vol. 7 (1981)
*1920-1923 Vol. 2 (1983)
**1923-1927 Vol. 3 (1985)
*1927-1931 Vol. 4 (1986)

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Bertrand Russell

2009-11-01T10:47:35Z

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Bertrand Arthur William Russell, 3er Conde de Russell, OM, MRS, (18 de mayo de 1872 - 2 de febrero de 1970) fue un filósofo, matemático y escritor británico.

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Felipe II de España

2009-11-01T10:39:04Z

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[[Imagen:Felipe II.jpg|right|200 px]]
'''Felipe II'''. Rey de España y Portugal (Valladolid, 1527 - El Escorial, 1598). Era hijo de [[Carlos I de España|Carlos I]] y de Isabel de Portugal. Durante el reinado de su padre había asumido en varias ocasiones las funciones de gobierno -bajo la tutela de un Consejo de Regencia-, por ausencia del emperador, absorbido por los conflictos de los Países Bajos (1539) y Alemania (1543). En 1554 Carlos I abdicó en él Nápoles y Milán, al tiempo que la boda con María Tudor le convertía en rey consorte de Inglaterra; las abdicaciones del emperador se completaron con la entrega a Felipe de los Países Bajos, Sicilia (1555), Castilla y Aragón (1556). Austria y el Imperio fueron entregados al tío de Felipe, Fernando, quedando separadas las ramas alemana y española de la Casa de Habsburgo.

Felipe II modernizó y reforzó la administración de la Monarquía Hispana, apartándola de las tradiciones medievales y de las aspiraciones de dominio universal que había representado la Monarquía Católica de su padre. Los órganos de justicia y de gobierno sufrieron notables reformas, al tiempo que la corte se hacía sedentaria (capitalidad de Madrid, 1560). Desarrolló una burocracia centralizada, sobre la cual ejercía una supervisión directa y personal de los asuntos.

Pero las cuestiones financieras le sobrepasaron, dado el peso de los gastos militares sobre la maltrecha Hacienda Real; en consecuencia, Felipe hubo de declarar a la Monarquía en bancarrota en tres ocasiones (1560, 1575 y 1596). Alrededor del rey se disputaban el poder dos «partidos»: el del duque de Alba y el que encabezaron primero el príncipe de Éboli y más tarde Antonio Pérez; las luchas entre ambas redes se exacerbaron a raíz del asesinato del secretario Escobedo (1578), culminando con la detención de Pérez y el confinamiento de Alba. Desde entonces hasta el final del reinado, dominó el poder el cardenal Granvela, coincidiendo con la época en que, gravemente enfermo el rey, se alejó de los asuntos de gobierno y delegó en Juntas de nueva creación.

En política exterior, el reinado de Felipe II se inició con la liberación de la Corona de las responsabilidades imperiales (1556), el abandono del proyecto de unión con Inglaterra por la muerte de María Tudor (1558) y las victorias militares de San Quintín (1557) y Gravelinas (1558), que pacificaron temporalmente el recurrente conflicto con Francia (Paz de Cateâu Cambrésis, 1559).

En consecuencia, Felipe II pudo orientar su política hacia el Mediterráneo, encabezando la empresa de frenar el poderío islámico representado por el Imperio Turco; esta empresa tenía tintes de cruzada religiosa, pero también una lectura de política interior, pues Felipe hubo de reprimir una rebelión de los moriscos de Granada (1568-71), musulmanes de sus propios reinos que habían apelado al auxilio turco. Para conjurar el peligro formó Felipe la Liga Santa, en la que se unieron a España Génova, Venecia y el Papado. La resonante victoria que obtuvieron sobre los turcos en la batalla naval de Lepanto (1571) quedó reafirmada en los años posteriores con las expediciones al norte de África.

A finales de la década de 1570, distraída la atención de los turcos por la presión persa en el este, disminuyó la tensión en el Mediterráneo. Ello permitió a Felipe reorientar su política hacia el Atlántico, para atender a la grave situación creada por la sublevación de los Países Bajos contra el dominio español, alentada por los protestantes desde 1568; a pesar del esfuerzo militar que dirigieron, sucesivamente, el [[Fernando Álvarez de Toledo y Pimentel|duque de Alba]], [[Luis de Requesens|Requeséns]], don [[Juan de Austria]] y [[Alejandro Farnesio]], las provincias del norte de los Países Bajos se declararon independientes en 1581 y ya nunca serían recuperadas por España.

La orientación atlántica de la Monarquía se acrecentó en 1581, al incorporar el reino de Portugal, aprovechando una crisis sucesoria en la que Felipe II hizo valer sus derechos al Trono mediante la invasión del país, que le convirtió en Felipe I de Portugal. En aquel momento alcanzó la Monarquía su mayor expansión territorial, añadiendo a sus dominios europeos las colonias españolas y portuguesas en América, África, Asia y Oceanía, hasta constituir un imperio en el que «no se ponía el sol».

Aprovechando las guerras de religión, Felipe se permitió también intervenir en 1584-90 en la disputa sucesoria francesa, apoyando al bando católico frente a los protestantes de Enrique de Navarra (el futuro [[Enrique IV de Francia y Navarra|Enrique IV]]), circunstancia que aprovechó para intentar sin éxito poner en el Trono francés a su hija Isabel Clara Eugenia (nacida del tercer matrimonio de Felipe, con la hija de Enrique II de Francia, Isabel de Valois).

La mayor presencia española en el Atlántico acrecentó la tensión con Inglaterra, manifestada en el apoyo inglés a los rebeldes protestantes de los Países Bajos, el apoyo español a los católicos ingleses y las agresiones de los corsarios ingleses contra el imperio colonial español (protagonizadas por Drake); todo ello condujo a Felipe a planear la invasión de la isla por la Armada Invencible, empresa que fracasó estrepitosamente en 1588, iniciando el declive del poderío español en Europa. Coincidió éste con la vejez y enfermedad de Felipe II, cada vez más retirado en el palacio-monasterio de El Escorial, que había hecho construir en 1563-84.

Al morir le sucedió [[Felipe III de España|Felipe III]], hijo de su cuarto matrimonio (con Ana de Austria); el primer heredero varón que tuvo (el incapaz príncipe Carlos, hijo de su primer matrimonio con María Manuela de Portugal) había muerto muy joven encerrado en el Alcázar de Madrid y, según la «leyenda negra» que alentaban los enemigos de Felipe II, por instigación de su padre.

'''Extraído de'''
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/felipe_ii.htm Biografías y Vidas].

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